Noticias de Cultura



Paca Aguirre en el olimpo de las letras

Wed, 14 Nov 2018 07:24:09 GMT













Música para viento y orquesta de cámara

Wed, 14 Nov 2018 07:24:09 GMT




Muestra en el MACA

Wed, 14 Nov 2018 07:24:09 GMT



















Llegan «Los Zurf»

Tue, 13 Nov 2018 08:01:51 GMT

























Literatura en viñetas

Mon, 29 Oct 2018 23:35:56 GMT







El CADA vuelve a sus «Orígens»

Sat, 10 Nov 2018 00:24:34 GMT







La escultura flamenca de Susana Guerrero

Tue, 13 Nov 2018 08:01:51 GMT







The Deuce entra en la edad dorada del porno

Sat, 10 Nov 2018 00:24:34 GMT










El Cristo vuelve a los suburbios

Sat, 10 Nov 2018 00:24:34 GMT




Vetusta Morla vuelve al Low

Wed, 14 Nov 2018 07:24:09 GMT




Entre samuráis, «yakuzas» y «kaijus»

Sat, 10 Nov 2018 00:24:34 GMT




De la ruina al esplendor del paisaje

Sat, 03 Nov 2018 23:49:25 GMT







Un congreso para reactivar a Gil-Albert

Thu, 01 Nov 2018 00:21:47 GMT







La Tabarca sensorial de Aliaga

Thu, 01 Nov 2018 00:21:47 GMT










El Salón de Baile del Teatro Real se convierte en un tablao

Wed, 14 Nov 2018 03:43:43 +0100

El flamenco tomará esta temporada el Teatro Real; más concretamente, su salón de baile, reconvertido en un particular tablao que acogerá, a partir del próximo 28 de noviembre y hasta el 17 de julio de 2019, el ciclo «Flamenco Real». Es, según aseguró ayer Ignacio García Belenguer, director general del coliseo, «una apuesta por un arte que es patrimonio cultural español». El Salón de Baile del Teatro Real (convertido desde su reapertura en restaurante) será el escenario de este ciclo. «Es un espacio emblemático de este teatro», añade García Belenguer. Concluido en 1835, fue uno de los primeros que se abrió, antes incluso de la inauguración del coliseo. Inicialmente se destinó a fiestas y bailes de máscaras, aunque entre 1841 y 1850 fue la sede provisional de las Cortes generales. Ahora se transformará en tablao flamenco para agoger dieciocho espectáculos, que se celebrarán los miércoles dos veces al mes. La oferta no será solo artística; se mezclará con la gastronómica, y los asistentes a los espectáculos (el aforo es de unas doscientas personas, y los precios fluctúan entre los 45 y los 75 euros) recibirán una degustación (vino, queso y jamón «marca España») antes de las actuaciones, que concluirán con un encuentro de los artistas con el público. Aurelio Solana, organizador del ciclo, aseguró que «lo que pretendemos es vender emociones a cualquier amante del arte, sea o no aficionado al flamenco». El baile será el gran protagonista del ciclo, que se abrirá el día 28 con «Poseidón y el hombre», del bailaor Amador Rojas. Seguirán a continuación «De cante vengo», del cantaor Bernardo Miranda -que tendrá como invitada a Rocío Márquez-; «Las pequeñas cosas», de Úrsula López; «Las minas flamenco tour», de Ricardo Fernández del Moral -con Karime Amaya como invitada-; «Talegoneando», de Carmen «La Talegona»; «A mi tiempo», de Joselito Maya y Diego del Morao; «Mi clave», de Manuel de la Luz -con Antonio Molina, «El Choro», como invitado-; «5 reales», de José Tomás Jiménez -Claudia Cruz y Gema Caballero serán sus invitados-; «Se prohíbe el cante», de Leonor Leal -con la participación de Jerónimo Segura-; «Generaciones», de Isaac Tovar -con Cancanillo de Málaga como invitado-; «Sueños», de Yolanda Osuna -con José Valencia como invitado-; «Ser de luz», de Sergio de Lope -y Juan de Juan como invitado-; «Faro», de Eduardo Guerrero; «Jerez», de Gema Moneo -con Pepe de Puna como invitado-; «Rapikeando», de José Carmona «Rapico» -que tendrá como invitado a Alfonso Losa-; «Con cierto duende», de Óscar de Manuel; «Cádiz es real», de David Palomar -con María Moreno como invitado-; y «Salitre», de Antonio Canales, que cerrará el ciclo.




Albiac destaca que Blaise Pascal nos enseñó a comprender que «el "yo" es odioso»

Wed, 14 Nov 2018 03:43:28 +0100

El filósofo francés Blaise Pascal (1623-1662) dejó a su familia, y a la posteridad, un curioso legado: un cajón lleno de pliegos y recortes que contenían sus ocurrencias, pero también citas e ideas de todo lo que fue leyendo y quería rescatar del temido olvido. Aquello era un barullo desorganizado, para ser exactos, pero en un principio se pensó que era un libro inacabado, y así se publicó. A la criatura se la bautizó como «Pensamientos», y es la obra que mejor sobrevivió al filósofo y matemático, una de las grandes mentes del siglo XVII. Ahora, vuelve a la palestra gracias a la edición crítica que ha realizado el filósofo y columnista de ABC Gabriel Albiac, y que publica Tecnos. Base de datos digital «Nos hemos inventado un libro que no existe. Si fuésemos rigurosos tendríamos que hablar de sus papeles póstumos», explica Albiac, antes de detallar el laborioso proceso de recuperación (casi de recreación) de este trabajo. Para regalar a los lectores una visión más exacta de lo que Pascal concibió, ha tenido que rastrear cada uno de los papeles para ver su procedencia, además de ordenarlos. Pero esta nueva publicación no se queda ahí y se completa con una base de datos digital que es el reflejo binario de aquel cajón que se encontraron sus familiares. El libro fue presentado ayer en el Museo ABC de Madrid por Jon Juaristi, Luis Alberto de Cuenca y Bieito Rubido, director de ABC. El filósofo opina que quizás era inevitable que la obra magna de Pascal fuera fragmentaria y circunstancial, pues su vida siempre estuvo atravesada por la enfermedad, por los achaques que, ya en sus últimos años, le impidieron empuñar la pluma. «Es un personaje fascinante, que se sobrepuso a una biografía trágica. Estuvo moribundo toda su vida, pero tuvo esa fuerza tremenda para tratar de pensar, para tratar de entender», recuerda. ¿Entender el qué? «Algo muy fundamental y que tenemos que tener presentes si no queremos morir como imbéciles: que el “yo” es odioso». «Con Pascal y el siglo XVII se produce el estallido de la concepción clásica del “yo”. El yo es un sistema de convenciones que funciona para determinadas actividades y otras no. Llevo años diciendo en mis clases la misma boutade: “No fantaseen con que tienen una identidad. Lo único que tienen es un código alfanumérico que hace que jamás puedan escapar de hacienda», subraya Albiac. La fragilidad de la razón En sus paradojas, continúa, se condensan las condiciones trágicas del hombre barroco, que todavía resuenan en la subjetividad moderna. Sobre todo, la fragilidad de la razón frente a otros ámbitos, como el de la fe, y esa primacía de la pregunta sobre la respuesta, tan rabiosamente actual. Por eso, más allá de la identidad, los escritos de Pascal plantean un quiebro al racionalismo. Él fue un ilustre matemático y un filosófo inmortal, pero no encontraba ningún fin en esos campos: tan solo los dominaba para reventarlos desde dentro, al modo que Picasso hiciera siglos después con la perspectiva. ¿Y qué buscaba, al cabo, con toda esa destrucción? «Él no pretendía ser matemático ni filósofo. Quería ser un cristiano, aspiraba a la santidad. Y para aspirar a la santidad lo primero que tenía que hacer era destruir el mundo, apostar por otra cosa: la conversión. Destruye las matemáticas y la filosofía para sentir el espanto que se produce al quedar en el vací o, que se asoma al absoluto. Ahí donde lo único que le puede salvar es la gracia», remata. Un «periodista clandestino» Durante la presentación, Jon Juaristi destacó ayer que Pascal es un autor para él «cercano, siempre presente, al que pongo en relación con Shopenhauer y el Eclesiastés». Del libro de Albiac, añadió, «hay aspectos que me interesan mucho más que su célebre apuesta favorable a la existencia de Dios. Me interesa la devastación y el desencanto del mundo que deja un camino para construir un arte de vivir». Más reservas tiene Juaristi con «la idea de conversión tratada como aniquilamiento o la nada como sustrato del mundo». Luis Alberto de Cuenca advirtió que no es filósofo, sino filólogo, para añadir: «El libro de Albiac, al que tanto admiro, es sobre todo un monumento a la filología. Es difícil ver una prospección textual tan bien tratada, con los últimos adelantos metodológicos de la crítica textual, como la que aporta Gabriel». De Cuenca sentenció: «Gracias a su trabajo esa colección de papelitos que dejó Pascal nos maravilla. Esta edición crítica es tan memorable que me hace pensar en la oda horaciana: “Es un monumento más eterno que el bronce”». Finalmente, Bieito Rubido recordó el éxito de Pascal como «periodista clandestino» por sus cartas, de las que circularon miles de copias y por las que Voltaire dirá que «fue el inventor de la prosa francesa moderna». Reflexionó sobre la fortuna de que sus notas sobrevivieran para ser leídas hoy y elogió la labor crítica de Albiac. Al director de ABC le interesa una lectura actual del filósofo, por «el permanente cuestionamiento de un científico que atisba la imposibilidad de dar una fundamentación sólida a la razón humana y que nos pone permanentemente ante la prioridad de la interrogación». También, la sorpresa de su opinión sobre la política, ya en el XVII: «La tesis de que la política y el mal son exactamente lo mismo».




Laurie Anderson: «Estamos perdiendo libertad, la democracia puede romperse»

Wed, 14 Nov 2018 03:43:10 +0100

Laurie Anderson (Estados Unidos, 1947) tiene la sonrisa pícara de quien entiende que el arte es, entre otras cosas, un juego. Habla con las cejas, arriba y abajo constantemente, nunca quietas, como clasificando las palabras que recibe, y que después guarda en no sabemos dónde. Quizás se refugian en el mismo lugar donde nacen sus ideas, esas que ha ido plasmando a lo largo de más de cuarenta años de trayectoria creativa y difícilmente clasificable. Y no tanto por sus mensajes, sino por los soportes, que siempre mutan: música, poesía, literatura, cine, fotografía, performance, realidad virtual… Todo vale para esa cabeza adornada con un pelo plata y corto que ha alumbrado una de las obras más eclécticas (e interesantes) del panorama contemporáneo. Poeta, cineasta, cantante, artista... ¿Qué etiqueta prefiere? Depende del contexto, pero creo que me quedo con las historias... Sí. Yo hago historias. En ese mar de formatos que es su obra, ¿hay un propósito común? Sí, encontrar diferentes caminos para contar historias. A veces con música, a veces con mis películas, que son muy narrativas… Y siempre son historias cortas. ¿Historias de qué? De aventuras. De aventuras y ciencia ficción. ¿Ciencia ficción? Sí. La gente tiene un gran interés en la ciencia ficción. Y creo que es porque tienen miedo. Vemos muchas historias sobre el fin del mundo, sobre el colapso climático, sobre la guerra, sobre la tensión. Creo que esos son los grandes temas ahora mismo. Y cuando ves estos temas en las películas se expresan a través de zombis, de aliens y de superhéroes, no a través de la gente. Las historias sobre las personas están desapareciendo. De las películas, no de los libros. ¿Por qué ese interés? Creo que es por el miedo, aunque todavía no sé qué es lo que hace que la gente tenga miedo. Pero creo que cosas similares a las que ocurren en esas películas: miedo a los extraños, a los inmigrantes… Hay mucho miedo, ya sabes, «de que nos quiten el trabajo». Mucho miedo del colapso climático. Este miedo es lo que influye estas historias. Puede que sea el mismo miedo que hace que individuos como Trump o Bolsonaro ganen elecciones. Por supuesto. El miedo es el método de los dictadores. Ellos usan el miedo para limitar la libertad de la gente. Es muy efectivo. Funciona siempre. Todos los dictadores aman el miedo. ¿Y usted? Prefiero las historias sobre la libertad. Por eso hago realidad virtual. Porque ahí puedes volar, que es el poder definitivo. Y creo que ahora, especialmente, es muy importante que las personas nos sintamos poderosas y libres. Entonces, ¿la realidad virtual es una forma de libertad? Sí. Y también es una forma de sumergirte por completo en una obra de arte. De perderte en ella. Y de hacerlo solo [sin tilde]. Hay una gran intimidad ahí. ¿Cree que este es el lenguaje definitivo? Bueno, estoy explorando mucho ese campo. Pero no tengo un lenguaje favorito. De hecho, la performance que hará hoy en el Reina Sofía integra diferentes lenguajes, y todo para hablar de la pérdida. ¿Qué es lo que ha perdido con el paso del tiempo? Bueno, he perdido muchos amigos, he perdido el contacto con mucha gente de mi infancia, he perdido a mis padres, he perdido muchas cosas. Y pensar en cómo afrontas eso, y en cómo lo representas, es muy interesante. ¿Y tiene miedo a la pérdida? Tengo miedo a perder cosas más profundas, como la democracia. Me preocupa mucho. Parecía que era algo permanente, pero nada es permanente. En Estados Unidos somos muy conscientes de que estamos perdiendo libertad y de que nuestra democracia puede romperse. Es escalofriante, porque nunca pensamos que pudiera suceder. Eso sí que da miedo. Es que Trump está haciendo mucho daño. Y mucho de ese daño tiene que ver con la habilidad para ser tan desagradable e iracundo en público. Esos gestos… No tiene filtros. Para los niños esto es terrible. Porque ven a un presidente que actúa como un crío de 6 años. Y piensan: «Si soy así de estúpido, puedo ser presidente». Eso es lo que me mata. Bueno, al menos lo que no ha perdido es su pasión por crear. No, no la he perdido. Me encanta hacer cosas. Es lo más divertido que puedo imaginar. Es muy divertido. Y, además, es algo divino: antes no había nada ahí, y ahora sí, porque yo lo he creado. Es lo que hace Dios. Crear. Quizás es que tengo complejo de diosa (ríe).




Rockeras en la historia de la música popular

Wed, 14 Nov 2018 03:41:45 +0100

Su aparente fragilidad puede dar lugar a engaño, puesto que detrás de su aspecto casual y su voz educada y suave hay una personalidad enérgica que ha querido hacer valer el papel de la mujer en la historia del rock. La originalidad de Mujeres del Rock. Su historia (Ma Non Troppo, Redbook, 2018), de Anabel Vélez -con quien charlamos tras la presentación de su libro en Madrid-, consiste en cambiar la óptica tradicional y situar el foco en la mujer, protagonista aquí de este principal fenómeno de la música popular. En once capítulos y cerca de cuatrocientas páginas se recorre los hitos más destacados del rock, si bien lo primero que hace Anabel es alumbrar el escenario de las pioneras dentro del mundo del jazz, con especial atención a dos artistas excepcionales: Billie Holiday y Nina Simone. Un mundo de hombres Son historias duras, de mujeres que vivieron a marchas forzadas en un mundo de hombres y donde su voz prodigiosa era tomada como mera moneda de cambio. Lo mismo ocurría con las apenas unas niñas Anita, June y Helen, de la Carter Family, en el entorno rural donde se cocía a fuego lento el country. Hasta que llegó Elvis Presley. Lo que muchos no recuerdan es que antes de que éste cantara «Hound Dog», una mujer, Big Mamma Thornton, ya la había interpretado «con la intensidad que su profunda voz le daba». De hecho, como escribe Anabel, fue un número 1 en 1953 cuando Leiber y Stoller la compusieron expresamente para ella. El rock´n´roll no fueron solo Bill Haley, Cash, Perkins o Chuck Berry. Fueron también Sister Rosetta Tharpe, LaVern Baker o Etta James, «una de las estrellas de Chess records». Son los tiempos de la segregación en que Rosa Parks decide no levantarse del asiento en aquel autobús de Montgomery, Alabama, en 1955. Entre los muchos descubrimientos de este libro está la «Elvis femenina», una joven de Virginia que grababa en RCA, la misma compañía que el rey del rock y que es hoy una figura olvidada: Janis Martin. Aunque el rockabilly fue terreno abonado para que surgieran mujeres fieras al mando de la guitarra, como Wanda Jackson, Brenda Lee o la incomparable Patsy Cline, de paso fugaz por la Tierra. Con la llegada de los sesenta las voces femeninas toman protagonismo: son las «girl groups». «Fue en 1961 cuando empezó la explosión del género, y lo hizo con un grupo de adolescentes, The Shirelles y su ‘‘Will you Love Me tomorrow’’» para Scepter, nos recuerda la autora. Pese a copar las listas de éxito, la mujer sigue siendo utilizada como un medio y no como un fin. En el caso de Ronnie Spector, de las Ronettes, sin poder salir de las garras de su mentor Phil Spector. Pese a todo, surgieron artistas de primera fila de la factoría de la Motown, como Mary Wells o Diana Ross. Aunque los tiempos están cambiando y Carole King puede ser considerada, según mantiene Vélez, la primera gran compositora femenina del rock. Pero no fue la única, ahí estaba Ellie Greenvich firmando discretamente al lado de su marido Jeff Barry. Debilidades Un peldaño más en la emancipación llegó a la par que los Beatles: «Ya no son mujeres intercambiables dentro de un grupo -nos explica-, sino artistas solistas con fuertes personalidades. Mujeres como Marianne Faithfull, Dusty Springfield o Aretha Franklin». A partir de ahí su papel ha sido cada vez más significativo. Anabel tiene debilidad por Janis Joplin, Patti Smith y X Ray Spex, grupo femenino de cabecera cuando llega la rabia del punk. Se atreven a experimentar e incluso a ser inclasificables, como Nico, Kate Bush o la islandesa Björk. En algunos casos, dando forma a movimientos hoy en boga como el #MeToo, cuando aparecen Sleater Kenny o lo que es lo mismo, las Riot Grrrl en Seattle a la sombra de Nirvana. Aunque, como reconoce Anabel, «a toda acción sigue una reacción y desde hace un tiempo hay una ola en contra de estas reivindicaciones». Y para desalentar un poco más, aparece el trap y el reguetón con sus letras machistas: «Reconozco que no lo puedo entender. Me pidieron analizar unas cuantas letras de estas canciones. A la segunda apenas si pude terminarla», asegura. Tiempos nuevos, tiempos extraños.




Las distintas personas que Joan Didion ha sido

Wed, 14 Nov 2018 03:41:26 +0100

«Creo que siempre es aconsejable mantener una relación cordial con la persona que éramos en el pasado», escribió Joan Didion (California, 1934), «da igual que nos resulte una compañía atractiva o no». Era, según la autora estadounidense, la única manera de evitar que esa persona apareciera cualquier día sin avisar y por sorpresa, y se pusiera «a aporrear la puerta de la mente a las cuatro de la madrugada de una mala noche» exigiendo saber quién la había traicionado. Su manera de recuperar su propia memoria era escribir cuadernos de notas, un hábito que adquirió cuando tenía cinco años y le regalaron su primer bloc. La autora de «El año del pensamiento mágico» nunca fue capaz de escribir diarios; se aburría. Ella se quedaba con lo que «algunos llamarían mentiras»: relatos olvidados, diálogos sueltos que alguna vez escuchó, apuntes sobre lo que la rodeaba… todo lo que revelaba su «implacable “yo”». Cuando en 1966 escribió estas líneas sobre tener un cuaderno de notas –el ensayo se encuentra en Los que sueñan el sueño dorado–, Didion tenía 32 años, su extraordinaria carrera como escritora comenzaba a despuntar, y había perdido el contacto «con un par de personas» que había sido en el pasado. «Una de ellas, una chica de 17 años, no presenta gran amenaza, aunque me resultaría de cierto interés volver a saber qué se siente», decía. «La otra, la de 23 años, me inquieta más. Siempre causó muchos problemas, y sospecho que reaparecerá cuando menos la quiera ver, con sus faldas demasiado largas y su timidez casi insultante, siempre sintiéndose ofendida, siempre llena de recriminaciones y pequeños agravios y cuentos que no quiero volver a oír». Ahora que va por los 83 años y han pasado siete desde su último ejercicio memorístico, «Noches azules», donde escribe su dolor por la muerte de su hija, Didion rescata dos cuadernos de notas que tomó en el verano de 1970, durante un viaje por el sur de Estados Unidos, y en 1976, cuando recorrió California con la excusa de cubrir un juicio mediático. Eso es «Sur y Oeste» (Literatura Random House): un conjunto de apuntes en sucio que en otro autor no sería más que un apéndice de su obra, un contenido extra para fanáticos. Con Didion la cosa cambia. Estas páginas confirman que hasta en sus momentos de distensión era una observadora única y brillante. En sus «apuntes sobre el sur», que ocupan el grueso del libro, Didion da cuenta del mes que pasó con su marido, el también escritor John Gregory Dunne, viajando en coche por Luisiana, Misisipi y Alabama. Habla con desconocidos en las tiendas de los pueblos, caza al vuelo conversaciones y visita cementerios y peluquerías hasta perder la capacidad de asombrarse. Didion es una urbanita de California y Nueva York «condenada a la falta de convencionalidad» que en esa América profunda no puede dejar de pensar que ella también habría sido una persona excéntrica de haber vivido allí: «Y me preguntaba qué forma habría asumido aquella rabia. ¿Acaso me habría sumado a alguna causa, o simplemente habría apuñalado a alguien?» De estas notas no salió ningún reportaje, como tampoco de sus «apuntes de California», la otra pata de «Sur y Oeste», aunque su intención era cubrir el juicio contra Patricia Hearst. No lo escribió, dice, porque enseguida se dio cuenta de que en ese viaje la protagonista ella: «Esto trata de mí y del vacío peculiar en el que crecí». Estos dos cuadernos reflejan ese «implacable “yo”» que busca en sus notas: es un reencuentro público con una de las muchas personas que Didion ha sido. Ficha técnica Título: «Sur y Oeste». Autor: Joan Didion. Editorial: Literatura Random House, 2018. Traducción: Javier Calvo. Número de páginas: 176. Precio: 14,90 euros.




Ana Penyas: «En la posguerra las mujeres eran invisibles»

Wed, 14 Nov 2018 03:41:12 +0100

«Penélopes condenadas a coser, a callar y a esperar. Coser esperando que apareciera un novio llovido del cielo. Coser luego, si había aparecido, para entretener la espera de la boda. Coser, por último, cuando ya había pasado de novio a marido, esperando con la más dulce sonrisa de disculpa para su tardanza la vuelta de él a casa». Este párrafo de Usos amorosos de la posguerra española, de Carmen Martín Gaite, sirve de luminoso preámbulo a Estamos todas bien (Salamandra), la obra con la que Ana Penyas (Valencia, 1987) ha ganado el Premio Nacional del Cómic 2018, primera vez que una mujer consigue este galardón en una docena de ediciones. Un trabajo dedicado a sus abuelas, Maruja y Herminia, fuente de inspiración y protagonistas del relato; y, por extensión, a las mujeres de su generación, «personajes secundarios de otras vidas», según Ana. Trastos. O instantes. Con un estilo peculiar de trazo sencillo y perspectivas deformadas, su historia conmueve al doblar cada esquina, pues el lector puede reconocer paisajes -el pueblo y el barrio obrero de la ciudad-, situaciones -esa casi vuelta a la infancia de los mayores- y conversaciones -las excusas, los reproches, el perdón-. Porque los lectores tienen (o han tenido) abuelas muy parecidas a estas. Pasan muchas cosas Es cierto lo que señala Ana Penyas: historias de amor hay muchas, pero de abuelas, no. «De inicio no me planteé hacer un cómic sobre ellas. Todo empezó con una práctica en la escuela de Bellas Artes, cuatro páginas en las que describí con dibujos cómo mi abuela Maruja empezó a vivir sola en Alcorcón. Fui a visitarla y volví muy removida. Después mi madre me contó cómo mi otra abuela, cuando ella era pequeña, no daba abasto con las tareas del hogar. Parecía que en un día de su vida no pasaba nada, y en realidad pasaban muchas cosas. Desde una militancia feminista reflexioné sobre el rol que habían tenido esas mujeres, así que una cosa llevó a la otra, empecé a pensar en un argumento más largo y completé la historia». El proyecto recibió el Premio Internacional de Novela Gráfica Fnac Salamandra Graphic, lo que le daba la oportunidad de publicarlo. Eso lo cambió todo. La pasada Navidad, el humorista gráfico José María Nieto publicó una viñeta en ABC donde se veía a una anciana solitaria sentada en el sofá de su casa, junto al típico árbol decorado, hablando por teléfono: «Así que en el trabajo hacéis eso del ‘‘amigo invisible’’. Qué divertido. Cuando termines ven un rato a ver a la abuela invisible». «Es un chiste muy amargo», comenta nuestra autora. «Son mujeres de una generación invisible y muy castigada por el franquismo. Fueron ‘‘la esposa de’’, ‘‘la madre de’’... Siempre a la sombra de las personas de su entorno». En una página del cómic describe un íntimo acto de coquetería: su abuela se pinta los labios, se acicala, se quita con las pinzas los pelillos de la barbilla. Olvidamos que esas mujeres fueron jóvenes, que tuvieron una infancia. Me interesaba dejar de verlas solo como abuelas, como cuidadoras o cocineras de otros, para verlas como ellas mismas, como mujeres. Acercarme a su realidad desde su propio punto de vista. En «Estamos todas bien» los flashbacks cobran mucha importancia como elementos narrativos. Sí, y fueron la parte más complicada del relato, sobre todo cuando se enlazan las historias de las dos protagonistas. Tenía claro que quería partir del presente, pero vinculándolo con el pasado, y que quedara elegante. [Para estos «viajes», Ana Penyas utiliza elementos que son como puertas del tiempo: un crucifijo, un cazo de lentejas, una bolsa de El Corte Inglés... Maruja, que para ganar «prestigio» con su marido tuvo que aprender a cocinar lentejas, recibe muchos años después la regañina de su hijo por andar trasteando, precisamente, con el cazo y las legumbres mientras el Parkinson acecha]. «Mis abuelas me miran con anhelo por cosas que podrían haber cambiado en sus vidas, y no lo hicieron» Hábleme de cómo trabaja los escenarios. Bueno, soy ilustradora antes que autora de cómics, así que ya había reflexionado sobre el espacio urbano. Me gusta contar muchas cosas en una única escena, introducir guiños detrás de los personajes, un cartel o un negocio, una vecina paseando... Soy muy observadora y me fijo en cómo viste la gente en los barrios. Trabajo mucho con la fotografía y luego hago un collage con el dibujo a lápiz, lo escaneo y añado el color digitalmente. Se ha permitido un cameo. Al principio no quería crear un personaje conmigo misma, pero lo vi necesario para hilar la historia, ya que soy el vínculo entre mis dos abuelas, y la parte afectiva. «No olvides guardarte el carácter. Si llevas la contraria, te saldrán arrugas», le aconsejan de joven a una de ellas. ¿Les habla de la conquista de derechos de la mujer? Sí, desde pequeña. Han sido machistas por la educación recibida. Pero el vínculo que tenían conmigo se saltaba eso, me miraban sin enjuiciarme, incluso con ojos de anhelo por cosas que podrían haber cambiado en sus vidas, y no lo hicieron. ¡Incluso hablamos de sexo! Eso fue difícil. Hay partes que no he sacado por respeto, por no «desnudarlas» más. Al final aparece como elemento simbólico una aguja de coser. Maruja tuvo que dejar de coser porque el Parkinson le impedía enhebrar la aguja. Así que la vida le parece más aburrida. Pero el objeto también hace referencia a ese texto de Carmen Martín Gaite sobre la eterna espera de las mujeres en la posguerra, sobre la ilusión de un amor romántico.




Max Beckmann, Ulises reencarnado

Wed, 14 Nov 2018 03:40:56 +0100

A Max Beckmann le ocurrió una cosa muy desagradable: sentirse alemán, profundamente alemán, en la misma época en que una masa de iluminados tuvo la sanguinaria ocurrencia de que ser alemán era algo muy distinto de lo que él pensaba. El precio para él de esta lamentable coincidencia fue, primero, la mafiosa hostilidad de sus compatriotas y, luego, el exilio. Era alemán como cualquiera es de cualquier sitio, por serlo sus antepasados; pero además lo era como únicamente pueden serlo los grandes creadores: a conciencia, o sea, como alguien que sabe que la única forma de custodiar una herencia es enriquecerla. Para él lo alemán no era una identidad folclórica al estilo nacionalista, sino una forma de estar en el mundo que, en su condición de pintor, identificó con la preferencia por la representación de la vida y el rechazo a cualquier forma de idealización. Hijo de Grünewald, Durero, Cranach y los simbolistas, miró siempre con recelo a quienes vinculaban la evolución de la nueva pintura a la simple revisión de los medios de representación habituales. En 1912 polemizó con Franz Marc a propósito de la cuestión. Este veía la abstracción como el lógico desenlace de la Historia de la pintura a partir del Impresionismo. Beckmann, en cambio, estaba convencido de que un arte que no nos acompañe en los momentos esenciales de la vida no vale la pena. Quizá hubiera una conexión entre el Impresionismo y la pintura abstracta, pero: ¿acaso el Impresionismo es la vía central en el camino del arte? A su juicio, si la pintura abandonaba la representación de las cosas terminaría convirtiéndose en artesanía, una actividad decorativa útil para el diseño de papeles pintados o estampados, no para la expresión del alma humana. La Guerra del 14, en la que participó como enfermero, le hizo aproximarse, sin embargo, al Expresionismo. Las inofensivas pinturas del principio (Jóvenes junto al mar, El hundimiento del Titanic...), dieron paso a otras en las que integró las deformaciones características de dicha corriente. Sin caer en el subjetivismo de Kirchner o Nolde, se dio cuenta de que para plasmar las miserias de una sociedad decadente no quedaba otra que afilar la mirada como si fuera un cuchillo. El pedernal del que se sirvió para hacerlo fue justamente la propia tradición alemana. Estaba convencido de que un arte que no acompañe en los momentos esenciales no vale la pena Sus claustrofóbicas composiciones de entonces, llenas de personajes encerrados en un espacio asfixiante -observen la serie de litografías titulada El infierno, una de las joyas de la exposición- evocan las planchas de madera de los tallistas alemanes del siglo XV. Años después, cuando deje Alemania hostigado por los nazis, encontrará de nuevo en la tradición germánica del retablo de altar, característico de la pintura medieval, un camino para no perder la identidad que le negaban sus compatriotas. Fruto de ello fueron los nueve trípticos monumentales acerca de la condición humana elaborados al final de su vida y de los que tenemos en Madrid estos días una muestra sobresaliente. El armisticio que siguió a la Guerra del 14 no acabó con ella. Siguió ahí, agazapada como una fiera que aguarda otra oportunidad. El ambiente distaba de ser pacífico. Muchos artistas lo advirtieron. También Beckmann. Aire criminal En su obra más conocida, La noche (el espectador que acuda al Thyssen tendrá que contentarse con la litografía), se percibe con claridad ese aire criminal que tiene la época. Los verdugos estaban dispuestos a cambiar el mundo. En Alemania se vio claro a partir de 1930. El acuerdo entre los partidos que apoyaban la constitución de Weimar se rompió y esto permitió a Hitler aprovechar la crisis económica para sobrecalentar la calle y terminar con la República. ¿Quién quiere leyes teniendo el respaldo popular? La posición de los pintores críticos se volvió difícil. Lo alemán, según las directrices establecidas por el partido nazi al hacerse con el poder, era incompatible con su visión del arte. La presión contra Beckmann en Fráncfort, donde era profesor de la Escuela de Artes y Oficios, le obligó a buscar el anonimato de Berlín, pero las campañas de descrédito organizadas contra quienes cuestionaban los principios nacionalistas -entre otras, la exposición de arte degenerado de Múnich- lo empujaron en 1937 al exilio. Beckmann, un hombre que se retrató en cien papeles diferentes, se refirió a sí mismo al final de su vida como «un pobre Ulises». Nunca retornó a casa, aunque al menos llevó consigo a su Penélope. Esperemos que exposiciones como esta del Thyssen de Madrid sirvan al menos para identificar a sus enemigos. Max Beckmann «Figuras del exilio». Museo Thyssen. Madrid. Paseo del Prado, 8. Comisario: Tomàs Llorens. Hasta el 27 de enero. CaixaForum. Barcelona. Desde el 21 de febrero de 2019.




El bolero pierde a su rey, Lucho Gatica, el romanticismo hecho voz

Wed, 14 Nov 2018 00:33:06 +0100

Luis Enrique Gatica, Lucho Gatica, el chileno que revolucionó la forma de cantar el bolero falleció este martes a los 90 años en México, el país que le acogió y le hizo suyo durante el último medio siglo. «Buen viaje!. Te amo», fueron las palabras con las que uno de sus hijos, el actor Luis Gatica, comunicó su muerte. Meses después del fallecimiento de María Dolores Pradera, la canción melódica pierde a su gran referente, el «rey del bolero», como era conocido en España. Un hombre que arriesgó todo, grabando más de 800 canciones desde que en 1943 se diese a conocer en Radio Minería, en Santiago de Chile. Para las nuevas generaciones de españoles, Lucho Gatica -que también hizo cine- es parte de la banda sonora de las películas de Almodóvar; para los mayores fue una de las grandes voces de la posguerra, poniendo el romanticismo donde habitaba el pesimismo. Sus versiones de «Bésame mucho», «Contigo» o «El reloj» son historia de alguien que llevaba como máxima «esta vida es tan corta y no basta», como tarareaba en su legendaria «Espérame en el cielo». Gatica hizo suyas las décadas de los 50 y 60, en las que fue indiscutible. En los 90, el boom del bolero que explotaron Gloria Estefan, El Puma o Luis Miguel le sirvió para reinventarse y reivindicarse como el más grande del género, al que en 2013 le dio su último disco.




Un museo noruego devolverá una colección completa de piezas arqueológicas a la Isla de Pascua

Tue, 13 Nov 2018 20:19:18 +0100

El museo noruego Kon-Tiki se ha comprometido a devolver la totalidad de una colección de piezas arqueológicas y fotografías de Rapa Nui (Isla de Pascua), que fueron sacadas a mediados del siglo XX por el explorador Thor Heyerdahl, informaron fuentes del Gobierno chileno. El compromiso fue rubricado por Martin Biehl, director del museo noruego, quien se reunió en Santiago con el ministro de Bienes Nacionales, Felipe Ward, a quien manifestó la decisión de restituir las piezas a la isla. Biehl, acompañado de un grupo de expertos del museo, se dirigió al territorio insular, situado en el Pacifico, a unos 3.700 kilómetros de la costa chilena, con el fin de conocer en directo al pueblo y la cultura del lugar, famoso por los moais y otras expresiones ancestrales. «La comitiva noruega se mostró muy agradecida de la oportunidad para conocer a fondo tan interesante cultura y se comprometió a devolver pronto las piezas», informó en un comunicado el Ministerio de Bienes Nacionales. Entre los integrantes de la comitiva está Thor Heyerdahl, nieto del explorador del mismo nombre, y durante su estancia en Rapa Nui el grupo acordará con la comunidad local la fecha y la forma en que realizará la devolución. El museo noruego exhibe artefactos tallados, restos humanos, fotografías y otras piezas arqueológicas de la comunidad rapa nui, pueblo que habita la isla al menos desde el siglo XIII. La colección fue recopilada por el explorador noruego Thor Heyerdahl en la década de los cincuenta del siglo pasado, cuando se hizo célebre por la expedición Kon-tiki, que navegó 8.000 kilómetros por el Pacífico, desde la costa sudamericana al archipiélago Tuamotu, en una balsa construida con troncos, plantas y materiales naturales de Sudamérica. «Estamos contentos por el pueblo rapa nui, al escuchar que hay instituciones internacionales que buscan regresar lo que alguna vez tomaron de la isla con fines de investigación», afirmó el ministro Ward, quien viajará pronto a Londres por el caso de un moái que se exhibe en el Museo Británico y fue sustraído de la isla en 1868. Felipe Ward espera que el reintegro de las piezas desde Noruega «siente un precedente ante nuestra próxima visita a Londres», en donde buscarán «sensibilizar a las autoridades de la importancia que tiene para la comunidad rapa nui el regreso del moái Hoa Hakananai'a», manifestó.




Francisca Aguirre: «Este mundo no está bien organizado porque a muchas mujeres que piensan muy bien no les dejan pensar»

Tue, 13 Nov 2018 19:21:54 +0100

Para los amigos, Francisca Aguirre (Alicante, 1930) es Paca. Y así ha querido que me dirija a ella durante la conversación que hemos mantenido para «celebrar» el premio Nacional de las Letras, que le ha concedido el Ministerio de Cultura. El jurado del galardón, dotado con 40.000 euros, dijo que su poesía está «entre la desolación y la clarividencia, la lucidez y el dolor». Casi medio siglo después de aquel primer poemario, «Ítaca», al que llegó de la mano de Cavafis, Paca sigue susurrando palabras a diario, «sobre todo» cuando tiene ganas, y pese a los achaques, que ya son inclementes. ¿Cómo ha recibido el galardón? Este premio para mí supone una gran alegría, de verdad. Desde muy pequeña, los libros han sido lo mío, entonces, recibir un premio por lo que tanto le gusta a uno hacer, pues es un doble premio. Dice el jurado que es «la más machadiana» de la generación del 50. Me alegro, yo hago lo posible. Tengo dos temas en mi vida que son importantes: Antonio Machado es el primero, desde luego, pero las mujeres es el segundo. He intentado, por todos los medios, a través de lo que he escrito, decirle al mundo que las mujeres tienen su historia personal, que es muy interesante, y que no importa que sean bajitas, rubias o altas. Son señoras que piensan, también, como los demás, que hablan y que producen cosas. Y hasta pueden ganar premios. Y hasta pueden ganar premios, sorprendentemente (ríe). Desolación, clarividencia, lucidez, dolor... ¿Con qué rasgo de su poesía se quedaría usted? Es verdad que, en algunos aspectos, mis poemas son tristes o trágicos, porque la vida conmigo no ha sido fácil. Me he limitado a contar lo que vivía, en muchos casos; en otros, a pensar contando. Hay una diferencia entre un pensamiento que lo dedicas al mar o aquel que dedicas a los ojos preciosos que ves de un niño de tres años, que te está mirando como si supiera que la Biblia existe, que lo miran todo con entusiasmo. El acta del galardón refleja que sus palabras están situadas «entre la conciencia y la memoria». La conciencia y la memoria son fundamentales en alguien que escriba. Y, sobre todo, como mujer siempre tengo esa sensación, cuando escribo, de que a mitad de camino tengo que hablar a las chicas, de las chicas, y decir que este mundo no está bien organizado; sobre todo con las pobres muñecas, que no han hecho nada para merecer estas cosas, sino que de pronto la vida se pone dura. Y no es aquí sólo, eh, ojalá fuera aquí sólo… ¿Por qué este mundo no está bien organizado? Pues porque, entre otras cosas, a muchas mujeres que piensan muy bien no les dejan pensar, y no les dan facilidades para nada. Yo confío en que, poco a poco, la cosa vaya para arriba. Se trata de pensar una cosa muy sencilla: equiparación y libertad. Porque sin pensamiento igualitario y sin libertad para todos, ¿qué hacemos, dónde vivimos? ¿De dónde surge su poesía? Siempre de lo que he vivido, de la experiencia, muchas veces de lo que no he conseguido. Soy una mezcla de mi tierra, mi país, pero también de tanto como he leído y de tanto como me he enamorado de las literaturas múltiples en el planeta, y he visto lo duros que han sido con las mujeres en casi todas las partes. Y agárrese a lo que han hecho con los hombres de vez en cuando. Bueno, pero las mujeres salíamos, casi siempre, peor paradas... Sí, nosotras siempre tan «beneficiadas»… (ríe). «Qué graciosas son las mujeres, y qué lindas y qué bonitas, son mariposillas flores». Cada vez que oía lo de «mariposillas flores», me daban unas ganas de pegar un golpecito en la espalda y decir: «Oiga, de mariposilla yo no tengo nada». No habría estado mal, sí, sí, pero en fin, cuantas cosas que uno hubiera querido hacer y no las ha podido hacer. Por lo demás, todo bien. ¿Qué sentido tiene escribir poesía hoy en día? Para mí, tiene el sentido que ha tenido siempre. Escribo por necesidad, porque me gusta escribir y porque disfruto haciéndolo. Si luego la gente no lee, pues qué le vamos a hacer, que lo tiren a la basura o que hagan lo que quieran. Es que yo creo que la poesía es hoy más necesaria que nunca. Estoy de acuerdo. Yo escribo por eso, porque, a pesar de lo que digan, yo creo que esto le viene bien a la gente, leernos los unos a los otros. Yo soy muy lectora, y me gusta mucho leerlos a todos. La poesía es la tierra prometida para mí. Pero no sólo de poesía vive su obra. Tiene un maravilloso libro de recuerdos, «Espejo, espejito», y un excepcional libro de relatos, «Que planche Rosa Luxemburgo». El caso es que, casi treinta años después de la publicación de esa obra, seguimos planchando las mismas... (Ríe) Pues mire, qué quiere que le diga, no tengo respuesta para eso, porque es que, aunque parezca que el mundo cambia mucho, no cambia tanto, pero en fin… Hablando de cambios, el jueves se falla el premio Cervantes, donde la ausencia de mujeres premiadas es clamorosa. Todavía... (ríe). Sólo cuatro, desde que empezara a concederse, en 1976. Madre mía... ¿Es machista el mundo de la cultura en España? Yo creo que el machismo en España no sólo afecta a la cultura, afecta a muchas otras cosas. El machismo es malo. Si las mujeres se metieran en todas partes y en todos sitios, lo harían de una manera muy distinta. Gracias a todas las comunidades de mujeres que se dedican al pensamiento, a la escritura, a la lectura, este mundo terminará entendiendo que los hombres y las mujeres también somos distintos. Eso a lo único que obliga es a que la cabeza funcione como es debido para ser más ecuánime y más entregado a defender a los demás. ¿Qué hacemos en esta vida si no luchamos los unos por los otros, por que los de al lado también vivan mejor que uno? Es una pena mirar, se ve cada cosa, no hay por dónde cogerla… Y, usted, ¿se siente orugllosa de lo logrado? Yo no soy partidaria del orgullo, yo estoy contenta, estoy agradecida porque las palabras sirvan. Y hasta ahí llega todo lo mío.




Ketama: «El susto que nos dio Antonio es lo que nos ha hecho reunirnos»

Tue, 13 Nov 2018 17:17:58 +0100

«No estamos locos, nos juntamos porque queremos». Sonrientes y emocionados, los tres Ketama de pura cepa, Antonio, Josemi y Juan Carmona proclaman a los cuatro vientos que están de vuelta. «Empezamos una gira el 23 de febrero, y reeditamos el disco "De aki a Ketama" con cuatro temas nuevos que hemos grabado con invitados sorpresa», responde Juan cuando les preguntamos en qué va a fructificar esta resurrección. «Pero vaya, que lo que nos interesa que cuentes es sobre todo que volvemos a los escenarios. Tenemos catorce conciertos programados, en catorce ciudades que han sido elegidas por nuestros propios fans en la plataforma Shows On Demand». Todavía no quieren pensar en grabar nuevo material («vayamos poco a poco, primero en salas pequeñas a ver cómo reacciona la gente», dice Antonio), pero lo que sí parece que está claro es que no va a ser un regreso fugaz. «A nivel musical, nosotros tenemos las ganas que hacen falta. Por eso nuestra intención es que la reunión no sea sólo para una gira», promete Josemi,que además señala que en los directos que ofrecerán el año que viene la esencia musical de Ketama no va a cambiar. «Vamos a ser muy fieles con la música que hacíamos, somos las mismas personas con las mismas inquietudes. Vamos a ir acompañados de una de las mejor bandas que existen, llevaremos coros muy flamencos y especiales y, en definitiva, será lo que hemos hecho siempre: una fusión latina con flamenco y pop, que siempre ha sido nuestro sello personal». Sus seguidores siempre han esperado esta reunión, pero ellos no han estado por la labor hasta que la vida les ha señalado el momento correcto. «Intuíamos que la gente quería que volviéramos, porque cuando tuvimos el momento máximo apogeo todo el mundo estuvo a tope con nosotros, y años después algunos temas nuestros parece que no han pasado de moda. Pero la verdad es que el desencadenante no ha sido otra cosa que el susto que nos dio Antonio», explica Juan. «Nos dimos cuenta de la suerte que tenemos de ternernoslos unos a los otros. En la casa lo vemos todos los días, pero el hecho de poder celebrarlo sobre los escenarios fue lo que nos hizo darnos cuenta de que tenemos un tesoro». «Lo hemos pasado muy mal los tres», confiesa Antonio. «Pero ahora estamos felices de celebrar que los tres hermanos nos reencontramos después de que cada uno haya hecho su propio viaje personal por la música». El grupo, que nació en 1984 bautizado con un nombre políticamente incorrecto (el del pueblo marroquí donde más hachís se ha despachado estas últimas décadas), sentó las bases de un sonido nuevo, fresco y tradicional a un mismo tiempo con sus dos primeros discos en el histórico sello Nuevos Medios de Mario Pacheco, «Ketama» y «La pipa de Kif». Con el tercero, «Songhai», se adelantaron a la fusión con la música africana con el maliense Toumani Diabaté, donde ya aparecía el «Vente pa Madrid». Repetirían ese camino más tarde con «Songhai 2». Con el cuarto álbum, «Y es ke me han kambiao los tiempos» consiguieron un himno imperecedero, «No estamos lokos». Más tarde, «De aki a Ketama», resumió su carrera con un directo en el que estuvieron acompañados por un elenco de artistas invitados excepcionales, y que les valió un Premio Ondas al mejor álbum del año. Le seguirían tres discos más y otros tantos recopilatorios, que terminaron de conformar una trayectoria a todas luces influyente. ¿Tendríamos hoy a Rosalía si no hubiéramos tenido a Ketama ayer? «Bueno, esto es una cadena y nosotros formamos una pequeña parte de ella», dice Josemi con humildad. «Sin uno no estaría el siguiente, sin Camarón no hubiéramos salido nosotros, y sin nosotros no hubieran salido otros artistas, porque gracias a Dios, los músicos nos alimentamos unos de otros constantemente». Cuando se les menciona el tema de la SGAE y la «rueda» de las televisiones, los tres se levantan del sofá y hacen un amago de salir corriendo de la entrevista. Evidentemente nos están gastando una broma, pero ejemplifica muy bien la situación en la entidad. «Esperamos que pueda arreglarse todo, que haya comunicación y todos pongamos de nuestra parte», dice Josemi. Su hermano Antonio, que firmó una manifiesto contra «la rueda»el año pasado, prefiere mantenerse callado mientras su Josemi, ahora miembro de la Junta Directiva de la entidad, defiende lo que él llama «música nocturna». «Es una oportunidad para los músicos españoles, y la defenderé siempre que no cometa actos que no estén dentro de la ley. Eso, quien tiene que aclararlo son los jueces. Nosotros somos músicos y trabajamos donde nos digan, con multinacionales, con televisiones, con todo aquel que esté interesado en nuestro trabajo». Nos piden dejar de hablar de ese tema, y aunque la situación lo pide, preferimos no amargarles el regreso con polémicas. Lo que ha unido Ketama, que no lo separe la SGAE. FECHAS DE LA GIRA 23 de Febrero Granada - Palacio Municipal de Congresos 2 de Marzo Sevilla - Cartuja Center 15 de Marzo Barcelona - Auditorio del Fórum 16 de Marzo San Sebastián - Kursaal 22 de Marzo Málaga - MAC 23 de Marzo Murcia - Auditorio Fofó 5 de Abril Zaragoza - Auditorio de Zaragoza 6 de Abril Valencia - Palau de la Música de Valencia 11 de Abril Madrid - Circo PRICE 12 de Abril Madrid - Circo PRICE 13 de Abril Valladolid - Auditorio Miguel Delibes 27 de Abril Palma de Mallorca - Auditorio de Palma 30 de Abril Bilbao - Palacio Euskalduna 4 de Mayo Córdoba - Próximamente ENTRADAS EN SHOWS ON DEMAND




¿Para qué sirve la SGAE?

Tue, 13 Nov 2018 16:04:00 +0100

El 16 de junio de 1899, Sinesio Delgado y Ruperto Chapí impulsaron la fundación de la Sociedad de Autores Españoles (SAE) para defender a los creadores de los abusos de los editores y recaudar los ingresos derivados de la explotación de sus obras. Casi 120 años después, la entidad sigue desarrollando la misma actividad en un entorno completamente distinto. Pero ¿qué hace exactamente la SGAE hoy en día? Su principal función es emitir licencias del repertorio de los autores asociados (alrededor de 100.000) para su explotación y comercialización en cualquier soporte o formato. Así, es la encargada de recaudar el correspondiente pago por la reproducción, distribución y/o comunicación pública de obras literarias, musicales, teatrales, cinematográficas y audiovisuales dentro del estado español. Es decir, cada vez que una obra creada por un socio se interpreta, graba, representa, emite, proyecta o, incluso, se distribuye en Internet, la sociedad se encarga de que perciba los derechos de autor que le corresponden, tanto dentro como fuera de España. El Consejo de Dirección de la SGAE, formado por su Presidente y 13 miembros de su Junta Directiva, es el que determina cada año las tarifas aplicables. Para ello recurre a complejos sistemas de información como herramientas informáticas que acceden a los programas confeccionados por los usuarios y que reflejan las obras utilizadas (televisión, cine, espectáculos, conciertos, ventas de música), o los sondeos (en cientos de emisoras de radio, discotecas y establecimientos análogos). La SGAE no tiene ánimo de lucro. Cada vez que una de las obras de sus socios es utilizada comercialmente, su autor percibe una remuneración. Para ello, SGAE emite licencias no exclusivas a los usuarios (compañías tecnológicas, cadenas de televisión y emisoras de radio; salas de cine, teatros, auditorios; locales de ocio nocturno, restaurantes, cafeterías, etc.) de las obras dramáticas, audiovisuales y musicales, percibe las remuneraciones fijadas por su explotación comercial y las reparte entre los autores y editores, descontando exclusivamente los costes derivados de esta gestión. Actualmente, existen siete entidades más de derechos de gestión autorizadas por el Ministerio de Cultura: Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (EGEDA), el Centro Español de Derechos Reprográficos (CEDRO) y Artistas Intérpretes Sociedad de Gestión (AISGE).




Francisca Aguirre, premio Nacional de las Letras

Tue, 13 Nov 2018 15:03:24 +0100

Francisca Aguirre (Alicante, 1930) ha sida galardonada con el premio Nacional de las Letras en su edición de 2018. El galardón, que concede el Ministerio de Cultura y Deporte y tiene por objeto reconocer el conjunto de la obra literaria de un autor español, escrita en cualquiera de las lenguas españolas, está dotado con 40.000 euros. El jurado ha destacado que su poesía «la más machadiana de la generación del medio siglo» está «entre la desolación y la clarividencia, la lucidez y el dolor, susurrando, más que diciendo, palabras situadas entre la conciencia y la memoria». Aguirre, que en 2011 ganó el Nacional de Poesía con «Historia de una anatomía», es hija del pintor Lorenzo Aguirre, a quien le dedicó el poemario «Trescientos escalones». Su primer poemario, premio de poesía Leopoldo Panero, fue «Ítaca». Desde entonces, y con la excepción de la década de los 80, la autora ha continuado publicando su obra de manera ininterrumpida. Es autora, además, de poemarios como «Ensayo General», «Pavana del desasosiego», «Ensayo General. Poesía completa 1966-2000» o «Nanas para dormir desperdicios». Es, también, autora del libro de relatos «Que planche Rosa Luxemburgo», por el que consiguió el Premio Galiana en 1994 y del libro de recuerdos «Espejito, espejito». Sus obras han sido traducidas al francés, italiano, portugués y árabe. El año pasado, el galardón recayó en la escritora Rosa Montero.




¿Cuál es tu personaje favorito de Stan Lee?

Tue, 13 Nov 2018 13:16:23 +0100

Stan Lee pasará a la historia por haber creado personajes icónicos del mundo del cómic tales como Spider-Man, Hulk, Iron Man, Los 4 Fantásticos, Thor, Los Vengadores, Daredevil, Doctor Strange, X-Men y Bruja Escarlata, entre otros muchos. Su trabajo llevó a Marvel Comics a convertirse en una gran corporación multimedia. Te proponemos que escojas tu superhéroe favorito entre una lista de sus principales creaciones




El poeta Basilio Sánchez gana el premio Loewe

Tue, 13 Nov 2018 13:07:44 +0100

El poeta Basilio Sánchez (Cáceres, 1958) ha ganado la XXXI edición del premio internacional Loewe de Poesía por su libro «He heredado un nogal sobre la tumba de los reyes», por «su indagación y revalorización de la tradición clásica, buscando nuevos registros, sonidos y significados». Así lo ha considerado el jurado que ha hecho publico el fallo de este premio de poesía, uno de los más prestigiosos de este género, y dotado con 25.000 euros. En esta edición, el galardón a la Creación Joven ha sido declarado desierto. «Se trata de un autorretrato crítico», ha señalado el jurado sobre la obra ganadora, algo que ha calificado como «insólito», convirtiéndose en la gran novedad de este libro. «Una obra que da cuenta de un poeta en el pleno dominio de sus facultades, que hablará tanto a lectores adultos como a jóvenes». «Un libro que destila aliento místico en tiempos de penurias», han subrayado el jurado. Basilio Sánchez es licenciado en Medicina por la Universidad de Extremadura. Ha publicado, entre otros, los poemarios «Esperando las noticias del agua» (Pre-Textos), «Cristalizaciones» (Hiperión), «Las estaciones lentas» (Visor), «Entre una sombra y otra» (Visor) o «El cielo de las cosas» (Editora Regional de Extremadura). Ha ganado también varios premios por su labor literaria, entre ellos el Accésit del Adonáis; el Accésit del de Poesía Jaime Gil de Biedma; el internacional de Poesía Fundación Unicaja y el internacional de Poesía TIFLOS. Presidido por Víctor García de la Concha, el jurado de este premio estaba formado por algunos de los poetas vivos más importantes de España y América Latina: Piedad Bonnett, Francisco Brines, José Manuel Caballero Bonald, Ben Clark, Antonio Colinas, Soledad Puértolas, Aurora Egido, Jaime Siles y Luis Antonio de Villena.




Queen desbanca al reguetón como lo más escuchado en Spotify

Tue, 13 Nov 2018 13:03:50 +0100

La semana pasada se estrenaba «Bohemian Rhapsody», la película que narra la vida de Freddie Mercury, considerado uno de los mejores cantantes del siglo XX y una auténtica leyenda del rock. El filme, que está cosechando un gran éxito en taquilla, contiene una impresionante banda sonora, plagada con los grandes éxitos de la banda, entre los que se incluyen canciones en directo del mítico Live Aid que nunca antes habían sido publicadas. Toda esta «queenmanía» ha tenido su reflejo en Spotify, que hace unos días publicaba los datos de las reproducciones del último mes, que reflejan que este icono de la música todavía mantiene su vigencia, casi treinta años después de su muerte. Nada menos que 25 millones de oyentes, por encima de Shakira , (23.829.459), Maluma (19.566.274), Nicky Jam (18.594.222) y Becky G. (17.398.891). Entre las canciones más escuchas se encuentran, «Bohemian Rhapsody», «Don’t Stop Me Now», «Another One Bites The Dust», «Under Pressure» (cantada junto a David Bowie) y «We Will Rock You». El ex guitarrista del grupo Brian May celebraba en su cuenta de Instagram estas cifras históricas: Ver esta publicación en Instagram Wow ! UK Rock music chart this week. Things happening I never would have thought possible. Thanks folks. Thrilled. Bri (to see second sheet please swipe left to see the right hand image) Una publicación compartida de Brian Harold May (@brianmayforreal) el 5 Nov, 2018 a las 4:31 PST «¡Guau! Este es el ránking de las canciones más escuchadas en Spotify esta semana en el Reino Unido. Nunca hubiera imaginado las cosas que están sucediendo. Gracias amigos. Emocionado», ha escrito Brian May. En el citado listado se puede apreciar como ocho de las diez canciones de rock más escuchadas son de Queen.




Así son las canciones que el Gobierno de Navarra analiza por sexistas

Tue, 13 Nov 2018 12:57:14 +0100

Uno de los objetivos del programa educativo Skolae, diseñado por la Diputación de Navarra que lidera Uxue Barkos, es integrar la igualdad en el sistema educativo. Y una de las acciones que ha llevado a cabo es elaborar una lista de canciones que analizan por «sexistas».




El tuit póstumo de Stan Lee con su misteriosa palabra favorita se vuelve ultraviral

Tue, 13 Nov 2018 12:22:31 +0100

El cerebro de Marvel, Stan Lee, falleció en Los Ángeles en la tarde de ayer a los 95 años como a estas alturas todos ya saben. Esta leyenda del cómic había sufrido numerosos problemas de salud en los ultimos tiempos, su legado es directamente insondable. Incluso póstumamente, lo ha vuelto a hacer... Lee era un genio del marketing y ayer lo volvió a demostrar incluso estando fallecido. Y es que el tuit que lanzó de manera póstuma se ha convertido en todo un fenómeno en esta red social que supera largamente el millón de «me gustas». Y solo incluye dos cifras y una palabra sobre un fondo negro: «1922-2018: Excelsior». pic.twitter.com/dTdDjRvXbs— stan lee (@TheRealStanLee) 12 de noviembre de 2018¿Pero qué significa Excelsior? Esta palabra la empezó a usar este genio del cómic en los años 60, y era un término único que Lee utilizaba para despedirse, una singularidad que hizo marca. En 2007, explicó el por qué de esa despedida: «Tenía un montón de expresiones con las que acabar mis columnas y descubrí que la competencia siempre estaba imitándolas y usándolas. Así que me dije que iba a encontrar una expresión que no iban a saber qué significaba, ni siquiera cómo escribirla. Ahí surgió Excelsior y afortunadamente nunca la cogieron». Y en un tuit de 2010, siguió esclareciendo el misterio: «Finalmente, ¿qué significa Excelsior? "¡Hacia arriba y hacia adelante por la gloria mayor" ¡Eso es lo que os deseo cuando acabo de tuitear! ¡Excelsior!». Genio y figura hasta la sepultura. Finally, what does “Excelsior” mean? “Upward and onward to greater glory!” That’s what I wish you whenever I finish tweeting! Excelsior!— stan lee (@TheRealStanLee) 9 de noviembre de 2010




Camille Pissarro, el inventor del impresionismo

Tue, 13 Nov 2018 10:51:27 +0100

Hace hoy 115 años que murió Camille Pissarro y no falta quien reivindica un mayor protagonismo del pintor en la génesis del movimiento impresionista. El director del Museo Camille Pissarro de Pontoise, Francia, y uno de los mayores expertos en su obra, Christophe Duvivier, que ayer impartía una conferencia en la Casa Sefarad de Madrid, habla con certidumbre del peso que tuvo Pisarro en la formación de Cézanne o de Gauguin, entre otros. Pero Pissarro también está de actualidad porque sus obras estaban presentes en colecciones de familias de origen judío que fueron expoliadas por los nazis. En Francia, explica Duvivier, hay una «política clara para favorecer las devoluciones. Los cuadros que acabaron en colecciones públicas tienen una referencia: “MNR” para dejar patente que no pertenecen al Estado y algún día podrán devolverse a los legítimos propietarios, lo cual facilita mucho los procesos». Preguntado por el Pissarro de la colección Thyssen «Rue Saint-Honoré por la tarde. Efecto de lluvia» (1897), que reclama por vía judicial un descendiente de su propietaria original Lilly Cassirer, el experto admite la complejidad de este caso. Duvivier admite que no tiene «una opinión formada sobre cómo acabará el caso» pero reconoce que «la buena fe de los compradores, en este caso el barón Thyssen, es un aspecto moral y jurídico a tener en cuenta cuando un cuadro ha cambiado varias veces de manos y cruzado varias fronteras. Porque entonces, se pueden aplicar legislaciones de varios países. Por eso no sé cómo debe acabar, no soy un experto en el caso aunque, lógicamente, me interesa». Precisamente, el origen judío de Pissarro es una de las claves que sirven a Duvivier para ahondar en la figura que ha quedado tradicionalmente detrás de los Van Gogh, Gauguin y Monet, pero que gravita en el modo de pintar del grupo de impresionistas. «Durante años no le interesó su origen hasta el caso Dreyfus. Pero las discrepancias entre sus amigos le hicieron cambiar de opinión, le hicieron sentirse judío y llegó a la ruptura definitiva con Renior por su antisemitismo y al enfado con Degas, aunque luego se reconciliarion», aclara. Pissarro rompió con su familia, «se casó con una criada doméstica, sin dinero y católica, con gran disgusto para su padre. Sus amigos Cézanne, Gillaumin, Piette y Beliard, le apoyan. Estos dos últimos eran también simpatizantes anarquistas. Piette, además era católico y se había casado con una judía sin dinero. Ese paralelismo mantuvo unidas a las dos parejas con lazos de amistad duradera», añade el experto. Anarquismo o humanismo El anarquismo puede ponerse, en opinión de Duvivier, en relación con el nuevo arte de los impresionistas: «Pissarro siempre fue muy crítico con todo lo institucional, incluidas las escuelas de pintura. No se sentía del todo francés, a pesar de apreciar su cultura, pero se sentía libre y crítico. Por eso prefiero hablar de humanismo antes que de anarquismo», comenta el estudioso. Pero en relación con su influjo en los impresionistas, «está claro que los hizo visibles, pero sobre todo les enseñó a poner en duda los criterios estéticos vigentes. No lo hizo como un maestro al que debían seguir, sino como revelador del potencial que llevaban dentro, les convirtió en lo que fueron», recuerda. Los impresionistas se llamaron así porque querían atrapar la impresión del motivo representado. «Querían pintar con espontaneidad los instantes fugaces, pero también enseñaban la técnica, la escritura, los gestos, las pinceladas del pintor, el trabajo y eso resulta paradójico», añade. Por eso no lo entendían en su momento. Todo eso supone una ruptura con esa época, recuerda Duvivier, «porque la pintura en general trataba de que ese trabajo del pintor no se viese». En todo caso, Pissarro -concluye el estudioso- «por las series que pintaba, es quien hizo desaparecer el sujeto, repitiendo las vistas de la misma calle, provocando sensaciones distintas».




¿Los nuevos flamencos?

Tue, 13 Nov 2018 03:13:19 +0100

Meterse en territorio flamenco sin tener acreditado un máster en todos los palos del género resulta bien temerario. Si les vale, aporto mis muchas tardes -sábados y domingos, entre las seis y las siete- de escucha radiofónica de «Duendeando», en Radio 3, donde su presentador, Teo Sánchez, sale siempre al quite con ese enunciado tan brillante de «un programa de flamencos y pelícanos». Curiosidad no me falta. Arte, lo que se dice arte, ninguno; ni para bailar una sevillana, ni para tocar unas palmas acompasadas. Pero a lo que iba, al lío, bien grande, porque va de nuevos flamencos y con la santa iglesia flamencóloga voy a topar de frente y de perfil. Anda el escenario revuelto desde que, hace ya casi dos años, una joven cantante de nombre Rosalía revolotea «malamente» de acá para allá. La muchacha (con «s» arrastrada, que dirían en Cádiz) nació catalana y ya ha entrado en el peor de los «mainstream» que una pueda sospechar: el de una gala MTV. Comentan los de pura raza que lo suyo no es flamenco ni es ná… Lo mismo se le critica al Niño de Elche, que a veces se pierde por bocazas. A ella nunca la he visto actuar. A él, sí, en un concierto de Martirio. También ha hecho sus «duetos» escénicos con Rocío Márquez, a quien también vi en el Auditorio Nacional, donde se hacía acompañar por una clásica Carmen Linares y por un iconoclasta Kiko Veneno. No se puede preparar una ensalada mixta más bien aliñada. Que la voz del Niño de Elche te abre las entrañas como si emanase de los más hondo de la tierra es lo que yo siento, y nadie me lo puede quitar. Que a Camarón nunca le perdonaron su «Leyenda del tiempo» por partirse la camisa de la ortodoxia, es una verdad como un templo que aún sigue viva 26 años después de su muerte. Que Soleá Morente es hija de Enrique Morente, flamenca y gitana con todas las de la ley, está escrito en su partida de nacimiento. Que los flamencos y pelícanos sigan dando juego es lo mejor que le puede pasar al género.




Por qué algunos surcoreanos le tienen miedo a los ventiladores

2016-06-03T16:49:07+00:00

La "asfixia por ventiladores" ha sido considerada como una de las principales causas de accidentes durante el verano en Corea del Sur. Pero, ¿qué tienen de peligrosos estos aparatos en el país asiático?




El artista callejero Banksy sorprende a alumnos de Bristol con una de sus creaciones

2016-06-06T14:44:20+00:00

“Siempre es más fácil obtener perdón que permiso”, decía la nota que dejó Banksy junto al mural que maravilló a los pequeños estudiantes.




Cómo logré convencer al mundo de que el chico que te gusta también puede violarte

2016-06-03T16:58:47+00:00

Hace 25 años la lucha de Katie Koestner por impedir que su violación quedara impune ayudó a popularizar un concepto que sirvió para visibilizar un viejo problema: el “date rape”, las violaciones durante una cita romántica.




Lo que Mohamed Alí me enseñó del Parkinson, la enfermedad que sufre mi madre

2016-06-06T07:28:56+00:00

A mi mamá no le gusta el boxeo pero cuando le cuento lo que Alí dijo sobre el Parkinson muestra su aprobación. Uno de sus libros me abrió los ojos sobre cómo es vivir con la segunda enfermedad neurodegenerativa más frecuente.




Nosotros proponemos el tema, tú mandas las fotos

2016-06-03T15:02:31+00:00

Esta semana, nos gustaría que compartieras con nosotros tus fotos de VIAJES: en tren, camino al trabajo, navegando en altamar ... todos realizamos viajes hacia alguna parte todos los días. Inspírate con esta galería.




El inquietante arte de fotografiar a los muertos

2016-06-05T20:11:35+00:00

En la era victoriana fotografiarse junto a los muertos se convirtió para muchas familias en la única forma de tener una imagen permanente de un ser querido que había fallecido muy pronto.




"Pasé 28 horas nadando para salvar mi vida"

2016-05-26T14:51:12+00:00

El surfista sudafricano Brett Archibald fue a disfrutar de su pasión con sus amigos. Pero el viaje se convirtió en una pesadilla cuando se cayó por la borda en medio de la noche en el Océano Índico. Y vivió para contarlo.




"Todo el mundo está invitado" al funeral de Mohamed Alí

2016-06-05T11:03:17+00:00

La familia del destacado boxeador, que murió hace dos días, organizará una gran procesión y celebración fúnebre el próximo viernes en Louisville, Kentucky, donde podrán asistir las personas que quieran de todos los rincones.




El estrambótico acto inaugural del túnel de San Gotardo, el más largo del mundo

2016-06-03T15:21:53+00:00

La ceremonia de inauguración este miércoles del túnel de San Gotardo, el más largo del mundo, fue, cuanto menos, rocambolesca. Te mostramos algunas imágenes de lo que sucedió. No siempre logramos comprender su significado.




Los obispos "negligentes" con los casos de abusos sexuales serán expulsados, dice nuevo decreto papal

2016-06-04T12:01:23+00:00

Los nuevos planes papales incluyen la suspensión de aquellos obispos que no gestionen "adecuadamente" los casos de abusos sexuales por parte de algunos curas. Según el papa Francisco, las leyes actuales serán endurecidas.




Por qué la guerra de Vietnam es para mí la batalla más inolvidable de Mohamed Alí

2016-06-04T11:56:20+00:00

Ver a Alí en acción era una experiencia electrizante, una combinazión de fuerza primaria y belleza artística. Pero el impacto más profundo y su verdadera grandeza se realizó fuera del cuadrilátero.




La vida en imágenes de "El más grande", Mohamed Alí

2014-12-21T14:25:21+00:00

Imponente, provocador, filosófico y formidable. El mítico boxeador Mohamed Alí ganó el respeto de muchos alrededor del mundo tanto por su talento extraordinario como su postura ante la opresión de su raza.




Las memorables peleas de Mohamed Alí fuera del ring

2014-09-10T17:24:26+00:00

Para muchos, Alí fue el atleta más grande de la historia, pero también una polémica figura con voz política que puso sus principios por encima de todo.




Minefield: la obra de teatro que puso a veteranos británicos y argentinos a revivir la guerra de las Falklands/Malvinas en pleno corazón de Londres

2016-06-03T12:04:34+00:00

El montaje de la argentina Lola Arias pone a seis veteranos a hablar, cantar, bailar y pelear para reconstruir una guerra que jamás los abandona. El jueves se estrenó en el Royal Court de Londres.




Niño abandonado en Japón: ¿disciplina, castigo o padres monstruosos?

2016-06-03T12:33:31+00:00

La dramática saga de Yamato Tanooka, el niño de 7 años que fue abandonado en un bosque por sus padres pero luego encontrado sano y salvo, ha despertado una polémica en Japón sobre qué es la buena crianza de los hijos.




"Así pasa cuando sucede" y otras frases que El Filósofo de Güémez aportó a la sabiduría popular de México

2016-06-03T05:07:58+00:00

Con su simpleza e ingenio este personaje describe y aconseja con humor a la sociedad mexicana. Dice por ejemplo: "El que tenga burros que los amarre, y el que no, pues no"... Su creador murió esta semana.




Cómo sobrevivió Yamato Tanooka, el niño abandonado por sus padres en un bosque en Japón

2016-06-03T09:42:56+00:00

El niño de 7 años estuvo extraviado casi una semana en un bosque espeso, con bajas temperaturas, sin alimento y con la amenaza de osos que habitan en la región. Te contamos qué le pasó y cómo logró sobrevivir.




Francia: cierran el Museo del Louvre por las graves inundaciones que afectan París

2016-06-02T18:47:57+00:00

Las inundaciones amenazan París, lo que hizo que el famoso Museo Louvre, el más visitado del mundo, fuera cerrado al público. En la capital francesa y sus alrededores 25.000 personas permanecen si electricidad.




"Es una enorme máquina de matar": lo que el desierto de Sonora les hace a los cuerpos de los que intentan cruzarlo

2016-05-30T13:14:01+00:00

Es uno de desiertos más calurosos y grandes del mundo, localizado entre México y Estados Unidos. Muchos migrantes mueren allí porque se ven forzados a tomar rutas más remotas y peligrosas en su intento de cruzar la frontera.




EE.UU.: el forense confirma que el cantante Prince murió por una sobredosis del opiáceo fentanilo

2016-06-02T16:34:17+00:00

La oficina del forense que investiga la muerte del artista confirmó que la causa fue una sobredosis del analgésico fentanilo. Prince fue hallado sin vide en su residencia de Minneapolis el pasado 21 de abril.