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Bernardo Atxaga (Asteasu, Guipúzcoa, 1951) se define a sí mismo como un escritor «inseguro». Tanto, que desde hace «mucho tiempo» viene haciéndose la pregunta de hacia dónde se dirige en esta nueva etapa que se abre ante él. Tal vez por eso, argumenta, noticias como las que recibió este lunes le otorgan cierta «tranquilidad». «Siento que se ha hecho visible mi trabajo», celebra el último ganador del premio Nacional de las Letras Españolas, considerado un autor fundamental en la proyección internacional de las lenguas vasca y castellana. El Ministerio de Cultura y Deporte anunció la mañana de ayer el fallo del jurado, que reconoce la labor de Atxaga en la modernización del euskera a través de una narrativa «impregnada de poesía» y en la que ha «combinado de una manera brillante realidad y ficción». Ejemplos de esa excelencia literaria son «De la ciudad» (1974) o «Obakoak» (1988), considerada una de sus obras culmen. En su cuento «Exposición de la carta del canónigo Lizardi», que obtuvo el premio Ciudad de San Sebastián, se presentaba por primera vez el territorio legendario de Obaba que en 2005 llevaría a la gran pantalla Montxo Armendáriz. —¿Qué significado tiene para usted este galardón? —Este premio es una especie de rúbrica, de reconocimiento. A mí me da tranquilidad, porque yo he sido un escritor inseguro a lo largo de esta larguísima travesía. No me engaño tampoco: el premio lo dan seres humanos, no las musas. Pero, en principio, estoy más seguro que ayer. Se ha hecho visible mi trabajo y eso sirve para, quizá, hacer un punto y aparte y pensar qué es lo que hago de aquí en adelante. Es un paréntesis. —¿A qué se refiere? ¿Supone el premio un nuevo punto de inflexión en su carrera literaria? —Sí, totalmente. El premio subraya lo que llevo pensando desde hace tiempo y que ya anuncié, que es que «Casas y tumbas» será mi última novela. Quiero dejar ese género. Para mí, lo importante es escribir, y quiero seguir escribiendo. Pero voy a ver hacia dónde van mis manos, o mi cabeza, o mi estómago. Pero no voy a seguir como hasta ahora. —¿Hacia dónde enfocará su trabajo? —Primero tengo que hablar con las musas, pero siento que tengo la oportunidad de volver a empezar. Es una sensación optimista. Ayer mismo —en referencia al domingo— leí un aforismo, porque yo leo aforismos como otros hacen con el horóscopo, que decía que el que ha sido joven siempre será joven. Y bueno, yo en ese sentido me siento totalmente joven y dispuesto a empezar otra vez. —¿Se encuentra inmerso ya en algún proyecto? —Yo he hecho muchas cosas marginales que en su mayoría no se han publicado. Reflexiones que ignoro cuántos lectores pueden tener, pero las escribo sin más. Otra de las cosas que me interesan son las tangentes biográficas. La biografía como tal la considero un imposible, cuando no una impostura, porque nadie recuerda más que fragmentariamente. Y me apetece ponerme a hacer fragmentos de mi propia vida, pero siempre reflexivos. Puedo contar desde un accidente que he visto y a partir de ahí hacer una reflexión. —Se ha referido al futuro. Hábleme del pasado, ¿qué ha cambiado en usted en estas cinco décadas de trabajo como escritor? —Yo sinceramente creo que la edad ayuda mucho a la comprensión del mundo. Lo siento así. La edad ofrece conciencia sobre un mundo que entiendo mucho mejor que cuando era más joven. Tengo la sensación de que cuando tenía 25 o 30 años escribía como dando manotazos al aire. Pero no estoy hablando de nada esotérico. Por ejemplo, yo no tuve hijas hasta los 40 años. Y para mí ese momento ha sido decisivo, porque he entendido cosas que antes no se me pasaban por la cabeza. En mi literatura no cojo reflexiones de aquí o allá, sino que todo ha pasado por mi interior porque el mundo me ha obligado a ello. Y quien ha caminado bajo las palmeras ya no vuelve incólume, ya cambia. El euskera Entre otros motivos, el Ministerio de Educación ha otorgado el premio Nacional de las Letras Españolas a Bernardo Atxaga por su capacidad para proyectar a nivel internacional el euskera a través de su narrativa. En palabras de José María Pozuelo Yvancos, crítico de ABC Cultural y miembro del jurado, el guipuzcoano es «uno de los autores que más ha renovado el euskera». —¿Se considera usted un pionero? —Yo escribí durante años únicamente en lengua vasca. Luego me convertí en algo casi imposible, en escritor bilingüe, que es algo en lo que he invertido mucho tiempo. Pero siempre ha habido casos de pioneros, hay historias dramáticas, y la mía tan dura como eso no ha sido. A mí me han dicho que he sido el primer vasco en muchos sitios, pero tampoco hay que darle a eso demasiada importancia, porque lo importante no es ser el primero, sino hacerlo bien. Eso sí, cuando publiqué «Obabakoak», en las entrevistas me pasaba el día hablando del País Vasco. Y cuando se publicó la primera reseña en Estados Unidos, en el New York Times, pusieron un mapa de Europa y una flecha que indicaba el punto donde estaba el País Vasco. Ahora todo el mundo lo sabe.

Una moneda de colección con un detalle de «Las Meninas» ha sido acuñada en plata de ley por la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre para conmemorar el bicentenario del Museo del Prado, la primera cuyo diseño ha sido elegido por el público. Se han lanzado un millón de monedas conmemorativas. Esta pieza, disponible desde hoy en las entidades bancarias por el mismo importe de su valor, 30 euros, tiene un motivo acuñado en su reverso del cuadro de «Las Meninas» de Velázquez, que fue seleccionado tras una votación del público en las redes sociales del Museo del Prado. Más del 80 por ciento de los más de 7.100 participantes en la consulta se decantaron por ese detalle frente al del retrato del Infante Baltasar Carlos, que era la otra obra propuesta en la encuesta. La nueva moneda ha sido presentada en un acto en el que han participado los directores del Museo del Prado y del Real Patronato de la pinacoteca, Miguel Falomir y Javier Solana, respectivamente; la subsecretaria del Ministerio de Hacienda, María Pilar Paneque, y el responsable de Monedas Conmemorativas de la Real Casa de la Moneda. Además, esta moneda incorpora por primera vez un código QR que, al ser escaneado, da acceso al ciudadano a un contenido exclusivo en el que podrá encontrar información histórica, técnica y artística tanto de la moneda y de su proceso de fabricación como de la obra de Velázquez representada en esta pieza. Javier Solana ha reclamado «cariño» por parte del Ministerio de Hacienda con unos nuevos Presupuesto Generales que permitan tener financiación suficiente para acabar la ampliación y remodelación del Salón de Reinos, informa Ep. «Estamos todavía sin presupuestos, pero la vida sigue y para acabar el Salón de Reinos necesitaríamos tener el mismo cariño que habéis puesto para esta moneda», ha comentado Solana. El presidente del Patronato del Prado ha recordado que el museo está trabajando «con todo el rigor» en este proyecto, pero necesita esa financiación. «Esa ampliación es lo mejor que vamos a hacer en el bicentenario y le va a dar la gloria a España», añadió.

Entre lentejuelas, purpurina y plataformas se esconde uno de los mayores artistas de las últimas décadas. Artista, y no solo cantante, porque la capacidad creativa y expresiva del músico de Londres va más allá de cualquier límite imaginable. Elton John, Sir y amigo predilecto de Lady Di, ha sido una importante influencia para el rock británico coetáneo y posterior, así como para millones de fans que han visto marcada su vida por las canciones del artista. ¿Eres uno de ellos y puedes demostrarlo? Participa en este test y entrarás en el sorteo la edición de lujo de Diamonds, la colección de sus mejores éxitos: Y si todavía no conoces la vida del músico británico a la perfección, puedes entenderla un poco mejor gracias a Rocketman, la película estrenada este mismo año que recorre su evolución musical y personal desde sus primeras etapas.

Neil Young, eterno militante de la justicia social y luchador contra los grandes poderes económicos y corporativos, cumple este martes 74 años convertido en imagen de marca de Amazon Music. La calidad de sonido de este portal de streaming parece haber convencido al artista canadiense, que lleva casi una década luchando por la mejora en los sistemas de reproducción de música. En 2012, Young anunció el lanzamiento de Pono, un reproductor digital de alta definición que sería lanzado el año siguiente junto a una tecnología de conversión digital a analógico. El nuevo dispositivo, explicaba Young, «presenta las canciones tal como suenan durante las sesiones de grabación», y contaba con el respaldo de Warner Music Group, Universal Music Group (que acababa de absorber a EMI) y Sony Music, que se comprometieron a convertir sus catálogos en archivos digitales de alta resolución. Sin embargo, el proyecto fue un fracaso y no llegó a ponerse a la venta. Hace dos años, el músico canadiense volvió a la carga retirando su catálogo de todos los portales de streaming y subiéndolo a su web personal en alta resolución y de forma gratuita, como forma de protesta contra las grandes compañías, a las que acusaba de bajar la calidad del sonido de la música a lo largo de la cadena de distribución. «El streaming ha terminado para mí. Espero que mis fans estén bien con esto. No se trata del dinero, a pesar de que mis ganancias (al igual que la de otros artistas) se redujeran dramáticamente por los malos acuerdos hechos sin mi consentimiento. Se trata de la calidad del sonido. No necesito que mi música sea devaluada a la peor calidad en la historia de la difusión u otra forma de distribución. No me siento bien permitiendo que eso sea vendido a mis fans. Es perjudicial para mi música. Para mí, se trata de hacer y distribuir música que las personas puedan escuchar y sentir. Apoyo eso. Cuando la calidad regrese, le daré otro vistazo. Nunca digas nunca». Este mismo año, publicó el libro «To Feel The Music: A Songwriter’s Mission to Save High-Quality Audio» («Sentir la Música: la misión de un compositor para salvar el audio de alta calidad»), «la verdadera historia de la búsqueda de Neil para devolver el audio de alta calidad a los amantes de la música». Esa historia parece haber terminado ahora tras el lanzamiento del sistema de alta calidad de sonido de Amazon Music, portal de streaming que ha fichado al propio Young para publicitarse. «He esperado que surgiera algo así durante treinta años», dice el músico. «Lo que Amazon ha hecho va a conseguirlo, va a facilitar el resurgimiento de la calidad de sonido. Ahí es donde está el alma del sonido, el sentimiento al escucharlo. En el proceso de grabación hay siempreun determinado ambiente, una atmósfera en el estudio, ahí es donde está la magia. Capturar eso es lo que yo quiero, quiero que todos mis discos suenan así en el entorno digital». Otros servicios de reproducción en streaming similares, como Tidal y Deezer, tambéin ofrecen suscripciones de alta calidad de sonido, pero Spotify asegura que «no es una prioridad» para ellos. Sin nacionalidad estadounidense, por porrero Young nunca ha ocultado su afición al cannabis, y no iba a cambiar aunque su ciudadanía estadounidense dependiese de ello. El artista lleva ya un tiempo tramitándola, pero ahora se enfrenta a un retraso en su solicitud por haber respondido con la verdad a una pregunta sobre su consumo de marihuana en uno de los tests de la Administración Trump. Aunque la planta ya es legal en más de una decena de estados (con fines medicinales en su mayoría, y recreativos en unos pocos), el compositor canadiense, que en principio ya había pasado la prueba para obtener la ciudadanía estadounidense, ahora ha visto cómo le convocan a otra vista «debido a mi consumo de marihuana y a que algunas personas que fuman pueden tener un problema (de adicción)», como él mismo ha explicado. El músico ha tenido que acatar el hecho de que la actual ley diga que «un solicitante que esté involucrado en ciertas actividades relacionadas con la marihuana puede carecer de GMC (buen carácter moral); y si se descubre, habrá violado la ley federal incluso si dicha actividad no es ilegal según el estado de las leyes extranjeras aplicables». Mientras espera la resolución judicial, Young ha lanzado un comunicado de respuesta al texto legislativo que no podría ser irónico: Sinceramente, espero haber exhibido un buen carácter moral y poder votar en conciencia a Donald Trump y sus otros candidatos estadounidenses. Todavía soy canadiense; no hay nada que pueda quitarme eso. Pero yo vivo aquí abajo, pago impuestos aquí abajo, mi hermosa familia está aquí abajo, todos son estadounidenses, así que quiero dar mi opinión».

Un barco desaparecido durante más de 100 años ha vuelto a aparecer en la noche de Halloween en las Cataratas del Niágara, dejando a los trabajadores del parque nacional descolocados. El agitado tiempo de esos días desencalló y alejó la embarcación de un sitio rocoso y la acercó a las cataratas del lado canadiense, según la Comisión de Parques del Niágara como informa la CNN. La embarcación, que se llama «Iron Scow», se desenganchó de su barco remolcador, con dos hombres a bordo, en 1918, quedando varada a unos 590 metros de una de las famosas cataratas y convirtiéndose desde entonces en parte de la tradición local. The severe weather conditions experienced yesterday have caused the iron scow, which has remained lodged in the powerful upper rapids above the Falls for over a century, to shift significantly from its position. History of the Iron Scow Rescue: https://t.co/9Pehx8dabS pic.twitter.com/AG4nfLrzXx— Niagara Parks (@NiagaraParks) November 1, 2019 Para rescatar a los marineros tuvieron que descartar hacerlo a través de botes porque no se consideró seguro, así que lanzaron boyas pero se enredaron hasta que un valiente hombre llamado William «Rojo» Hill desenredó las cuerdas y los hombres pudieron ser rescatados. Desde aquel año, el navío se había mantenido muy sujeto al conjunto rocoso hasta que las potentes ráfagas de viento y oleaje movió los restos de la barcaza, informa la CNN. Desde entonces, el personal de los Parques del Niágara continúa monitoreando la actividad de la embarcación, en caso de que se mueva nuevamente. Y se informa que los restos podrían estar atrapados en un nuevo lugar rocoso «durante días o años. Nadie lo sabe».

«El día 3», la novela gráfica del accidente del Metro de Valencia, ha ganado el premio Nacional del Cómic 2019. El jurado ha destacado la obra de Cristina Durán Costell, Miguel Ángel Giner Bou y Laura Ballester Beneyto «por saber realizar desde el respeto la crónica de un drama social con una narrativa en la que se equilibran la emoción, la excelencia gráfica y el uso de potentes metáforas visuales». Para la realización de la novela gráfica galardonada, cuya primera edición es de 2018, los autores se han basado en las investigaciones de Laura Ballester, reflejadas en el libro «Luchando contra el olvido. El largo camino de las víctimas del Metro de Valencia» (2015). El premio concedido por el Ministerio de Cultura y Deporte, está dotado con 20.000 euros y tiene como objeto distinguir la mejor obra de esta especialidad publicada en cualquiera de las lenguas del Estado durante el año 2018. El jurado El jurado ha estado presidido por Begoña Cerro Prada, subdirectora general de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas. Han actuado como vocales: a propuesta de la Asociación de Autores de Cómic de España (AACE), Ulises Ponce López; por la Federación de Asociaciones de Ilustradores Profesionales (FADIP), Asier Iturralde González de Alaiza; por la Confederación Española de Gremios y Asociaciones de Libreros (CEGAL), Gonzalo González Verdoy; por la Asociación de los Críticos y Divulgadores de Cómic de España, Elena Masarah Revuelta; por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Jordi Teixidor de Otto; por la Federación de Asociaciones de Periodistas de España (FAPE), Berta Tapia Zamora; por el Instituto de Investigaciones Feministas de la Universidad Complutense de Madrid, Graciela Padilla Castillo; y la autora galardonada en la convocatoria de 2018, Ana Peñas Chumillas.

Una subasta de cartas nunca vistas arroja luz sobre la convulsa relación entre el creador de James Bond, Ian Fleming , y su esposa, Ann, desde su intenso y secreto romance hasta el triste final de su matrimonio, informa «The Guardian». Sotheby's está vendiendo más de 160 cartas entre la pareja, escritas durante 20 años, que son «seguramente un registro inigualable de la vida del autor a medida que su suerte cambió», comenta Gabriel Heaton, experto de la casa de subastas. Además de una vivida estampa de la alta sociedad inglesa de la época, con algunos cameos de lujo como Truman Capote. Sobre todo también, aquí podremos leer sobre el surgimiento de James Bond. Heaton sostiene que no es casualidad que Casino Royale, la primera novela, apareciera el año de su matrimonio porque fue «una salida para su libido e imaginación y también un intento de ganar dinero para una mujer que estaba acostumbrada a ser irreflexivamente rica». Ian y Ann se conocieron cuando ella tenía marido. Durante dos maridos de ella, concretamente, fueron amantes. Una relación aromatizada con dosis de sadomasoquismo: «Te anhelo incluso si me azotas porque me encanta que me lastimes y beses después», le escribió Ann una vez a Fleming. En otra carta, Ann escribió: «Desearía que un hada llegara con una varita y arreglara todo, le diera a Esmond una esposa perfecta y me pusiera en tu cama con un látigo de piel de vaca en mi mano para hacerte comportarte bien durante cuarenta años...». En el 48, Ann quedó embarazada de Fleming. La niña, que nació prematura, vivió solo ocho horas. Ahí vemos una serie de misivas tristes. «No tengo nada que decir para consolarte. Después de todo este trabajo y dolor, es amargo. Solo puedo enviarte mis brazos, mi amor y todas mis oraciones», escribe el creador del agente secreto. En otras cartas encontramos los celos de Ann por las numerosas aventuras que tuvo Fleming cuando la pareja se casó finalmente en 1952. «¡Hablas de los 'viejos días de soltero'. ¡La única persona con la que dejaste de dormir cuando acabaron fui yo!». También la fase amarga de su relación está escrita. Por ejemplo, Fleming a la pluma dice: «En el crepúsculo actual, nos estamos lastimando mutuamente hasta tal punto que la vida es difícilmente soportable». Las cartas serán subastadas entre el 3 y el 10 de diciembre con un precio que oscilara entre las 200.000 libras y las 300.000.

Rosalía agitó ayer a sus seguidores y detractores con su ya mítico «Fuck vox», que ha dado la vuelta al mundo digital y ha generado un aluvión de respuestas y comentarios de todo tipo. Entre ellas, la de una duda lingüística que tardaba en resolverse. @RAEinforma #dudaRAE ¿cómo es "tra, tra" o "tratrá"?— Éric (@EricFm) November 11, 2019 El «tra, tra» de Rosalía era famoso, pero sus grafías cambiaban según la persona que lo escribiese. Por eso, y aprovechando la gran cantidad de interacciones que la cantante había generado con su declaración política, un usuario de Twitter preguntó a la Real Academia Española (RAE) cómo se escribía su famosa expresión onomatopéyica. La Academia, como de costumbre, se ha pronunciado: «Cuando aparecen varias interjecciones o expresiones onomatopéyicas seguidas en un enunciado, se separan con comas: "tra, tra". Ninguna de ellas lleva tilde porque son palabras monosílabas y los monosílabos solo se tildan en casos de tilde diacrítica». #RAEconsultas Cuando aparecen varias interjecciones o expresiones onomatopéyicas seguidas en un enunciado, se separan con comas: «tra, tra». Ninguna de ellas lleva tilde porque son palabras monosílabas y los monosílabos solo se tildan en casos de tilde diacrítica.— RAE (@RAEinforma) November 12, 2019

Vox y la cantante Rosalía se han enzarzado en las redes sociales después de las elecciones generales del pasado domingo. «Fuck vox» (que le jodan a Vox), dedicó la artista al partido liderado por Santiago Abascal, que le ha respondido constatando que «solo los millonarios pueden permitirse el lujo de no tener patria», la frase de Ramiro Ledesma (de Falange) que empleó en el minuto de oro del debate electoral. El ascenso de Vox en las urnas, que ha pasado de 24 a 52 diputados, motivó una reacción de la cantante catalana este lunes. «Fuck vox», escribió en su cuenta personal de Twitter después de conocer los resultados electorales. Este martes, la cuenta oficial de Vox ha respondido a la artista. «Solo los millonarios, con aviones privados como tú, pueden permitirse el lujo de no tener patria», se ha defendido acompañando el comentario con una foto de Rosalía de viaje camino a Las Vegas, donde actuará en los Latin Grammy este fin de semana. El comentario de la autora de canciones como «Malamente» ha tenido gran repercusión en las redes sociales, alcanzando en tan solo unas horas millones de comentarios, «me gustas» y retuits.

Un hombre ha sido detenido tras apuñalar a tres artistas durante un espectáculo en vivo en el Parque Rey Abdullah, en Riad, según han señalado el lunes medios locales, que han confirmado que las víctimas se encuentran estables. La identidad y el motivo del agresor no han sido aclarados tras el incidente, pero la televisión estatal Al Ekhbariya ha adelantado que podría tratarse de un residente árabe. Además, han confirmado que las víctimas eran dos hombres y una mujer. En redes sociales se ha viralizado un vídeo que muestra a un hombre corriendo hacia el escenario donde se encontraban los artistas, que inmediatamente caen al suelo, al tiempo que se observa a otra persona persiguiendo al atacante. Otro vídeo sin verificar muestra a los asistentes huyendo hacia la salida del parque. #Breaking: A video captured in #Riyadh in Saudi Arabia shows a attacker wielding a knife stabbing foreign performers in the theatre. pic.twitter.com/GrcXkXFhfU— Sotiri Dimpinoudis (@sotiridi) November 11, 2019 El suceso ha ocurrido durante la celebración de uno de los numerosos eventos de entretenimiento públicos que organiza el Gobierno saudí con el fin de diversificar la economía lejos del petróleo. #Update: Just in - All of the performers are based from The #Netherlands, when they were attacked by a knife wielding radical women hating man on stage in the capital of Saudi Arabia #Riyadh. pic.twitter.com/i7sESUqOwp— Sotiri Dimpinoudis (@sotiridi) November 11, 2019 El príncipe heredero, Mohamed bin Salmán, ha aliviado las restricciones sociales y ha promovido el entretenimiento, anteriormente prohibido en el conservador reino musulmán, con el riesgo de una reacción violenta de los críticos religiosos.

En la actualidad viven dos Sir Paul hijos de la peleona clase obrera de Liverpool. Uno es obvio: el «beatle» Paul McCartney. El otro es Sir Paul Preston, honrado por la Reina el año pasado, un mes antes de caerle los 72. El mérito que esgrimió la Corona fueron «sus servicios a las relaciones anglo-españolas». Ciertamente Preston, formado en las universidades de Cambridge y Reading, ha trabajado a destajo y durante años en la atribulada historia de la España del siglo XX, centrándose en la catástrofe de la Guerra Civil y sus aledaños. Como narrador resulta amenísimo, fiel a la escuela británica, que frente a la tradición española de una historia soporífera que se contaba por acumulación de datos, sabe que aburrir es el mayor pecado. «No hay nada que no se pueda decir de una manera mejor, más simple y elegante», ha dicho alguna vez, y él lo cumple. Su problema estriba en que sus prejuicios ideológicos sesgan su mirada sobre la República y la Guerra Civil. Sus amenos y muchas veces trabajados libros se ven lastrados por una visión maniquea, donde se escamotean las fallas y crueldades del bando republicano, que también las hubo. Preston, que es un buen tipo, tampoco oculta sus tendencias. Criado en una familia de tradición izquierdista le fascinó desde joven la República española y se hizo hombre sintiendo «la indignación por su derrota y la solidaridad con el bando derrotado». Stanley Payne, que encabeza la visión contraria, le ha sacado alguna vez los colores por su mirada parcial. Por lo demás, el historiador inglés es un fantástico conversador, muy divertido y extrovertido. Pasar por su casa del norte de Londres garantiza pasar un buen rato (una vez salí de allí con un singular obsequio: especias para mejorar los «gin tonics»). Hincha impenitente del Everton y profesor desde 1991 de la London School Economics, su izquierdismo nunca lo llevó a los extremos: «No dejé de ser católico para hacerme marxista», ironiza.

Tue, 12 Nov 2019 01:23:39 +0100

De la amplia variedad humana existente entre los llamados hispanistas (estudiar y querer a España y los españoles es asunto, con frecuencia, muy diferente, para nuestra fortuna) cada uno es libre de elegir a su gusto lo peor de cada casa. Tenemos a Madame D’Aulnoy, muerta en 1705 y famosa por sus cuentos de hadas, que quizás no cruzó los Pirineos. O al piadoso danés Hans Christian Andersen, tan amigo de los niños. Mejor dejémoslo así. También en el siglo XIX, hay dos franceses notables. Primero, el que según refirió en publicación posterior destinada a la Europa leída y burguesa, encontró contraproducente que no lo hubieran asaltado los bandidos, un requisito folclórico imprescindible del circo español llamado «viaje» al (entonces) tercer mundo. Segundo, el vicioso Prosper Mérimée, papá de la ¿literaria? Carmen, que se enfadó tanto cuando vio el primer ferrocarril cruzando La Mancha que proclamó que España estaba acabada y nada sería lo mismo. Lo propio de los españoles era seguir viajando en burro, vender sus cuerpos y morir jóvenes para que el señor estuviera contento. Excepción romántica El siglo XX supuso, con la horrible Guerra Civil como drama colectivo execrable, un reforzamiento de esas visiones basadas en el excepcionalismo romántico. El gran Ernest Hemingway dejó plantado el último daiquiri en Florida y salió corriendo en 1937 para Madrid, pues España era «donde había que estar». En esa línea del recalentamiento de la anomalía española, la espera abyecta y secular a que los españoles se maten de nuevo entre sí, están quienes desearon que la transición democrática saliera mal, o en 1981 el intento de golpe de Estado saliera adelante, o la actual fortaleza democrática del Estado de derecho en España acabe de resquebrajarse por la acción combinada de exterroristas y convictos recientes por golpismo. Por eso, sorprende que un historiador reconocido sucumba, a estas alturas de su trayectoria, a los argumentos del «pueblo bueno» y las «elites malas», u ofrezca esta nada original síntesis de tópicos viejos e informaciones conocidas. Lo de «un pueblo» desde el título marca tendencia y recuerda a Don Jorgito Borrow, el vendedor inglés de biblias que visitó España a partir de 1835 en busca precisamente de «un pueblo» para salvar su alma cristiana. ¿No habíamos quedado en que los ciudadanos somos individuos? Las nueve partes que componen el volumen, centradas en el siglo XX, no dejan lugar alguno para el consuelo. «El libro muestra cómo España pasó de la desesperación absoluta de 1898 a una montaña rusa de acontecimientos… la guerra civil fue la más dramática de una serie de luchas desiguales entre las fuerzas de la reforma y la reacción… la restauración de la democracia [en 1977] estuvo acompañada por las viejas prácticas» (p. 17). Lo que no cuenta El problema es otro. Si cambiáramos España en estas frases, con algunos ajustes, por Francia, Alemania, Italia o Reino Unido, ¿se podría decir exactamente lo mismo, o quizás sería aún peor allí que aquí? A falta de una comparación que sostenga el argumento principal, el mérito de este libro subyace en lo que no cuenta. La supuesta esencialidad de la corrupción en la historia de España se corresponde, si acaso, con la formidable resistencia y la acción sostenida de la sociedad civil contra su nefasta influencia. Generales, obispos y monarcas (los malos de este folletín) han sido, si acaso, un reflejo de la elite española, incluso en su evidente y rica porosidad. La historia de los corruptos es la historia de su derrota. Aunque Preston acabe el libro criticando (p. 605) que las instituciones españolas funcionen contra corruptos actuales, que patrocinan en Cataluña golpes de Estado. «Un pueblo traicionado: España de 1876 a nuestros días: Corrupción, incompetencia política y división social». Paul Preston Ensayo. Trad.: Jordi Ainaud. Debate, 2019. 776 páginas. 27,90 euros

Una música aberrante «inventada por los judíos neoyorquinos» y «tocada por negros», que tiene el objetivo de «introducir la obscenidad en la sociedad». Eso era el jazz para Hitler cuando Alfred Lion y su amigo de la infancia, Francis Wolff, recorrían los cabarés de Berlín para escuchar emocionados a las bandas de swing. Hermann Göring ya había amenazado con eso de, «al oír hablar de cultura, echo la mano a la pistola», pero para ellos no había nada más importante. Lion, incluso, realizó viajes a Nueva York con el único propósito de trabajar en los muelles y gastarse todo el sueldo en los discos de Louis Armstrong, Sam Wooding y compañía. Una tarde, cuentan, se compró más de 300 para llevárselos a Berlín, donde no tardó mucho en verle las orejas al lobo. Era judío y, además, Hitler habían comenzado a perseguir a los músicos y aficionados al jazz. En su siguiente visita a la Gran Manzana, en 1938, ya no regresó. No sabía aún que iba a ser protagonista de varias revoluciones en la historia del jazz al fundar, un año después, Blue Note. Un sello que inició con la financiación del escritor marxista Max Margulis y al que se unió su amigo Francis, también judío, tras huir de Alemania en el último barco que zarpó hacia Estados Unidos al inicio de la Segunda Guerra Mundial. Lejos del nazismo y sin prácticamente un dólar, empezaron a trabajar bajo su «inquebrantable compromiso con el hot jazz y el swing más directo y honesto. Blue Note se ocupa de identificar su impulso, no sus adornos comerciales». En la primera sesión registraron las ocurrencias de los pianistas Albert Ammons y Meade Lux Lewis. Grababan de madrugada, cuando el estudio era más barato y los músicos habían acabado sus conciertos en los clubes de Harlem y la calle 52. Todo a cambio de güisqui o muy poco dinero, pero en un ambiente distendido y auténtico que se reflejó en los álbumes del clarinetista Edmond Hall, el guitarrista Charlie Christian y el pianista Earl Hines, cuya sesión fue recomendada por Louis Armstrong. Thelonious Monk «La gente decía que solo grabábamos lo que nos gustaba, y era verdad», aseguraba Wolff. Es probable que ese fuera el secreto: la osadía de editar los discos que querían escuchar como amantes del jazz, sin importar si iban a ser un buen negocio. «Blue Note creó un modelo seguido por otras compañías. Pero el toque distintivo es, sobre todo, su autenticidad, que nace de su creencia sólida en hacer bien las cosas», dijo años después el saxofonista Wayne Shorter. A finales de los 40, el sello estaba ya consolidado como un referente, pero no faltaron a su compromiso. Apostaron por artistas rupturistas en los que nadie creía, como Thelonious Monk. El pianista grabó uno de los primeros trabajos de Blue Note que rasgó la opinión de su tiempo: Round Midnight (1947). Un clásico hoy, pero que fue destrozado por los críticos, que no supieron ver la revolución en las armonías que había detrás. El fichaje de Rudy Van Gelder en 1953 para ocuparse de las grabaciones -primero en un pequeño estudio casero-‌es considerado uno de los hitos del género desde que la Original Dixieland Jazz Band realizara el primer registro en 1917. Ningún otro ingeniero de sonido trascendió en el tiempo como él y marcó el paso de la evolución con una actividad infatigable hasta su muerte en 2016. Por sus manos fueron pasando nombres como Dexter Gordon, Kenny Burrell, Eric Dolphy, Herbie Hancock y Horace Silver, en una genealogía que ha abarcado prácticamente toda la historia del jazz. «Se habla mucho del sonido Blue Note pero, en realidad, debería ser el sonido Horace Silver», reivindicó este último pianista, considerado el padre del hard bop. «Había dejado la heroína» Cuando Blue Note estableció en 1951 la novedad de pagar a los músicos por los ensayos antes de la grabación, muchas estrellas ansiaron la llamada de Lion. El mismo Miles Davis contó en su autobiografía: «Al llegar a Nueva York en 1954, mis carrillos estaban firmes porque había dejado la heroína. Me notaba fuerte física y musicalmente. Dispuesto a todo. Me alojé en un hotel y llamé a Alfred para anunciarle que estaba a punto para grabar otra vez». Durante dos décadas, Wolff cuidó la estética de Blue Note con portadas tan directas y vivas como sus grabaciones, con las fotografías que él mismo tomaba de los conciertos. Luego dejó que otros artistas participaran, como Andy Warhol, hasta que en 1956 contrató a Reid Miles, el diseñador que lo convirtió en el sello de jazz más famoso del mundo. Ahí está la icónica portada de Blue Train (1957), el único disco de John Coltrane en la compañía, con ese primer plano del saxofonista en azul. «Las cubiertas de Miles Davis parecían sonar en la tienda antes de escuchar la música», escribía Felix Cromey en Blue Note: The Album Cover Art (1991). Los éxitos del trompetista Lee Morgan y Horace Silver en 1963 hicieron a Lion y Wolff tomar su última decisión: encabezar cada lanzamiento con un tema pegadizo que pudiera sonar en la radio. La fórmula fue imitada por Prestige, Atlantic e Impulse, lo que no impidió que Blue Note siguiera dando cabida a figuras experimentales como los pioneros del free jazz: Bobby Hutcherson, Ornette Coleman y Cecil Taylor. La venta de Blue Note En 1965 vendieron el sello a Liverty Records. Dos años más tarde, Lion se retiró, y, en 1969, Wolff falleció. Parecía que la compañía iba a desaparecer, engullida por el rock y el pop, pero esta fue comprada por United Artist, en 1985, y pasó a formar parte de EMI. Fue el primer renacimiento, acompañado del talento de nuevos valores como Bobby McFerrin, Joe Lovano, John Scofield o Stanley Clarke, y proyectos cercanos al funk y el rap como US3, que ganó el primer sencillo de oro de Blue Note con una versión de Herbie Hancock: Cantaloop (1993). «Algunos entusiastas del jazz no quieren saber nada de la fusión, pero yo estoy a favor de lo que sea necesario para embellecer la música. No quiero desechar ningún sonido. Comencé con Dixieland, terminé con Cecil Taylor y todavía sigo buscando nuevos sonidos», subrayó Lion antes de morir en 1987. No le dio tiempo a vivir el último renacimiento con Norah Jones, criticada por hacer algo que no era jazz al fichar en 2002. Come Away With Me vendió 20 millones de discos para salvaron a Blue Note de la bancarrota, sin una campaña de publicidad ni un sencillo arrollador, y sin encajar en un estilo concreto. Atendiendo al «impulso, no de sus adornos comerciales». Los músicos que hicieron historia en Blue Note Horace Silver El pianista de Norwalk, Connecticut (1928-2014), grabó casi toda su carrera como líder en Blue Note: 27 discos. Allí se erigió como uno de los pioneros del hard bop y como uno de los artistas más populares de la corriente principal del jazz contemporáneo. A su sombra iniciaron su carrera varios de los músicos más influyentes de las décadas de 1950, 1960 y 1970, como Hank Mobley, Joe Henderson y Cecil Taylor. Art Blakey El batería de Pittsburgh (1919-1990) ejemplificó como nadie el lenguaje moderno de la percusión en el jazz con sus casi 50 discos en el sello de Alfred Lion desde 1957, ya fuera como líder o junto a las figuras más grandes de la historia. Con su grupo, The Jazz Messengers, fieles al hard bop, contribuyó a formar a una lista infinita de estrellas, como Lee Morgan, Freddie Hubbard, Wayne Shorter y Wynton Marsalis. Thelonious Monk A finales de los 40, el pianista (1917-1982) era conocido como el «sumo pontífice del bop». Las grabaciones para Blue Note, donde mezcló técnicas vanguardistas y clásicas, son hitos de la historia del jazz. En 1964 fue portada de «Time». Lee Morgan El de Filadelfia (1938-1972) fue uno de los improvisadores más apasionados del jazz, la quintaesencia del trompetista de hard bop, el estilo que hizo famoso a Blue Note. No hubo músico de metal más hábil que él a la hora de sacar la máxima energía de un tema. Tras tocar con Gillespie y con los Jazz Messengers de Art Blakey, grabó mucho material como líder en el sello de Lion y obtuvo un gran éxito con «The Sidewinder». Miles Davis Cuatro años después de dejar a Charlie Parker, Davis (1926-1991) grabó su primer disco en Blue Note: «Young Man with a Horn» (1952). En ese periodo crucial de su vida, el trompetista más visionario del jazz grabó otras dos sesiones para el sello que le hicieron despegar, para protagonizar hasta tres revoluciones de la historia de la música moderna: el cool, el jazz modal y la fusión de su etapa eléctrica... Y siempre al frente. John Coltrane El saxo más sorprendente de la historia del jazz (1926-1967) publicó solo un disco para Blue Note, «Blue Train» (1957), pero no falta en ni una antología del sello. Lo grabó poco antes de volver con Miles Davis, en una época libre de alcohol y heroína. Es el primer álbum que hizo realmente de solos suyos, con canciones y músicos elegidos por él. Le convirtió en una estrella y anticipó su brillante revolución posterior. Norah Jones La cantante y pianista (Nueva York, 1979) merece un capítulo aparte en Blue Note. Al fichar fue acusada de hacer algo que no era jazz, pero con su debut, «Come Away With Me» (2002), calló todas las bocas: 20 millones de discos vendidos sin campañas de publicidad, sin un sencillo arrollador y sin encajar en un género, recuperando así el espíritu de los fundadores. Un disco bellísimo que colocó de nuevo al selló en la historia. Gregory Porter Cuando Don Was toma el mando de Blue Note en 2012, entre rumores de quiebra, su primera orden es fichar a Porter (Sacramento, 1971)... Y el cantante salvó al sello: «Liquid Spirit» ganó un Grammy y fue uno de los pocos discos de jazz superventas de la década, y «Take Me To The Alley» repitió los dos hitos. Un fenómeno del jazz en el siglo XXI.

Revisitar los orígenes e hitos de Ana Laura Aláez (Bilbao, 1964) pero con ojos de 2019. Y si es preciso, «reconstruyendo» sus piezas. Es lo que propone Todos los conciertos, todas las noches, todo vacío, en el CA2M. Y que en el paseo fluyan todos los temas desarrollados por esta autora (la identidad en movimiento, el fin de todo binarismo, la noche, el vacío...) en un ir y venir incesante que la sacan de la escultura y la devuelven a ella. Hay que remontarse al año 2000 para reencontrarse con su última individual en una institución madrileña. ¿Ha cambiado usted mucho? Un artista sigue trabajando, lo que ocurre es que cuando tienes una cita de este calibre, desde fuera se percibe como un acontecimiento. En esta exposición yo me sirvo de mis piezas como si fueran un material en sí mismas. Las he maltratado un poco, no he tenido cierto respeto conmigo misma... Y al mirar el conjunto, ¿en qué punto se ve? Me sale responder que no creo en la trayectoria ascendente de un artista. Nos han martilleado la cabeza con esa idea, que va unida al concepto de genio, en el que tampoco creo. Lo que tengo claro es que cada vez sé menos. Siempre nos hacemos las mismas preguntas; lo que se modifica es la forma. La juventud se rodea de un hedonismo inevitable, también de un sentimiento de «fuck them all». Luego sigues en las mismas, pero de otra manera. Esa cita del año 2000 fue la que le introdujo en el Espacio Uno del Museo Reina Sofía y que tanta controversia suscitó. ¿Qué aprendió con ella? Ese proyecto se hizo en el momento justo. Hasta entonces, lo que yo venía haciendo se había definido bajo la etiqueta de «arte relacional». El Espacio Uno fue una oportunidad para irme hacia un extremo. Es lo que me sucedió cuando Manuel Segade me contactó para hacer algo en el CA2M. Él quería revisionar ese proyecto, a lo que me opuse. De ninguna manera. Eso ya lo hice. Lo del Reina fue muy intenso porque se me fue de las manos. Fue un proyecto con vida propia. Sin pretenderlo, tuvo mucho eco. Ahora es cuando empiezo a tener conciencia de ello, y de voces más jóvenes. Es cierto que Segade y este museo son muy de revisar los años noventa. ¿Dónde o en qué «estaba» usted entonces? He de decir que yo jamás pensé, por mi origen de clase obrera, y lo digo orgullosa, que llegaría a «entrar» en el ámbito artístico. Por mi origen, se me negaba el acceso. Pero, por otro lado, yo no busqué lo de ser artista. Si señalo esta gran pincelada de mi origen es porque, para mí, alta y baja cultura siempre han estado unidas. Me da la sensación de que los artistas hoy tenemos que ser personajes con un discurso inamovible, ordenado y que transmita un «yo sé de lo que hablo». Para mí, es justo lo contrario, un «yo no sé». Lo mío, desde el comienzo, ha sido un buscar territorios que me permitan ser. Mi experiencia «nocturna» también va asociado a eso. ¿Y los tuvo por ser mujer, un tema recurrente en su obra? Durante años me he negado a decir que sí. Pero como no esperaba que el mundo del arte me diera cancha, hay cosas que ni me planteaba. Yo lo percibía -luego descubrí que no era así- como una arena en la que no hay prejuicios ni de clase, ni de raza, ni de religión, ni género. Dice la comisaria que su propuesta del CA2M no es una retrospectiva. Eso obligaría a que estuvieran sus «mejores» obras. ¿Cuáles son, en su opinión, esos trabajos? Desde fuera, se supone que las que han tenido más eco a nivel social. Pero para mí, a veces, lo son las que no funcionan y he tenido que destruir. ¿Y por qué se destruyen si son las mejores? Porque, para mí, las obras tienen su propia personalidad. Y por mucho que trabajes en ellas, ellas se encargan de decirte «vas a llegar hasta aquí». ¿Y en base a qué las llena de valor? Te aseguro que fama tampoco es, porque la llevo bastante mal. Es una palabra que, aplicada a mí, ha ido en muchas ocasiones en mi contra. A mí me hubiera gustado en algún momento ser alguien con otro nombre, tener un pseudónimo masculino... ¿Por qué no lo ha hecho? Lo haré, lo haré. Es buena idea. Y es joven. Soy joven y lo seré siempre. Lo digo de corazón. Aspiro, si la cabeza me funciona, a ser joven con ochenta años. Pregunto esto porque se usa como título de la muestra el de una pieza poco conocida. Es Todos los conciertos, todas las noches, todo vacío. La hice en 2009. Habla de improductividad, esa que tanto se critica, del manejo del tiempo... Es un acto de borrado de muchos conceptos adquiridos. Hace alusión también a cómo se nos estigmatiza, al vacío... ¿Todos los caminos conducen en el caso de Ana Laura Aláez a la escultura? Sí. Para mí, la palabra es casi como un mantra. De todo el proceso creativo al que te tienes que someter para poder llegar a algo, la escultura tiene una impronta que me interesa mucho. ¿Se sobreexpuso cuando fue elegida para representar a España en la Bienal de Venecia? Ese es otro «temazo». Creativamente, fue una buena experiencia. Pero me hizo ver cómo la «Península Ibérica» afronta una cuestión como esta. La Bienal en España se entiende como si esto fuera Eurovisión, con un lastre y unas carencias que en otros países ya no existen, y de los que se culpa a los creadores. Es terrible. Esto no es un concurso de belleza y se la trata como si lo fuera. ¿Sigue siendo un ave nocturna? Siempre me he cuidado mucho, porque, aunque suene un poco hippie, soy muy de energías. Tengo que alimentar una zona solitaria de mi ser que se plantea muy bien en la noche. En ella puedo estar con gente, pero estoy sola. Eso me encanta. Y me encanta bailar. «Dance and disco»Ana Laura Aláez Todos los conciertos, todas las noches, todo vacío . CA2M (Móstoles). Avda. de la Constitución, 23. Coproduce: Alhondiga de Bilbao. Comisaria: Bea Espejo. Hasta el 26 de enero.

Despuntaba el siglo XVII cuando tres mil indígenas, según fray Juan de Torquemada, iniciaron la construcción de un colosal dique de cuatro kilómetros, cuyo objetivo sería regular las aguas que entraban de los lagos Xaltocan y Zumpango al de Texcoco, para evitar las constantes inundaciones que asolaban a la capital del virreinato novohispano. Anteriormente llamado Calzada de San Cristóbal, hoy conocido como Albarradón de Ecatepec, este monumento es fuente de importantes hallazgos arqueológicos. El último de ellos es un puente túnel-compuerta (de 8.40 metros de largo) con once imágenes prehispánicas, aquellas que datan de los nativos americanos que vivieron en el área antes de 1521, cuando fue conquistado por los españoles. El pasadizo que data del siglo XV fue construido por el emperador Moctezuma I y está dedicado al dios del agua y la fertilidad: Tlaloc. Así lo ponen de manifiesto las imágenes labradas en el arco del túnel, que se compone de dos partes: un teocalli (templo) perfilado en su parte baja, y tres lóbulos en su parte alta que, a su vez, están asociados con estucos que asemejan gotas de lluvia, lo que probaría su vínculo con Tlaloc, de acuerdo con la información dada a conocer por el director del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), Antonio Huitrón Santoyo. INAH En el extremo poniente, se ubicó un glifo más cuya iconografía permanece en estudio. En esta misma área, que fue el acceso del agua al túnel, los investigadores han hallado cuatro clavos de hierro, así como dos vigas de madera de 6.50 metros de largo y un pilote del mismo material orgánico, que podían formar parte de la compuerta original del dique; se han tomado muestras de estos elementos para su posterior estudio en laboratorio. Raúl García, coordinador del proyecto de salvamento arqueológico y puesta en valor del Albarradón de Ecatepec, ha señalado que no es inusual hallar materiales de reuso en la estructura del dique, pero sí es inédito el realce de las piedras labradas al ubicarse en la arcada. Una hipótesis que ha apuntado este especialista es que los glifos y los estucados de las arquerías provengan de los pueblos prehispánicos de Ecatepec y Chiconautla, cuyos habitantes, se sabe, participaron codo a codo con indígenas de la región para erigir el dique en ocho meses. En el pasaje subterráneo hallado se han encontrado materiales de relleno que van desde el periodo Formativo (900 a.C. - 150 d.C.) a la época colonial, entre ellos, vidrio, porcelana, mayólica, un metate seccionado, una escultura sedente decapitada y la base de una efigie humana hecha en basalto y que se usó como dovela. INAH

Un admirador de Madonna ha demandado en Miami a la cantante y a la empresa Live Nation por haber atrasado dos horas el comienzo de los conciertos de su gira Madame X. El demandante es Nate Hollander, quien el pasado agosto compró entradas para ir a la actuación de la cantante del 17 de diciembre en la sala Fillmore de Miami Beach. La hora de inicio eran las 20.30 cuando adquirió los tickets, pero en octubre fue cambiada a las 22.30 por los organizadores, que, de acuerdo con la demanda, no han ofrecido hasta ahora la posibilidad de devolver el dinero a los que no están dispuestos a trasnochar por Madonna. Hollander, que presentaba la demanda el pasado lunes según la CNN, ha intentado revender las entradas sin perder dinero, pero ha sido «imposible» porque los precios bajaron con el atraso de la hora del comienzo del concierto. El demandante afirma haber pagado 1.024,95 dólares por tres tickets para uno de los siete conciertos de la gira «Madame X» programados en el Fillmore Miami Beach At Jackie Gleason Theater entre el 14 y el 22 de diciembre. La diva del pop no se ha quedado callada. Su cuenta oficial de Twitter publicaba un vídeo durante la actuación del sábado pasado en Las Vegas: F. A.C.T.S. 👑 .................... #madamextheatre #thecolosseum pic.twitter.com/QBV99f1Y3I— Madonna (@Madonna) November 9, 2019 La cantante de «Material Girl», sentada sobre el piano y balanceando sus tonificadas piernas, les dijo a sus admiradores que debían «entender» que «una reina nunca llega tarde», algo que varios medios interpretaron como una respuesta a la demanda interpuesta en los tribunales del condado de Miami-Dade el lunes pasado.

Stan Lee nunca contó que Stan Lee no existía. Se llamaba Stanley Martin Lieber y adoptó ese pseudónimo para mantener su nombre limpio mientras trabajaba en el mundo del cómic por supervivencia y poder usar su nombre verdadero cuando al fin pudiera dejar esos subproductos y escribir la gran novela americana que tenía en su cabeza. Les contaré una anécdota que recoge el libro «Marvel, ¡qué hermosa eres!», de Arturo González-Campos, imprescindible para los fans de Marvel. Estaba Lee a punto de retirarse cuando accedió a cumplir el último encargo de su jefe Martin Goodman: crear un grupo de superhéroes moderno que hiciera sombra al éxito de La Liga de la Justicia de DC. Junto con Jack Kirby, creó a Los 4 Fantásticos y, como consecuencia de su éxito, ir pariendo el universo Marvel que hoy llena cines y vende millones. Si hablan ustedes con cualquier amigo «entendido» en cómics sobre Stan, seguramente tardará dos segundos en minimizarlo, acusarle de aprovecharse del talento ajeno sin, en realidad, haber inventado nada. Pero ninguno de aquellos supuestos colaboradores de Lee a los que, según dicen, vampirizó, fue capaz, en solitario, de crear algo parecido a lo que él hizo. Kirby lo intentó con el Cuarto Mundo tras dejar Marvel y emigrar a DC. Ditko, el compañero que Lee eligió para crear a Spiderman, tampoco fue capaz de imitar la gesta cuando salió de su paraguas. Su amigo jamás le contará que Lee iba poniendo la idea de un universo cohesionado donde los personajes vivían historias comunes que se mezclaban, dándote la impresión de que, si no leías todos, no abarcabas el universo completamente. Si su amigo sigue diciendo que no inventó nada quite cuanto antes la etiqueta de «entendido» y métalo en la carpeta de personas que repiten como papagayos verdades heredadas. Si no les cabe, tuiteros es buen nombre también. Stan Lee se inventó todo un mundo, incluso un mundo en el que él se llamaba Stan Lee.

Tue, 12 Nov 2019 01:21:13 +0100

En un mundo cambiante y agitado, donde la tecnología corre y nosotros jadeamos, parece que Marvel es una de esas pocas cosas que permanecen, como la Coca Cola o la siesta (por ahora). Sus superhéroes siguen ahí, en su particular Olimpo, dominando la cultura pop sin importar el formato, antes en el cómic, ahora en el cine o, incluso, en los videojuegos: ventajas de tener universo propio y trasladable a distintos lenguajes. Todo vale para contar las historias de Spiderman, Hulk, Iron Man y compañía. Y eso es lo que hace Marvel, seguir entreteniendo a legiones y legiones de fans con sus personajes inmortales, aquí y allá, con un éxito que parece asegurado y que ni siquiera ha notado la pérdida de su padre creador, Don Stan Lee, de la que hoy se cumple un año. Un año en el que no se ha olvidado su figura (paseada en forma de cameo por los grandes taquillazos de su franquicia) y en el que su mundo sigue como siempre: creciendo en todas direcciones. Lee, qué duda cabe, es uno de los nombres propios de este siglo y el anterior, y también el resultado de una costumbre muy estadounidense: la de personalizar empresas de éxito en una sola cabeza única y genial, como Walt Disney o Steve Jobs. Su importancia para la cultura popular es incuestionable, pero también lo son sus luchas creativas dentro de su propia compañía, y la atribución (muchas veces externa a él) de los méritos. Hablamos, hay que recordarlo, de un hombre que también era personaje, que vivía entre la realidad y el mito: todo en una sola biografía. «A mí Stan Lee me interesa más como gestor que como creativo, habiendo tenido un papel creativo importante», explica al otro lado del teléfono Carlos Pacheco, dibujante de Marvel. Según él, uno de sus grandes aciertos fue el de rodearse de los mejores creadores del momento. «Stan Lee crea Marvel, y Jack Kirby crea a Stan Lee», bromea. A estos artistas les dio más poder, e inventó, «de manera casi casual», el «método Marvel», que consistía en involucrar al dibujante en el argumento del cómic, trabajando no tanto con un guión completo como con una sinopsis a partir de la cual desarrollar su material gráfico. «Eso cambió la forma de hacer cómics de superhéroes», asevera. Ahí es nada. Para Antoni Guiral, autodenominado divulgador de tebeos (y crítico, guionista y editor), una de las grandes aportaciones creativas de Stan Lee fue la de humanizar a los superhéroes, convirtiéndolos en personas con problemas para pagar las facturas, como Spiderman. «Junto a varios dibujantes, fue el creador de diversos personajes que revolucionaron el campo de los superhéroes», afirma. También destaca su gran olfato comercial, y su capacidad para dirigir un catálogo como el de Marvel. Aun así, a él le gusta destacar una facetas no tan conocida, que es la de divulgador. «Dio conferencias por todo Estados Unidos, explicando muy bien lo que hacían en Marvel. Fue una gran tarea de divulgación que hizo por el cómic. Junto con su capacidad de gestión, su gran aportación fue transmitir su entusiasmo por este medio», subraya. Pero más allá de los cómics, hoy Marvel –y de ahí su imperio– es más bien una empresa multimedia, que reina del cine y mete cabeza en los videojuegos. En eso, Lee también anduvo atinado, pues supo ver con tiempo que sus historias podían contarse en distintos formatos. «Fue el primero que promovió que sus héroes llegaran a la televisión, con las primeras series de Hulk o Spiderman. Incluso al mundo del disco: durante una temporada había discos de Spiderman, por ejemplo. Era una mente muy global, que intentaba abarcar todo. En ese sentido se parece a George Lucas», apunta Arturo González Campos, que el próximo 26 de noviembre publica «Marvel, ¡qué hermosa eres!» (Minotauro). En otras palabras: él entendió que lo que estaba haciendo era una mitología laica, que se podía llevar a cualquier cultura, como Star Wars. Con todo, Pacheco recuerda que a día de hoy el principal responsable del éxito cinematográfico de Marvel no es Stan Lee, sino Kevin Feige, presidente de Marvel Studios. «No ha adaptado los cómics al cine, sino que ha creado a Marvel en el cine. Tengo la impresión de que de aquí a un tiempo acabará siendo una especie de Stan Lee», apunta. Sea como fuere, no deja de tener gracia que una de las últimas creaciones de Stan Lee fuese una novela, que acaba de publicarse en España de forma póstuma. «Un juego de luz» (Duomo), escrita entre el propio Lee y la periodista Kat Rosenfield, dice mucho de la personalidad de este hombre. Al final de su vida, tras más de ocho décadas –se dice rápido– trabajando, decidió embarcarse en una nueva historia en un formato que no dominaba. Para más inri, cuenta la historia de unos adolescentes inmersos en una realidad (a veces distópica, otras utópica) marcada por la tecnología, como la nuestra, pero un poco más. Habla de youtubers, de hackers, de realidad aumentada, de transhumanismo, de cómo crece el odio en las redes sociales... El mundo cambia muy rápido, sí, y la tecnología corre, pero hay gente que es capaz de estar siempre ahí, en el esquivo presente, incluso con más de noventa años. Al pie del cañón y sin jadear. Hasta el final.

«Fuck VOX». Son solo dos palabras, pero traerán más cola que todos los análisis políticos sobre las elecciones juntos. Así, con las palabras «que le jodan a VOX» (pero en inglés, esta vez no ha llevado el castellano por bandera), Rosalía ha expresado en las redes sociales su opinión sobre la formación de Santiago Abascal, lo cual ha desencadenado una oleada de comentarios de sus seguidores. «Gracias por mojarte como embajadora de España», «Woody Guthrie te manda saludos jefaza» o , decían los partidarios de su tuit. Algunos respondían con algo de sorna, («Ah sí pero para sacar una línea de ropa con Inditex ya no tienes tanta conciencia de clase»), y otros se mostraban contrarios a su comentario: «Fuck Vox pero no fuck Bildu...», «Eso quiere decir que estás a favor del independentismo». En menos de una hora, el mensaje de la autora de «El Mal Querer» contra la formación de Santiago Abascal ha recibido más de 83.0000 me gusta y 30.000 retuits. Entre otros, ha recibido la respuesta de Adriana Lastra, vicesecretaria general del PSOE, quien ha respondido con un «¡tra tra!», en alusión a la canción «Malamente», que hizo famosa a Rosalía. Fuck vox— R O S A L Í A (@rosaliavt) November 11, 2019 Rosalía no es la única que opina También ha sido muy escueto en su reacción el triunfito Cepeda, que dice sentirse «más gallego que nunca», en referencia a los malos resultados de VOX en la Comunidad Autónoma. Me siento más gallego que nunca https://t.co/9VDnYt0FCZ— Luis Cepeda (@cepedaoficial) November 10, 2019 Otro artista que ha reaccionado al ascenso en votos de VOX este domingo, pero de una forma más extensa, ha sido Coque Malla, que ya tuvo un encontronazo con la formación cuando ésta utilizó una canción suya en un mítin. En esta ocasión, el ex Ronaldos ha mostrado su sorpresa y preocupación por el número de escaños alcanzados. «Es España un maravilloso país al que desgraciadamente también hay que reprocharle unas cuantas cosas. Pero jamás imaginé que un discurso tan conocido, tan falso, rancio y peligroso como el de la extrema derecha europea fuese a calar tan hondo como para que tres millones y pico de votantes les abriese de par en par las puertas del Congreso y les proporcionase nada más y nada menos que 52 diputados. Todavía no acabo de creérmelo 52 diputados», escribe en el texto, publicado en Facebook. Y añade: «La extrema derecha más fuerte de toda Europa, se dice pronto. En fin. Queridas y queridos niños que habéis caído en la trampa de esta gente, permitidme que con todo el cariño, me ponga un poco abuelo cebolleta: leed. ¡Leed mucho! ¡leed todo lo que os caiga en las manos! Filosofía, teatro, comedia, novela, poesía. Autores europeos, asiáticos, latinoamericanos, estadounidenses y australianos... leed», recomienda el madrileño, que acaba de lanzar su último disco, titulado «¿Revolución?». Recomienda entonces Malla que volemos con nuestra imaginación a «través de las páginas y las palabras» para así ser «libres y autónomos». «Veréis como el mundo pequeño y cutre que esta gente os quiere presentar se rompe en mil pedacitos que vuelan por el universo, nuestra verdadera y única patria», apostilla. Convencido de que el arte es una herramienta eficaz para desarrollar el sentido crítico, apuesta Coque también por «museos, teatros, salas de exposiciones, guiñol, instalaciones artísticas, conferencias, mimo y música. "Mucha música! Y luego silencio, el maravilloso y sanador silencio». En esta línea, aconseja viajar «lejos, a países exóticos y extraños» en los que comer «cosas raras» y aspirar «los fuertes olores de las especias en las calles de un mercado callejero de Italia, Marruecos o Bangkok». «Y aunque os suene raro, si no lo habéis hecho nunca: hacedlo solos», destaca. «Dejaos llevar por el viaje y la aventura y conoced gente diferente y maravillosa. Gente de todas las razas y colores. Gente amable y hospitalaria, que no ve a un extranjero, si no a un posible amigo. Entenderéis con más fuerza lo pequeños que somos y os sentiréis de ningún lugar y de todas partes al mismo tiempo. Y es maravilloso sentirse así», reflexiona. Asegura Malla entonces que en estos viajes ayudan a entender «lo breve de nuestro paso por aquí». «Demasiado breve para andar cabreado y viendo enemigos por todas partes», asegura, para luego agregar: «Anoche cuando veía las imágenes de la gente en la sede del partido en cuestión gritando '¡a por ellos!' o '¡jamás nos vencerán!' pensaba: ¿a por quién? ¿quién nos quiere vencer? ¿qué paranoia es esta? Mentira, todo mentira. Una vieja mentira». Para el músico, «ahora solo queda apelar a la sensatez de la fragmentada izquierda, que también cuenta mentiras, para qué nos vamos a engañar, pero mentiras que por lo menos dan un poco menos de miedo, ¿no? Y que tengamos gobierno estable de una vez. Sr. Sánchez y Sr. Iglesias, dejen de joder, por favor, y póngase de acuerdo, que miren las consecuencias de medirse las colitas. Buenos días a todos y enhorabuena por otra tranquila y civilizada jornada democrática», concluye. Otros artistas por que han mostrado su decepción o preocupación con el ascenso de VOX anteriormente han sido Miss Caffeina («cuando pasan estas cosas, que Vox tenga 12 escaños, mas que rabia siento muchísima pena»), Bravo Fisher! («¡Qué horror lo de Andalucía!»), la flamenca Rocío Márquez (que recuperó esta letra tras los resultados andaluces: «De miedos y de miserias, comenzó un largo rosario, de pan negro y letanía, de orden y de derecha, una infame beatería») o el rapero Rayden («De qué sirve quejarse por aquí, la culpa es de cada persona que no ha ido a votar lo contrario. Fíjate que el "facha" nunca se olvida ni deja de votar»). No todos opinan como Rosalía Por ahora, Andrés Calamaro sigue solo en su particular apoyo a VOX: «Prefiero el vértigo de los patriotas y reaccionarios», aunque José Manuel Soto sí ha echado un capote a la formación sin mostrarle apoyo explícito: «El votante de VOX no tiene nada de fascista, homófobo, racista, xenófobo o machista. Es tan solo un español normal cabreado y harto de la supremacía moral de la izquierda y de que lo insulten y lo humillen por amar a su país y mostrar con orgullo su bandera», dijo este domingo en su cuenta de Twitter. El propio VOX ha entrado al trapo esta mañana atacando a la cantante: «Solo los millonarios pueden permitirse el lujo de no tener patria», tuiteaba la formación verde a la vez que adjuntaba dos fotos: una con el tuit de marras y otra en un avión privado con una Rosalía en pose de «malota». Solo los millonarios, con aviones privados como tú, pueden permitirse el lujo de no tener patria. https://t.co/FJGFg1i1h8 pic.twitter.com/1myMEFKWDG— VOX 🇪🇸 (@vox_es) November 12, 2019 Veremos como continúa la cosa.

Mon, 11 Nov 2019 23:26:44 +0100

Ayer trascendió lo que era un secreto a voces. Las TV privadas no pagan a la SGAE desde hace muchos meses. En una carta a los socios, la presidenta Pilar Jurado confiesa la incapacidad de la entidad de gestión para obligar a las cadenas a realizar los pagos según las tarifas pactadas. Lo más grave es que las TV han cobrado un protagonismo determinante en los últimos años. Primero porque, aunque pagan por todo el catálogo de la SGAE, gracias al sistema llamado de «la rueda de las TV», en algunos horarios emiten solo la música que ellas editan, de manera que se les devuelven los derechos en ese concepto y los que los músicos les ceden de manera voluntaria. Segundo, porque favoreciendo la emisión de determinados grupos -sobre todo en la banda nocturna- han logrado tomar el control de la entidad y han tenido por ello una enorme responsabilidad en la debacle actual de la SGAE. Pilar Jurado escribió ayer a los autores para contarles que, ante la falta de pago de Mediaset y Atresmedia, y la imposibilidad de llegar a un acuerdo, nos hemos visto obligados a demandar a estos medios y requerirles el 100% del pago de las facturas pendientes: tres trimestres en Mediaset y dos trimestres en Atresmedia». Otras fuentes alargan esos periodos de impago a un año. La falta de cobro hará imposible el reparto completo de los derechos de autor en el segundo semestre entre los autores. La SGAE confirmó a ABC que la denuncia se presentó el 30 de octubre en los juzgados de lo Mercantil. Y que solicitan a Atresmedia a cumplir el contrato suscrito con la entidad el 20 de julio de 2018. Y a Mediaset el Acuerdo de 23 de enero de 2018. La clave de esta polémica está en la tarifa de la famosa «rueda». La nueva ley limitó a un 20% de la recaudación el dinero dedicado a los autores de la banda nocturna. Y las TV lideradas por Atresmedia han decidido dejar de aceptar las tarifas vigentes y por ello no pagan, porque les reduce el retorno y estrecha el margen. «Estamos negociando desde hace meses -dicen desde las cadenas- porque siempre consideramos abusiva la tarifa. Queremos un acuerdo para 2020», añade la fuente. Los socios no creían que fueran a ver un nuevo frente abierto en la SGAE, a la que parece haberle caído una maldición, pero un portavoz de los socios afirma: «Lo que no entendemos es que esta Junta Directiva corrupta que tenemos, que debe su poder a los manejos de Atresmedia, no haya retirado la licencia para emitir nuestra música en las cadenas». «Que dejen de poner Alejandro Sanz, o la música nocturna incluso, de la que tanto cobran. Que tengan que cantar los responsables de las cadenas, ya verías que pronto se arregla», afirma otro músico de manera muy gráfica. SGAE reconoce que las negociaciones han fallado, no hay ni pagos a cuenta, lo cual amenaza la política de tarifas, el reparto y «el descuento de administración». Los músicos temen que no haya reparto y diciembre y que suban ese descuento que está en un 15% en las TV. «¿Quién lo pagará? Los socios», lamentan las mismas fuentes.

La "asfixia por ventiladores" ha sido considerada como una de las principales causas de accidentes durante el verano en Corea del Sur. Pero, ¿qué tienen de peligrosos estos aparatos en el país asiático?

“Siempre es más fácil obtener perdón que permiso”, decía la nota que dejó Banksy junto al mural que maravilló a los pequeños estudiantes.

Hace 25 años la lucha de Katie Koestner por impedir que su violación quedara impune ayudó a popularizar un concepto que sirvió para visibilizar un viejo problema: el “date rape”, las violaciones durante una cita romántica.

A mi mamá no le gusta el boxeo pero cuando le cuento lo que Alí dijo sobre el Parkinson muestra su aprobación. Uno de sus libros me abrió los ojos sobre cómo es vivir con la segunda enfermedad neurodegenerativa más frecuente.

Esta semana, nos gustaría que compartieras con nosotros tus fotos de VIAJES: en tren, camino al trabajo, navegando en altamar ... todos realizamos viajes hacia alguna parte todos los días. Inspírate con esta galería.

En la era victoriana fotografiarse junto a los muertos se convirtió para muchas familias en la única forma de tener una imagen permanente de un ser querido que había fallecido muy pronto.

El surfista sudafricano Brett Archibald fue a disfrutar de su pasión con sus amigos. Pero el viaje se convirtió en una pesadilla cuando se cayó por la borda en medio de la noche en el Océano Índico. Y vivió para contarlo.

La familia del destacado boxeador, que murió hace dos días, organizará una gran procesión y celebración fúnebre el próximo viernes en Louisville, Kentucky, donde podrán asistir las personas que quieran de todos los rincones.

La ceremonia de inauguración este miércoles del túnel de San Gotardo, el más largo del mundo, fue, cuanto menos, rocambolesca. Te mostramos algunas imágenes de lo que sucedió. No siempre logramos comprender su significado.

Los nuevos planes papales incluyen la suspensión de aquellos obispos que no gestionen "adecuadamente" los casos de abusos sexuales por parte de algunos curas. Según el papa Francisco, las leyes actuales serán endurecidas.

Ver a Alí en acción era una experiencia electrizante, una combinazión de fuerza primaria y belleza artística. Pero el impacto más profundo y su verdadera grandeza se realizó fuera del cuadrilátero.

Imponente, provocador, filosófico y formidable. El mítico boxeador Mohamed Alí ganó el respeto de muchos alrededor del mundo tanto por su talento extraordinario como su postura ante la opresión de su raza.

Para muchos, Alí fue el atleta más grande de la historia, pero también una polémica figura con voz política que puso sus principios por encima de todo.

El montaje de la argentina Lola Arias pone a seis veteranos a hablar, cantar, bailar y pelear para reconstruir una guerra que jamás los abandona. El jueves se estrenó en el Royal Court de Londres.

La dramática saga de Yamato Tanooka, el niño de 7 años que fue abandonado en un bosque por sus padres pero luego encontrado sano y salvo, ha despertado una polémica en Japón sobre qué es la buena crianza de los hijos.

Con su simpleza e ingenio este personaje describe y aconseja con humor a la sociedad mexicana. Dice por ejemplo: "El que tenga burros que los amarre, y el que no, pues no"... Su creador murió esta semana.

El niño de 7 años estuvo extraviado casi una semana en un bosque espeso, con bajas temperaturas, sin alimento y con la amenaza de osos que habitan en la región. Te contamos qué le pasó y cómo logró sobrevivir.

Las inundaciones amenazan París, lo que hizo que el famoso Museo Louvre, el más visitado del mundo, fuera cerrado al público. En la capital francesa y sus alrededores 25.000 personas permanecen si electricidad.

Es uno de desiertos más calurosos y grandes del mundo, localizado entre México y Estados Unidos. Muchos migrantes mueren allí porque se ven forzados a tomar rutas más remotas y peligrosas en su intento de cruzar la frontera.

La oficina del forense que investiga la muerte del artista confirmó que la causa fue una sobredosis del analgésico fentanilo. Prince fue hallado sin vide en su residencia de Minneapolis el pasado 21 de abril.