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Patricio Pron: «Todo buen personaje es siempre un espejo del lector»

Thu, 25 Apr 2019 01:26:45 +0200

No ha elegido Patricio Pron un título tan largo, aunque sí en su línea, para su última novela, «Mañana tendremos otros nombres» (Alfaguara), como suele ser habitual en el escritor argentino afincado en la capital de España. Recordemos, por ejemplo, sus recopilaciones de relatos «El mundo sin las personas que lo afean y lo arruinan», «Lo que está y no se usa nos fulminará», o sus novelas «El espíritu de mis padres sigue subiendo en la lluvia», y «No derrames tus lágrimas por nadie que viva en estas calles». Licenciado en Comunicación Social y doctor en Filología Románica, «Granta» lo seleccionó en 2010 como uno de los 22 mejores escritores jóvenes en castellano. La prestigiosa revista, siempre alerta para descubrir nuevos valores, no se equivocó. Patricio Pron es autor de una obra exigente, merecedora de varios galardones, a los que ahora se suma el Premio Alfaguara 2019 por «Mañana tendremos otros nombres», calificada por el jurado como «la fascinante autopsia de una ruptura amorosa, que va más allá: es el mapeo sentimental de una sociedad neurótica donde las relaciones son producto de consumo», y que «refleja la época contemporánea de manera excepcional y toma el pulso a las nuevas formas de entender los afectos». Abre su novela con una cita de «Stoner», de John Williams, donde, entre cosas, se dice que el amor es «un proceso a través del cual una persona intenta conocer a otra». Una tarea muy complicada la de conocer verdaderamente al otro, y casi condenada al fracaso... Por supuesto que lo es. Y sin embargo, este proceso (en el que, de paso, uno se conoce a sí mismo, o al que es junto a la otra persona, como les sucede a los personajes de este libro) es el único que vale realmente la pena experimentar a lo largo de la vida si se desea que ésta sea plena. ¿Ha tenido en cuenta el concepto de «amor líquido», de Bauman? Sí. Y también ensayos de Marina Garcés, Paul B. Preciado, Byung-Chul Han, Eva Illouz y otros: son la «línea de sombra» de «Mañana tendremos otros nombres», y ojalá la novela permita a más personas acceder a su trabajo. ¿Por qué denomina a sus protagonistas solo como Él y Ella? ¿Para darles un sentido más simbólico o universal? En parte sí, desde luego: la experiencia de amor y de desamor que atraviesan es, en realidad, universal. Y un buen personaje es siempre un espejo del lector: quizás que carezcan de nombres (pero vayan a tenerlos, mañana) fuese necesario para que devolvieran al lector su imagen. ¿También por esto los demás personajes aparecen con iniciales? Claro. Por la misma razón «Hay algo de mi propia historia personal, así como, en gran medida, de las de amigas y amigos muy queridos» ¿Las profesiones de Él y Ella, escritor y arquitecta, son intencionadas? Absolutamente. Se trata de profesiones creativas que obligan a quienes las practican a pensar en cuestiones como las de la creatividad y el riesgo, las posibilidades y limitaciones que resultan de los condicionantes económicos y las preguntas sobre el para qué y el para quién que están especialmente presentes en esta novela. ¿Hay algo de usted en el escritor de su novela? Mucho, por supuesto: cuando se escribe acerca de la intimidad se hace, inevitablemente, desde la propia, que es la que uno más conoce. De manera que en la historia de estos dos personajes y quienes los rodean hay algo de mi propia historia personal, así como, en gran medida, de las de amigas y amigos muy queridos que accedieron a comentar conmigo su propia intimidad y me ayudaron a pensar en las muchas formas de amor que las personas están experimentado estos días. ¿Cómo definiría, en esencia, a Él y a Ella? Son personajes que hacen frente a las mismas incertidumbres que experimentamos todos. Y, sin embargo, a diferencia de la mayor parte de nosotros, ambos se detienen a pensar en la forma en que han estado amando y en la manera en que desean amar y ser amados: dan un paso hacia atrás, por decirlo así, y de esa manera ven y tienen una experiencia de primera mano de lo que les rodea, y aprenden. En su último libro de relatos, «Lo que está y no se usa nos fulminará», en el cuento «Notas para un perfil de Tinder», emerge el mundo de las redes sociales. ¿Por qué ha decidido darles ahora mayor protagonismo? Por una parte, porque tengo la impresión de que los intercambios escritos que estamos produciendo en las redes conforman una especie de «nueva literatura» que me parece interesante explorar, entre otras cosas, para pensar mejor en la «otra literatura», la que leemos como tal. Y por otra parte, porque ese universo de las redes sociales es un aspecto esencial de nuestra vida cotidiana y de la forma en que experimentamos el mundo, incluso para aquellos que no las tienen. Escribir acerca de la experiencia amorosa en el presente en que vivimos sin hablar de ellas hubiese sido posible, pero hubiera sido empobrecedor y habría tenido algo de falso. «Creemos que la experiencia amorosa siempre ha sido igual, y sin embargo, no hay nada que se haya transformado más a lo largo de la historia» ¿Las redes sociales han causado la mayor revolución en las relaciones amorosas? Muy posiblemente sí, al menos han introducido la novedad más importante en las relaciones amorosas desde el final de la Segunda Guerra Mundial y la llegada de las mujeres al ámbito del trabajo. ¿Son un caldo de cultivo para la impostura? Toda forma de seducción tiene algo de impostura, ¿verdad? Lo interesante en este caso es que ese fingimiento es promovido y estimulado por las redes y la dinámica que se produce en ellas, en las que los usuarios conciben su identidad como un producto de consumo de otros usuarios. En un momento de la novela Ella dice: «Nunca elegimos, sólo vivimos en lo que es». ¿Somos un tanto marionetas del destino, de la propia vida» No realmente. Pero estamos sometidos a condicionantes económicos y políticos, así como de clase, en los que procuramos no pensar a menudo: por el contrario, Él y Ella los experimentan y piensan en ellos. «Las redes y su dinámica provocan que los usuarios conciban su identidad como un producto de consumo de otros usuarios» ¿Por eso en su novela explora el amor y el desamor no como ideas intemporales, sino en buena medida ligados a las condiciones políticas, sociales...? Por supuesto. Creemos que la experiencia amorosa siempre ha sido igual, y sin embargo, no hay nada que se haya transformado más a lo largo de la historia; de hecho, es precisamente esa volubilidad de la experiencia la que la convierte en un sitio privilegiado desde y en el cual reflexionar sobre el presente. ¿Es su novela más desesperanzada? No. Por el contrario diría que es mi novela más esperanzada y esperanzadora. Al final, pienso, Él y Ella estarán bien, de alguna manera. Usted es cuentista y novelista. ¿Desde el momento en que le surge un tema tiene ya determinado a qué genero va a destinarlo, o es sobre la marcha? A menudo se produce una especie de interacción entre la forma y el fondo, de la que surge la certeza de cuál será el género en el que se inscribirá la historia que deseo escribir. «Mañana tendremos otros nombres» es uno de esos casos: desde el primer momento supe que sería una novela. ¿Se siente más cómodo en alguno de los dos géneros? La verdad es que no. Ambos tienen limitaciones y posibilidades específicas, y son usados por los lectores de formas distintas; pero los dos (y otros muchos) son esenciales para comprender qué es eso que llamamos literatura y por qué la necesitamos tanto.




Enrique Vila-Matas en su laberinto

Thu, 25 Apr 2019 01:26:26 +0200

«Historia abreviada de la literatura portátil» inició un excelente camino de renovación literaria que quizá llegó a su cima en «El mal de Montano». Desde entonces la literatura de Vila-Matas ha sido una constante indagación sobre sus límites, lo que le llevó a convertir el tema de las vicisitudes de la propia escritura en el rasgo principal de su estilo. Esta mimetización especular sobre el acto de escribir, que vio en «Dublinesca» y «Aire de Dylan» su continuación autoficcional sobre las opciones y dificultades de escribir hoy novelas o ficciones, había desembocado en el mundo del arte plástico. «Mac y su contratiempo», había supuesto un alto en el camino, una reflexión sobre si la narratividad, contar simplemente cuentos, al modo de los «aventis» de Juan Marsé, era una alternativa viable. Quedaron a mi juicio las espadas en alto en una novela que suponía tránsito entre su anterior mundo y quizá uno nuevo, que su literatura iba necesitando. Rabiosa o amistosamente se le iba advirtiendo a Enrique Vila-Matas que la formula metaliteraria estaba siendo una pequeña cárcel de la que debía salir para no repetirse o terminar justificando. «Esa bruma insensata», novela última que amenaza con ser eso, última, no avanza ni en un sentido ni en otro, deja otra vez las espadas en alto, como si Vila-Matas, que se sabe poseedor de una inteligencia fuera de toda duda, hubiera preferido decirle a su lector, que no hay remedio, que la única vía posible de salida para la tesitura en que se ha situado su propia obra, será la disolución. Obviamente los vila-matianos (me encuentro entre ellos, no por declaración sino por ejercicio critico continuado) íbamos notando que su literatura estaba necesitada de un cambio, en el camino quizá del ensayo meta-artístico. Espejo de angustias Nos resistimos a creer que la primera opción de ese cambio haya sido tirar la toalla, como si esta novela, que me ha parecido un espejo de sus angustias como autor, fuese al mismo tiempo una especie de testamento rayano en el cinismo descreído, directamente cáustico, con el que la parte final de la novela contempla la mueca de la figuración en dos rostros enfrentados, los dos hermanos Schneider, Simón y su Gran Boss, Rainer Schneider, que parecen representar una especie de Doctor Jekyll y Mr. Hyde. La idea podía haber sido brillante para un cuento, pero me parece que no ha funcionado porque de modo bastante confuso narrativamente Vila-Matas ha mezclado ese tema, con otro, el de la desaparición. Otra cuestión no resuelta en esta novela son los episodios familiares del protagonista en su casa de Cadaqués, que por momentos iban a caminar en la tonalidad cuasi lírica de otras obras, parecían proporcionar a mitad de la novela un hilo de conexión vital que luego inexplicablemente la novela abandona, lo que me parece no ha sido beneficioso para ella. Por último, la cuestión del «procès» o movimiento independentista catalán, que de tanto en tanto aborda la novela, es guadiana que quizá adeude algo a la necesidades propias del escritor por definirse, pero que aporta poco a la novela. «Esa bruma insensata». Enrique Vila-Matas Narrativa. Seix Barral 2019. 312 páginas.19,90 euros E-book: 12,99




Javier Muguerza, artífice de la amistad

Thu, 25 Apr 2019 01:26:10 +0200

Con la muerte de Javier Muguerza se ha ido el filósofo más influyente del pensamiento español de los últimos cincuenta años. Supo contagiar su pasión por la filosofía a unas cuantas generaciones de procedencias geográficas e intelectuales diversas, en los años en que era imperativo que la filosofía hecha en España se sacudiera la gazmoñería que arrastraba y se empapara de las ideas más frescas que venían del exterior. Como bastantes de sus coetáneos que ansiábamos respirar aires nuevos, su trayectoria filosófica empezó en el terreno de la lógica y la filosofía analítica. Muy pronto cambió de rumbo y viró hacia la ética, en la línea que había empezado a marcar su maestro Aranguren. La vitalidad y la expansión que la filosofía práctica ha tenido entre nosotros no hubiera sido tal sin el paso firme y decidido de quien sabía por dónde había que ir, a quién había que leer, qué contactos eran imprescindibles. De la mano de las críticas «frankfurtianas» a la razón ilustrada y de las teorías sobre la ética comunicativa y la justicia que Habermas y Rawls empezaban a pergeñar, Javier Muguerza fue dejando a un lado el aséptico positivismo analítico para darle mil vueltas a los problemas que plantea el deber ser. De ahí saldrían sus dos grandes libros: «La razón sin esperanza» y «Desde la perplejidad». No complacencia Ambos títulos hablan por sí mismos. La filosofía que Muguerza ha ido tejiendo se asienta en la incertidumbre y en la inseguridad de quien piensa que quizá no le competa al filósofo otra función que la crítica y que, en ningún caso, su lugar es el de la complacencia con lo que hay. Fue un maestro de muchos y muchas, pero un maestro atípico. Alejado de jerarquías y cargos institucionales, seducía y buscaba complicidades con su encanto personal que era magnético. No le bastó el dominio de un área de la filosofía que, gracias a su arte, adquirió un peso dentro de los estudios filosóficos que jamás había tenido. Pensaba que la filosofía no podía fracasar porque sería el fracaso de la razón misma Pensaba que la filosofía moral debía extenderse más allá de sí misma, hacia lo que llamaba sus «parafernalias»: la filosofía del derecho, de la religión, de la historia, incluso la metafísica depurada de sus anacronismos cabía en esa nueva filosofía primera que se empeñó en construir y lo logró con creces. Con ese espíritu fue cuajando el Instituto de Filosofía del CSIC, lugar de encuentro por antonomasia en torno a los eventos filosóficos, y fundó la revista Isegoría, cuyo título identifica a la perfección cuáles eran sus ambiciones con respecto a esa comunidad ética que se afanaba en consolidar. Red filosófica Fue profesor en la Complutense, en la Universidad de La Laguna, en la Autónoma de Barcelona y finalmente en la UNED. Pero quiso ir más allá y extender la red filosófica a hispanoamérica e incluso a todo el mundo ibérico. La «Enciclopedia Iberoamericana de Filosofía» fue un magno proyecto que, bajo su dirección y un buen equipo como los que sólo él conseguía reunir, es un original testimonio que da cuenta de la producción de la comunidad filosófica hispanoparlante de nuestro tiempo. Con él fue imperativo que la filosofía hecha en España se sacudiera la gazmoñería Nadie como él prestó tanta atención a la obra de sus coetáneos de todas las edades y geografías. Dialogó, por supuesto, con los grandes nombres de las corrientes filosóficas internacionales, pero no dejó de hacerlo con la obra de los filósofos que tenía más cerca, rompiendo con ello esa perversa tradición española de ignorar lo de dentro y encandilarse con lo de fuera. Estaba convencido de que la filosofía española se había homologado a la que se hacía fuera de nuestras fronteras y tenía características propias que no era inteligente ignorar. Perplejo y dubitativo por un lado y obstinado al mismo tiempo, las dos caras confluían en la personalidad no sólo intelectual de Javier Muguerza. No en vano el último capítulo de su último libro responde al título de «Perplejidades y obstinaciones». Su filosofía quiso ser a la vez utópica y desesperanzada, lo que tampoco es contradictorio si lo vemos a la luz de la que fue una de sus afirmaciones preferidas: «si los hechos no se ajustan a la razón, peor para los hechos». Pensaba que la filosofía no puede fracasar porque su fracaso sería el de la razón misma. Jamás le atrajeron las corrientes posmodernas ni los pensamientos débiles que fácilmente sucumben al escepticismo más estéril, una actitud que un filósofo no puede permitirse. Sin quererlo ni intentarlo, más bien rehuyéndolo, nuestro querido filósofo acabó siendo una guía para los perplejos que, como en su caso y a pesar de todo, creemos en la filosofía, tuvimos la suerte de conocerle y gozar de su amistad. Para entenderle mejor José Luis Aranguren (Ávila, 1909-Madrid, 1996). Javier Muguerza comenzó su carrera universitaria como ayudante del maestro Aranguren en la Cátedra de Ética de la Facultad de Filosofía y Letras de Madrid. José Ferrater Mora (Barcelona, 1912-1991). Es recordado principalmente por haber sido autor, en solitario, del más extenso diccionario de filosofía escrito en castellano en el siglo XX. Muguerza fue alumno suyo. Jürgen Habermas (Düsseldorf, Alemania, 1929). Es el pensador vivo más importante y se relacionó continuamente con el trabajo de Muguerza, de quien destacó «su tolerancia para dialogar con todas las corrientes filosóficas».




Rogelio López Cuenca: ¿Por qué los poetas?

Thu, 25 Apr 2019 01:25:45 +0200

Pourquoi donc des poètes en temps de misère? (¿Por qué, entonces, los poetas en tiempos de miseria?). Seguramente pocas personas han reparado en estas palabras, justo al entrar en el patio Nouvel del Museo Reina Sofía. Y, sin embargo, son casi tan visibles como el sobredimensionado brochazo de Lich- tenstein. Tal vez ese sea uno de los rasgos identitarios como artista de Rogelio López Cuenca (1959): habitar anónimamente en los pliegues de los mensajes-masajes que nos rodean, crecer -sin ser totalmente percibido- entre la maleza de la jungla iconográfica que nos devora; recordar, desde el arma de las palabras, que todo puede verse, aunque no sea visto. Textos, consignas, eslóganes, anagramas, logotipos y otras estrategias verbales y textuales son práctica común en sus obras. Una señalética visual y conceptual que le ha servido para arrojar luces y sombras irónicas, reflexivas y críticas, sobre diferentes aspectos de la realidad social, política y cultural. Una fuerte huella Su inicial militancia como poeta, sobre todo dentro del injustamente infravalorado paisaje de la poesía experimental, dejará una fuerte huella en todos sus trabajos visuales y plásticos, con la constante presencia de registros textuales y de juegos de letras, palabras y conceptos. De esta forma, a través de un hábil manejo irónico y poético del lenguaje, de la relectura de imágenes cotidianas o icónicas, y del empleo de diversos mecanismos comunicativos como vídeos, poemas, impresiones fotográficas, textos, postales, prensa, webs, documentos, camisetas o recuerdos turísticos, ha conseguido elaborar una sintaxis personal y reconocible. Yendo, leyendo, dando lugar supone la primera gran muestra retrospectiva dedicada a este singular y plural artista, y arroja una completa mirada sobre su obra e intenciones. Mirada que, como ya hemos señalado, se inserta dentro de una polisémica reflexión sobre las potencias semánticas, comunicativas y plásticas de la(s) palabra(s) y del lenguaje. Los caladeros en los que cobra sus piezas se localizan, entre otros, en espacios tan diversos como el casi inagotable manantial de las vanguardias o el no menos abundante grifo iconográfico del arte Pop. Y, siempre, estas incursiones de caza y pesca creativa tienen como punto de mira la praxis de una crítica institucional, ideológica, económica, social y -por tanto- fundamentalmente política. Bien sabemos las delgadas y sutiles fronteras que, dentro de la práctica artística, pueden separar una eficaz y necesaria actitud de crítica política de otra que termine por caer con peligrosa facilidad en el panfleto. En el caso de López Cuenca, este evidente riesgo queda salvado por la aplicación de abundantes dosis de proposiciones irónicas, humorísticas incluso, y por una mordaz actitud lúdica. Dianas favoritas ¿Y contra qué o quién dirige el suyo? Contra un amplio abanico de posibilidades críticas: los espurios intereses y las oscuras implicaciones de las políticas migratorias actuales (una de sus dianas favoritas); la memoria histórica y sus desmemoriados obreros especializados; las paternalistas y turbias gimnasias de las políticas poscoloniales; la falsaria utilización instrumentalizada de figuras referenciales del arte y la cultura en aras de conseguir suculentos bocados especulativos… Para ello recurre a distintos medios, como la pintura, la foto, el vídeo, las instalaciones o el perverso y polimorfo universo de los objetos. Todos combinados con la presencia activa y protagonista de la palabra, y de los innumerables recursos expresivos y semánticos que ésta puede ofrecer en su diálogo con el mundo de las artes visuales. Textos, consignas, anagramas, logotipos son práctica común en su labor La exposición traza una completa cartografía desde sus primeros trabajos, en los ochenta, todavía deudores de la poesía experimental, pero que paulatinamente van incorporando registros más vinculados a la plástica, como el collage, el apropiacionismo o la descontextualización iconográfica. Es también el tiempo de su participación en determinadas experiencias colectivas de creación, entre las que quiero destacar la Agustín Parejo School. Todas insertas en una expansión de las posibilidades de la poesía en su interrelación con las prácticas artísticas visuales, que, asimismo, se mantendrá activa en los noventa. Málaga, su Historia y su memoria, ha estado muy presente en su trayectoria. Así, una de sus propuestas más sugerentes es un proyecto colectivo en el que lleva trabajando desde 2010, que estudia el fenómeno desencadenado en Málaga en torno a la figura de Picasso, y que él mismo denomina de picassización forzada de esta ciudad y su ambiente cultural, reflexionando desde la ironía crítica sobre la conversión de un artista de su talla en una marca registrada, advirtiéndonos de los peligros -y la incongruencia- de convertir una figura artística en un icono del márketing y en un reclamo de la publicidad turística. Dentro de un amplio conjunto de obras presenta Las islas (2018), proyecto realizado para la muestra, en el que, a través de una variada gama de soportes y técnicas, y una relectura de documentos históricos vinculados al Descubrimiento, reflexiona crítica e irónicamente sobre los mecanismos de control y empoderamiento del colonialismo del pasado, y su proyección turística y mercantilizada hoy. No hay duda: en tiempos de miseria es cuando más falta hacen los poetas... Rogelio López Cuenca Yendo, leyendo, dando lugar. Museo Reina Sofía. Madrid. C/ Santa Isabel, 52. Comisario: Manuel Borja-Villel. Hasta el 26 de agosto.




Torres Colón: medio siglo de un hito

Thu, 25 Apr 2019 01:25:32 +0200

El título Torres Colón: 50 años del inicio de su construcción que lleva la muestra del Centro Cultural de la Villa no sólo puede leerse como una alusión conmemorativa, sino que también alberga implícita la idea de que esta construcción es una edificación viva. Enérgica, abierta y dispuesta al futuro, más allá de una extraordinaria obra arquitectónica del siglo pasado. La significación en la Historia de la arquitectura y en la definición del paisaje urbano de Madrid de estas dos torres diseñadas por Antonio Lamela en 1969 es absolutamente incuestionable. En su momento, constituyeron un hito tecnológico absoluto: fueron el primer edificio del mundo en el que se aplicó el sistema constructivo que se denominó «arquitectura suspendida»: Se edificaron de arriba abajo, en el literal sentido de «construir la casa desde el tejado», resolviendo un complejísimo ejercicio que fue necesario articular para edificar respetando estrictamente los enrevesados requisitos que imponían las ordenanzas municipales, aprovechar el reducido espacio del solar disponible y garantizar una solución estructural que satisficiera óptimamente las necesidades del programa de usos (algo que habría sido imposible de haberse procedido con el sistema convencional). Partir el volumen en dos El proyecto nació para formar parte de un marco urbano que finalmente no llegó a concretarse a causa de sucesivos cambios de decisión del Ayuntamiento de Madrid respecto a ese importante enclave situado en pleno centro de la capital. A consecuencia, el tamaño disponible del solar que acogería las torres se redujo considerablemente y tampoco se demolió un edificio colindante. El resultado fue un solar irregular e incoherente de 1.710 m2 en el que el consistorio estableció inicialmente la construcción de una «unidad arquitectónica de marcada verticalidad», que serviría para compensar las expropiaciones efectuadas y equilibraría visualmente el paisaje urbano de la zona. Lamela y su equipo comprendieron que la construcción de una sola torre según las restricciones de volumen construible que imponían las ordenanzas resultaría en una pésima decisión a nivel urbano, ya que habría obligado a la construcción de un cuerpo de tamaño descomunal. Propusieron para ello desdoblarlo en dos torres de menor altura, una decisión que el Ayuntamiento acabó aceptando tras largas discusiones. Fueron el primer edificio del mundo que se edificó de arriba abajo. La casa, por el tejado Las Torres estaban inicialmente destinadas a uso residencial (fue cambiado para acoger oficinas) y usos comerciales en las plantas bajas. El análisis para adaptar este programa a las peculiaridades del solar puso de manifiesto la imposibilidad de recurrir a estructuras convencionales. Cada parte de los edificios precisaba de unas soluciones estructurales específicas, incompatibles con las de las otras. Este problema fue el que condujo a la búsqueda de esa solución constructiva hasta entonces inédita, y que permitió plantear una doble estructura que independizaba las dos partes, de manera que el conjunto final quedó formado por tres edificios casi independientes: un basamento y las dos torres con 20 plantas de altura. Los edificios emergieron en el paisaje de Madrid como «dos esbeltísimos espigones de hormigón», según los describió la revista del Colegio de Aparejadores en 1973, sobre los que aparecieron unas plataformas cuadradas. Impedimentos administrativos hicieron que la construcción quedase detenida en esta fase varios años. La Historia de las Torres Colón ha sido azarosa. La construcción sufrió una serie de paralizaciones y problemas burocráticos (se llegó a ordenar su demolición parcial). Fueron remodeladas en 1989 por Estudio Lamela que, por exigencias urbanísticas, diseñó una nueva piel exterior bajo la que se encuentra intacto el proyecto original, para poder restituirles en cualquier momento su imagen. Dice Carlos Lamela: «Mi padre siempre había estado obsesionado con la idea de que los edificios no tocaran el suelo. Que flotasen, que el contacto con el terreno fuese el mínimo posible». La perseverante obstinación en esa idea, casi desafiante, hizo posible la materialización de las dos torres, poniendo sus cimientos en el aire. Antonio Lamela Torres Colón: 50 años del inicio de su construcción. Centro Cultural de la Villa. Madrid. Plaza de Colón, 4. Hasta el 21 de julio.




Este es el posicionamiento del PSOE, PP, Vox y Podemos sobre los toros

Thu, 25 Apr 2019 01:25:01 +0200

El Partido Popular, el Partido Socialista Obrero Español, Unidas Podemos y VOX han respondido al posicionamiento demandado por la Unión de Criadores de Toros de Lidia el pasado día 9 de abril respecto a la ganadería de bravo en España y en Europa con objeto de informar a sus asociados antes de las elecciones del próximo 28 de abril. Según informa la UCTL, «desde el grupo Ciudadanos han rehusado a facilitarnos una respuesta previa a las elecciones a pesar de insistir en que nos proporcionasen una posición respecto a un sector agropecuario de especial relevancia». La Unión de Criadores envió a los cinco candidatos a la presidencia de Gobierno de España las medidas para el respeto a la cultura, la historia y la tradición del toro bravo, en torno a cinco ejes: protección; Europa; bienestar animal; economía; y promoción y concienciación medioambiental. Cuatro de los cinco partidos han expresado por escrito su posición respecto a la defensa de la ganadería de bravo. Esta es la respuesta de los distintos partidos a la Unión de Criadores: PARTIDO POPULAR Para el Partido Popular el toro de lidia es un elemento fundamental de la fiesta nacional que nuestro partido siempre ha reconocido, protegido y respaldado. De hecho, fue el PP quien aprobó el Plan Pentauro para promover todos los valores que fomenta la fiesta nacional. Para nosotros, el toro de lidia es un elemento esencial en el patrimonio natural y cultural de nuestra Nación. Y un símbolo de nuestras tradiciones que siempre nos hemos comprometido a cuidar y preservar. Es, además, un modo de vida que da trabajo a cientos de miles de familias que debemos ayudar y fomentar. El PP va a seguir colaborando, como siempre ha hecho, para proteger los intereses y necesidades de todas las familias que dependen del toro de lidia. El PP ha hecho del mundo rural una de sus prioridades y en ello está nuestro compromiso, un sector en el que el toro de lidia es uno de sus elementos relevantes. Confío en tener en breve una reunión con sus representantes para avanzar en la promoción y defensa del toro de lidia. VOX Confirmamos el apoyo de Vox a las medidas propuestas en el documento para el respeto a la cultura, historia y tradición del toro bravo. PARTIDO SOCIALISTA En su programa para las elecciones generales de este 28 de abril, el PSOE propone «favorecer la consolidación de las actividades agrícolas, ganaderas, forestales, cinegéticas y pesqueras, garantizando la plena incorporación de la mujer, que cumplan los requisitos ambientales para acceder al máximo volumen de ayudas europeas, para lo que se priorizará la innovación y la digitalización». Asimismo, el PSOE se compromete a impulsar la aprobación de un Plan Estratégico Nacional de Agricultura, en el próximo marco financiero 2021-2027, en colaboración con las CCAA, los agentes sociales y las organizaciones no gubernamentales: Que defienda que la Política Agraria Común (PAC) conserve sus presupuestos actuales, de manera que agricultores y ganaderos puedan afrontar los nuevos retos relacionados con la preservación de la biodiversidad y el cambio climático, sin menoscabo de la rentabilidad de sus explotaciones. Que apoye especialmente a los pequeños y medianos agricultores, ganaderos y silvicultores en la transición hacia un modelo sostenible e innovador, teniendo en cuenta el enfoque de los ecoesquemas propuesto por la Comisión Europea, y potenciando la formación. PODEMOS 1. La Dehesa como sistema de producción agrosilvopastoril debería tener una consideración especial dentro de la PAC. Los sistemas agrosilvopastoriles son de enorme valor ambiental, económico y social y representan modelos de gestión del patrimonio natural y cultural que requieren especial apoyo. Nuestro grupo parlamentario siempre ha sido partidario de incorporarlos de manera específica dentro de la PAC. Esto implica una propuesta que va mucho más allá de considerarlo como un cultivo permanente. La sostenibilidad de la dehesa depende de numerosos factores, pero fundamentalmente, de que las actividades ganaderas, agrícolas y forestales sean viables. 2. Las razas autóctonas deben ser protegidas y apoyadas en coherencia con las normas internacionales y comunitarias. En este sentido, la raza toro de lidia, igual que el resto de razas autóctonas reconocidas por el Ministerio de Agricultura y por la propia Unión Europea deben contar con los apoyos necesarios para su cría, reproducción, gestión, y conservación con todas las garantías de perpetuidad. 3. Sin embargo, consideramos que la tauromaquia como actividad no debe ser apoyada con dinero público. Ni a través de las ayudas directas del I Pilar de la PAC, ni a través de otro tipo de incentivos fiscales, ni subvenciones.




¿Quieres saber cómo es un libro escrito solo con emoticonos?

Thu, 25 Apr 2019 01:24:00 +0200

El artista chino Xu Bing ha presentado este miércoles en el Centro del Carmen de Valencia, y por primera vez en España, su libro escrito únicamente con emoticonos, «Book from the Ground», que reflexiona sobre la capacidad de crear un lenguaje universal a través de símbolos gráficos. La voluntad de Xu Bing con este libro, que únicamente se había editado hasta ahora en Estados Unidos, es que cualquier persona de cualquier parte del mundo sea capaz de entender la historia sin necesidad de un conocimiento idiomático previo, de manera que sea universalmente compartido. La presentación del libro, recién editado por el Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana, ha tenido lugar con motivo de la exposición «Art for the People» que se puede visitar desde el pasado 15 de febrero hasta el 5 de mayo en el claustro, en una muestra retrospectiva de la que explora las posibilidades del lenguaje. Esta preocupación por el lenguaje, transversal en la obra de Xu Bing, procede de la infancia del artista: cuando tenía 11 años, estalló en China la Revolución Cultural y tuvo que aprender los nuevos caracteres en su forma simplificada. «Xu Bing ha desarrollado un trabajo artístico centrado en la grafía y las posibilidades del lenguaje, donde los emoticonos forman parte de la comunicación global y crean un nuevo esperanto», ha destacado José Luis Pérez Pont, el director del Centro del Carmen. «Es el primer libro que todo el mundo puede leer, ya que no necesita traducción», ha señalado Xu Bing, que ha añadido que actualmente, con la utilización de un sistema de signos muy sencillo, los usuarios, y especialmente la gente joven, goza de la capacidad «de comunicar a nivel internacional». «La idea del libro empezó hace trece años, cuando tenía exposiciones por todo el mundo y pasaba mucho tiempo en los aeropuertos», ha explicado Xu Bing, que no pudo evitar fijarse en que, en un enclave donde confluyen personas de todas las nacionalidades, los iconos eran entendidos de manera universal. El libro -que puede adquirirse a través de los puntos de venta habituales del Consorcio de Museos- se compone de veinticuatro capítulos narrados a través de iconos visuales que muestran la vida en el día de una persona: desde que se levanta hasta que acude a su puesto se trabajo, sale con sus amigos y se acuesta. «Book from the Ground» es, además, un continuación de su trabajo «Book from the Sky», un libro con caracteres chinos ilegibles que nadie podía leer, mediante un lenguaje inventado por el propio artista. En la exposición, ubicada en la sala Ferreres-Goerlich, también se recupera una banderola que el MOMA de Nueva York encargó al artista en 1999, en que se puede leer «Art for the People» con los caracteres ingleses agrupados de manera que simule la escritura china. Con esta misma técnica caligráfica, el artista ha versionado el poema «El bon poble» de Ausiàs March, en una obra inspirada en la cultura valenciana. Entre otras distinciones, Xu Bing ha recibido la Medalla de las Artes del Departamento de Estado de Estados Unidos y ha sido vicepresidente de la Academia Central de Bellas Artes en Pekín.




Santiago Cantera desentraña el origen visigodo de España

Thu, 25 Apr 2019 01:23:45 +0200

Para una buena parte de los hispanistas el origen de España se remonta a los Reyes Católicos; aquellos del «tanto monta» y del «monta tanto». Esta es la teoría más popular y la más extendida entre la opinión pública. Sin embargo, no es la que enarbola el medievalista, doctor en Historia por la UCM y prior del Valle de los Caídos, Santiago Cantera. Él, como otros tantos expertos galos y algunos precursores de este país, es partidario de que el concepto nació mucho antes. Más concretamente, allá por el siglo VI, cuando la Península se regía en buena parte desde el reino visigodo de Toledo y la conversión al catolicismo del rey Recaredo permitió que (poco a poco) los nuevos habitantes de la región se fusionaran con los hispanorromanos. «San Isidoro ya reflejó esa idea del matrimonio del pueblo godo con el pasado romano», afirma a ABC el también autor de «Hispania-Spania» (Actas, 2014). Esta visión (igual de llamativa que de documentada) sobre la forja de nuestro país es la que explicará Cantera este jueves, a las 19.30 horas, en la conferencia «Hispania-Spania: el nacimiento de España» (organizada por el Aula de Cultura de ABC y que tendrá lugar en el Aula Magna de la Universidad CEU San Pablo de Madrid). Según detalla el experto, aunque en tiempos recientes se ha considerado que de España no se podía hablar «hasta la llegada del siglo XIII o incluso hasta 1812, con la Guerra de la Independencia», la realidad es que su concepto (no solo geográfico, sino también político) data de mucho antes y pervivió durante la misma Reconquista. «Un ejemplo es que los Reyes Católicos se tuvieron a sí mismos como restauradores de la monarquía visigótica y de la unidad existente bajo el reino de Toledo», añade. Cantera construye el alumbramiento de España en el siglo VI sobre tres pilares fundamentales. El primero es el asentamiento de los visigodos en la Península tras derrotar (entre otros) a los suevos o a los vascones y aprovechar la decadencia del Imperio Bizantino. En segundo término, es partidario de que «el reino de Toledo logró unir bajo una misma corona todo ese territorio». El último elemento que ayudó a vertebrar la sociedad fue, en su opinión, la religión. «El espíritu de unidad lo dio el cristianismo católico, asumido en el año 589 por Recaredo durante el III Concilio de Toledo», explica el doctor en Historia. Hasta entonces, el monarca había sido seguidor del arrianismo, lo que impedía, en cierta forma, la fusión con la vieja Hispania prerromana. Sin embargo, ese gesto favoreció que nuestro país se convirtiera, a la postre, en «una de las naciones más antiguas».




Navarro-Valls, el español que revolucionó el Vaticano

Thu, 25 Apr 2019 01:23:26 +0200

Joaquín Navarro-Valls escribió su nombre en la historia cuando, en 1984, se convirtió en el primer portavoz no italiano de la Santa Sede, un cargo que ocupó hasta 2006, tocando los pontificados de Juan Pablo II y Benedicto XVI, con los que tuvo «línea directa». Ahora, casi dos años después de su muerte, un libro recupera su figura, la de un español universal que también brilló como corresponsal de ABC en Italia y Medio Oriente. «Navarro-Valls, el portavoz» (Rialp), que reúne veinte testimonios de sus amigos, se presentó ayer en la Real Academia de Jurisprudencia y Legislación, en un acto en el que participaron Manuel Pizarro, presidente de la Academia; Bieito Rubido, director de ABC; Cristina López Schlichting, directora del programa Fin de semana en la cadena COPE, y Rafael Navarro-Valls, vicepresidente de la Academia, hermano de nuestro protagonista y coordinador del libro. El director de ABC comenzó recordando cómo, en 1977, el director de ABC por aquel entonces, Guillermo Luca de Tena, «se dio cuenta de que aquel médico, aquel psiquiatra, también tenía madera de gran corresponsal». En ese puesto no tardó en darse a conocer como gran profesional. De hecho, en 1983 lo nombraron presidente de la Asociación de la Prensa Extranjera en Italia. Casi nada. «Hubiera seguido muchos años en ese cargo de no ser porque un buen día Juan Pablo II lo llamó para pedirle sugerencias de mejora en la comunicación del Vaticano», recordó. «Pensé que iba a ser solo una hora, pero fueron 22 años en el Vaticano», le contaría el propio Navarro-Valls a Juan Vicente Boo en una entrevista de 2011 publicada en ABC, que se recoge al final del libro. Personaje histórico Durante su trabajo como portavoz, según apuntó Bieito Rubido, Navarro-Valls colaboró en hitos de la historia reciente, como la visita de Juan Pablo II a Cuba en 1988 o, algo antes, la que Mijaíl Gorbachov hizo al Vaticano, la primera de un mandatario de la Unión Soviética allí. «Se convirtió en mucho más que un portavoz. Fue diplomático, consejero y amigo personal de un Papa tan gigante, de un Papa santo», subrayó. Por su parte, López Schlichting dedicó su tiempo a ensalzar la figura de Navarro-Valls como un gran comunicador, que con Juan Pablo II revolucionó la forma en la que se conectaba la Iglesia con el mundo. Además, incidió en que siempre se mostró como un «varón normal». «Esta característica a veces está ausente en la Iglesia. Los jóvenes entonces notábamos que un señor normal estaba al lado del Santo Padre. Desde el punto de vista visual, era una novedad. Era un gran cristiano y un hombre de una fe profunda», afirmó, antes de decir, entre risas, que también era un «dandi». Y tanto. Rafael Navarro-Valls trufó su intervención de anécdotas. La más memorable: el día que su hermano le salvó la vida en una jornada de pesca submarina, cuando lo liberó de los tentáculos de un pulpo inmenso. Fue una de las tantas aventuras de un hombre que lo fue todo y que supo de todo, y que se marchó de este mundo por culpa de un cáncer agresivo. Cuentan que lo hizo sin hacer ruido, y que su habitación se convirtió en una especie de velatorio que nadie se perdió.




El maestro de todos

Thu, 25 Apr 2019 01:20:39 +0200

Peter Brook es un nombre incontestable no solo del teatro europeo, sino mundial. Es el gran maestro que queda vivo, y del cual hemos aprendido todos. Su libro «El espacio vacío» (Península) fue un paradigma para nosotros, algo así como la biblia del teatro. Se alejó de cualquier convencionalismo, pero partiendo de una gran formación. Es hijo de judíos rusos, tiene su origen allí en el este, donde el teatro es casi una religión. Y a eso le añade la tradición inglesa, país en el que nació. Es un ADN inmejorable. Y lo ha llevado hasta las últimas consecuencias. Es el gran creador, el gran maestro. Quizás por eso no se puede hablar de un Peter Brook único. Fue durante un tiempo el gran director de «El Rey Lear» y de «Antonio y Cleopatra», pero de eso hace muchos años. Después hizo un «Medida por medida» extraordinario, y una versión corta y reducida de «Hamlet». Pero luego se ha dedicado a cosas muy distintas... Si tuviera que escoger un espectáculo, uno solo entre todos, sería la «La conferencia de los pájaros», del persa Farid Al-Din Attar (siglo XII). Es el espectáculo del cual nacerá el «Mahabharata» que todos recordamos. Es importante que estos premios se acuerden de que el teatro es una de las bellas artes. En 2016 reconocieron a Núria Espert, y me parece muy bien. El teatro es el arte del humanismo. Es la literatura, la imaginación, los sueños, todo ello encarnado en personas, no en tipografía o en celuloide. Ese encuentro diario con las personas es lo que lo hace grande en términos humanísticos.




Peter Brook: la búsqueda de la sencillez

Thu, 25 Apr 2019 01:20:00 +0200

Decía Juan Goytisolo que la cultura del siglo XXI, como las ciudades del siglo XXI, debe ser esencialmente mestizas, abiertas a las distintas sensibilidades, plurales en cuanto a sus concepciones de la realidad. Estas ideas las ha tenido siempre presente Peter Brook. Brook abrió el teatro al mundo como quien abre una ventana en una habitación demasiado claustrofóbica. Abrir ventanas significó no solo despreciar y combatir un teatro demasiado aburguesado, sino también dejarse seducir por las concepciones que otras culturas han tenido sobre el hecho teatral. Este judío, hijo de emigrantes rusos establecidos en Inglaterra, nacido en 1925, va a coger el teatro de su tiempo y lo va a cambiar para siempre. Ya desde el principio, desde que en 1943 dirigió el «Doctor Fausto» para el Torch Theatre de Londres o desde que Barry Jackson encargara a esa joven promesa «Trabajos de amor perdido». A partir de ahí el cometa Brook no ha dejado de orbitar por el universo de la escena mundial como el más luminoso, lúcido y controvertido de los demiurgos escénicos, algo que ha sabido valorar el jurado de los premios Princesa de Asturias , que fijan su mirada en el arte teatral como uno de los valores esenciales para comprender el imaginario de nuestro tiempo. Si el año pasado David Mamet no pudo ser, este año Peter Brook viene a decirnos hasta qué punto su figura es indiscutible como renovador y pensador de la escena. Director ya en 1947 de la Royal Opera House, su paso por la Royal Shakespeare Company indica hasta qué punto va a encontrar en Shakespeare el paradigma de autor de teatro total tanto por la profundidad de su visión del mundo como por la profundidad abismática del significado mismo del teatro. La idea que Brook tiene del espectáculo teatral es la de una enorme apertura. Con Artaud rechaza el modo convencional, superficial del teatro, amparándose en el sufismo, en Gurdjieff hace que todo lo puesto en escena sea una aventura espiritual, es decir, una aventura de las potencias mentales del ser humano. Para Brook lo mental y lo corporal son una misma cosa por eso su acercamiento a lo ritual, lo performativo, al gesto como expresión de nuestras interioridades. Sometió el arte teatral de su tiempo a un proceso de depuración. Acudió a la sencillez como arma contra los estereotipos tradicionalistas de la grandilocuencia, a lo esencial y mínimo para llevar la vida a la escena. Para él todos los elementos teatrales son un hálito, una respiración, un alma, en el escenario nada hay decorativo sino más bien una forma imaginaria de hacer comprensible el mundo. Con Brook el teatro llega a una sencillez perturbadora, a una ascesis que aspira a crear belleza impactando en el espectador. Sus grandes producciones son templos donde la imaginación es subversiva. Ahí están «Marat/Sade» (1964) o «Mahabharata» (1985). Brook además supo darle una dimensión moderna a la figura del director, le concedió la mayoría de edad, es decir, hizo de él un creador, un investigador y un pensador de las formas y de las imágenes. Y supo, por supuesto, revolucionar el concepto de compañía teatral al uso para crear centros de investigación que son emblemas, lugares de peregrinación como el ICTR de París, un lugar donde buscar nuevas dimensiones, nuevos ámbitos para la voz dramatúrgica de nuestro tiempo. Lo mismo que los grandes mitos de los 60, Brook hizo de lo revolucionario su máscara y su piel. Su manual de la revolución lleva por título «El espacio vacío» (Península); su manual de vida, «Hilos de tiempo» ( Siruela). Siempre ha sabido que toda su obra tanto en el teatro como en el cine es acaso una aspiración a plantearnos preguntas que se resumen en una: ¿con qué imágenes podemos rescatar la belleza? Ha realizado una apuesta tremendamente valiosa para este siglo XXI que se fundamenta en el diálogo de las culturas, las espiritualidades, las grandes construcciones mentales. Y lo ha hecho desde la sencillez, desde la depuración, pero también desde el riesgo. Él escribió: «Un hombre camina por un espacio vacío mientras otro le observa, esto es todo lo que alguien necesita para construir una obra de teatro».




Peter Brook: «No me considero un logro, soy sólo un instrumento para aportar a la gente algo útil y bueno»

Thu, 25 Apr 2019 01:16:25 +0200

La vida es puro teatro, y de eso sabe bastante Peter Brook (Chiswick, Londres, 1925). El británico, uno de los grandes de la dramaturgia del siglo XX, fue ayer reconocido con el premio Princesa de Asturias de las Artes 2019. Sucede en el palmarés del galardón al cineasta Martin Scorsese. El jurado, presidido por Miguel Zugaza, director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, y del que formaban parte, entre otros, Catalina Luca de Tena, presidenta-editora de ABC, el actor y dramaturgo José María Pou o el compositor y músico José María Cano, considera a Brook un «maestro de generaciones» y «el mejor director teatral del siglo XX». En el acta del fallo, hecho público ayer en Oviedo, se destaca, también, que el británico abrió «nuevos horizontes a la dramaturgia contemporánea, al contribuir de manera decisiva al intercambio de conocimientos entre culturas tan distintas como las de Europa, África y Asia», así como la pureza de sus puestas en escena, «fiel a su concepto de espacio vacío». Brook, que recibió la noticia en Suiza, donde a sus 94 años está terminando su último proyecto teatral, titulado «Why», confesó poco después a ABC estar «muy contento» con el galardón, que considera «un gran placer». ¿Qué significa este premio para usted, señor Brook? Lo que significa para mí es que mi trabajo, lo que es mi trabajo, es el resultado de muchísimas personas. No hago nada solo. Lo hago todo con otras personas. En primer lugar, mis colaboradores más cercanos, aquellos con los que escribo, como el importante trabajo que hice con Jean-Claude Carrière, al que usted conoce bien. Todo lo que he hecho lo he hecho con alguien. Hoy con mi colaboradora más cercana, Marie-Hélène Estienne, que trabaja en todo y a quien debo mucho del «Mahabharata». Para mí, compartir no es suficiente. La única razón por la que trabajamos es para aportar algo que sea útil para otras personas. La relación con el público no es secundaria. No haces algo y luego lo vendes. No. No creamos. Solo hay un creador en el Universo. Y a través de ese creador algo cobra vida y algunas de esas cosas nos aportan el coraje suficiente para vivir en un mundo difícil para la humanidad. Muy modestamente, tratamos de hacer algo para que cien personas por la noche, quinientas personas, máximo mil personas puedan compartir la misma experiencia, y nuestro trabajo consiste en hacerlo lo más vívido posible. Ese es nuestro trabajo. Después de una vida dedicada al teatro, ¿qué significa para usted? ¿Qué es lo que le aporta la dramaturgia? Yo no me importo en absoluto. Lo único que me interesa es ser el instrumento. Piense, por ejemplo, en el concepto de la gran música, con un gran músico, con un gran intérprete, con un gran director de orquesta… A todos ellos les preguntas y dicen: «Dios, hemos conseguido ser el instrumento». Nuestro trabajo es ser un instrumento, ser capaces de aportar un momento de luz y alegría en un mundo infeliz como el nuestro. Eso es. Les digo a los jóvenes, cuando salen de la escuela de interpretación y dicen que ahora van a ser creadores, que esa es una blasfemia peligrosa: «No sois creadores, sois instrumentos». Y todos somos instrumentos. Usted, en este momento, no puedo verla, ojalá pudiese, pero puedo sentir que usted quiere escribir algo que espera que sea útil para la gente que lo lea. No escribe sólo para usted y las preguntas no son sólo para mí. Intentamos hacer eso a través del estímulo de este hermoso premio. ¿Por qué se ha entregado este premio? Porque es algo que puede ser alentador. Todos necesitamos un aliento continuo. El aliento significa coraje, más coraje. ¿Cuál es el logro más importante en su carrera, de lo que se siente más orgulloso? No estoy orgulloso de mí, de mi carrera. ¿De verdad? Sí. Lo siento, pero es una pregunta imposible. No me considero un logro. Creo que sólo soy un instrumento de una orquesta. He tenido la enorme suerte de estar con muchas personas a las que estoy muy agradecido porque me han permitido ser a veces un instrumento bueno y útil. En ese caso, ¿quién es el autor más importante de su carrera? ¿Shakespeare, quizás? Shakespeare es el mayor fenómeno del mundo del teatro. Beckett es un buen escritor, pero no podría decir eso de «soy el nuevo Shakespeare». La estupidez sobre Shakespeare es que la gente sólo quiere saber quién era, dónde nació, qué tomaba para desayunar. No nos importa eso. Es lo que podríamos definir como un genio, y un genio significa que es único, no puedes explicar por qué. Vas al Prado, miras los cuadros que hay en las paredes e intentas explicarlo, pero ese es un gran error. Shakespeare tenía un talento especial, como Picasso, como Goya. Pero son instrumentos de algo que está por encima de nosotros. En la historia de la humanidad, hay un creador y una creación. Todos somos instrumentos de esa creación que es interminable. Cada día es un día de resurrección. Hablando de los días que nos ocupan, me gustaría saber qué piensa del momento político que vive su país. Hablo, por supuesto, del Brexit. Creo que en la historia de la política a veces hay decisiones que son sabias y a veces hay decisiones que son estúpidas, y considero, como inglés, sin ninguna duda, que el Brexit es la decisión política más estúpida de nuestra época. Y nadie lo duda. Los ingleses anticuados dicen: «Miren, somos una isla y no nos importa el resto del mundo. Los alemanes vinieron y les derrotamos. Resistimos solos, incluso durante la guerra». Pero hoy en día es criminal. No tengo miedo de decir que, para mí, los ingleses anticuados que apoyan el Brexit son estúpidos, están ciegos y tienen creencias anticuadas. ¿Y qué hay del resto de Europa? ¿El arte puede ayudar a derrotar al extremismo? Tenemos que hacer todo lo que podamos. No puedes predecir el futuro. Si le pregunto el futuro de España e intenta responder, no puede. Solo puede decir que intentaremos hacer lo máximo posible. Ser lo más abiertos que podamos, lo más compasivos que podamos y proporcionar ayuda. Es un gran trabajo para la humanidad, intentar ayudar. La idea primigenia de estar en una comunidad era ayudarnos los unos a los otros. Para terminar, ¿qué le gustaría hacer en los años que le quedan por vivir? Tengo varios proyectos conocidos, y uno de ellos es la obra que estoy montando con mi colaboradora, titulada «Why» (¿Por qué?). Consiste en hacer todas las preguntas que usted me está haciendo ahora. No podemos dar buenas respuestas, de ahí la importancia de decir por qué. Hay un Brexit: ¿por qué? En España, no conozco la situación política española, pero hay muchas cosas que todo el mundo piensa que son buenas y otras personas piensan que no son tan buenas. Para todo el mundo la pregunta es: ¿por qué?, ¿por qué hacer esto y por qué hacer eso?, ¿por qué?




El PP, único partido que no advierte la necesidad de un Ministerio de Cultura

Wed, 24 Apr 2019 21:01:59 +0200

Pese a que la Cultura ha estado ausente en los dos debates electorales televisados, representantes de Unidas Podemos, PP, PSOE y Ciudadanos han coincidido este miércoles en seguir desarrollando el Estatuto del Artista o crear un pacto de Estado por la Cultura. En un acto organizado por la Asociación para el Desarrollo de la Propiedad Intelectual (ADEPI) en el Cine Doré de Madrid, los asistentes han aplaudido las palabras de la portavoz de Cultura de Ciudadanos, Marta Rivera de la Cruz: «La cultura es también política, pero un poco menos». «Hemos arreglado entre todos cosas que estaban mal y esto nos permite mirar al futuro, ya no hay que estar apuntalando la casa sino construir», ha dicho De la Cruz en referencia al trabajo realizado por la Comisión de Cultura del Congreso en esta legislatura, al tiempo que se ha comprometido a incluir la cultura en «cualquier negociación de Gobierno». Tras detallar algunos puntos de su programa electoral, como la elaboración de una Ley de Mecenazgo, un Centro Nacional de Fotografía y otro de Danza, la portavoz de Ciudadanos ha pasado la palabra a Mariano Muniesa, de Unidas Podemos, quien ha destacado que uno de los ejes básicos de su política cultural es «recuperar el valor social de la Cultura». Aunque Muniesa ha criticado que «ni la izquierda ni la derecha» le han «prestado atención» a este sector. Para Ibán García del Blanco, secretario federal de Cultura de los socialistas, la Cultura es derecho reconocido en el artículo 44 de la Constitución. Derechos de autor Según el representante socialista, aunque no ha sido confirmado por el Gobierno, este viernes se aprobará en el Consejo de Ministros un decreto ley por el que se hará compatible el cobro de la jubilación de los creadores con el cobro de sus derechos de autor. «No nos podemos permitir el lujo de perder el talento de la experiencia», ha matizado sobre este asunto la portavoz de Ciudadanos, quien ha recordado también, respecto a la elaboración de una Ley de Mecenazgo, que se deben aumentar los beneficios fiscales, las ayudas y dar «entrada plena al sector privado en el público, pero no para sustituir». Por su parte, el consejero de Cultura y Deporte, Jaime de los Santos, en nombre del PP, ha reivindicado la Cultura como «algo central», ha sido el único que no ha manifestado la necesidad de que exista un Ministerio de Cultura único y se ha unido al llamamiento común de crear un pacto de Estado por la Cultura que tenga «consensos prioritarios». Otro de los asuntos en los que han coincidido los cuatro representantes es la necesidad de crear una fiscalía contra la piratería, así como bajar el IVA de los productos culturales al tipo «súper reducido». Y también han defendido el poner solución a la situación que se vive en la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), que está a la espera de la decisión de la Audiencia Nacional sobre si se lleva a cabo la intervención judicial solicitada por el Ministerio de Cultura.




El efecto José Tomás agota los abonos de la Feria del Corpus de Granada

Wed, 24 Apr 2019 19:18:58 +0200

La empresa Lances de Futuro ha anunciado este miércoles que ha colocado el cartel de «No hay abonos» para la Feria del Corpus de Granada 2019. El efecto José Tomás y una feria con carteles interesantes y rematados ha provocado que se hayan agotado los 12.500 abonos que han salido a la venta para esta feria. La Feria del Corpus está marcada por la vuelta de José Tomás [así fue su tarde del pasasdo año en Algeciras] al coso granadino que hará el paseíllo el sábado, 22 de junio, donde lidiará cuatro toros con los hierros de Núñez del Cuvillo, El Pilar, Garcigrande y Domingo Hernández. Compartirá cartel con el rejoneador Sergio Galán, que matará dos toros de Pallarés. El ciclo granadino arranca el jueves 20 de junio con una corrida de Núñez de Tarifa y la presencia de José Garrido, Joaquín Galdós y Pablo Aguado. El viernes 21 harán el paseíllo Morante de la Pueblo, El Juli y El Fandi con toros de García Jiménez/Olga Jiménez y Peña de Francia. La feria se cierra con una novillada con picadores del domingo 23 de junio en la que intervendrán Aquilino Girón, Borja Collado y Miguel Aguilar con un encierro de El Torreón.




El Wanda Metropolitano acogerá un gran Concierto por la Paz el 30 de junio

Wed, 24 Apr 2019 16:43:37 +0200

El próximo domingo 30 de junio tendrá lugar en el Wanda Metropolitano de Madrid el Concierto por la Paz, promovido por la Fundación Starlite. Esta iniciativa solidaria que contará con voces reconocidas internacionalmente y cuyos embajadores son Sebastián Yatra, Carlos Rivera y Miguel Poveda, tiene el objetivo de recaudar fondos para la Fundación Scholas Occurrentes. Esta gran iniciativa fue presentada en un encuentro entre Su Santidad el Papa Francisco con los artistas embajadores del Concierto por la Paz junto a Jose María del Corral y Enrique Palmeiro, presidente y director mundial de Scholas Occurrentes y Sandra García-Sanjuán, presidenta de la Fundación Starlite. A este acto también acudieron Carlos Latre, quien será el presentador del Concierto por la Paz el próximo 30 de junio, Nieves Álvarez que se encargó de moderar el encuentro en Roma y el artista Domingo Zapata quien creará en directo y sobre el escenario un mural conmemorativo que será intervenido por todos los artistas participantes. El concierto contará con las actuaciones de Luis Fonsi, Miguel Poveda, Sara Baras, Ainhoa Arteta, Diego Torres, Rosana, Juan Magán, Marta Sánchez, Antonio José, Aitana, Sebastián Yatra, Ana Guerra, Carlos Rivera, Miriam Rodríguez y muchos más que se irán anunciando a medida que se acerque la fecha. Además, el artista Domingo Zapata será el responsable de crear una live art performance sobre el escenario del Wanda, con un mural conmemorativo que será intervenido por todos los artistas participantes del Concierto por la Paz. La fundación Scholas Occurrentes, creada y promovida por Su Santidad el Papa Francisco, es una fundación laica que tiene como misión generar un cambio paradigmático en la educación a través de la integración de todas las comunidades, independientemente de su cultura, creencia o religión, apoyándose en el arte, el deporte y la música, idiomas universales, para poder recuperar así el pacto educativo para hacer realidad una sociedad integrada y en Paz. Es una organización Internacional de Derecho Pontificio presente en 190 países de los cinco continentes y que a través de su red integra a 500 mil escuelas y redes educativas. El proyecto cuenta con la colaboración de la Fundación Starlite, el proyecto social de Starlite, plataforma filantrópica internacional cuyo objetivo es mejorar la educación y las condiciones de vida de comunidades, familias y niños sin recursos. Es un proyecto muy ligado a la música y respaldado por artistas que apoyan proyectos sociales, aprovechando su fama, influencia y poder mediático para ayudar activamente a los que más lo necesitan. Ambas fundaciones han firmado un convenio de colaboración para desarrollar este proyecto mundial que promueve la Fundación Starlite y produce Origen World Wide y Avory como organizadores y promotores del Concierto por La Paz. El objetivo es dar a conocer la misión y valores de Scholas y contribuir a la inclusión e integración de los niños y jóvenes del mundo a través del respeto, la convivencia y la tolerancia. Entradas ya a la venta en www.conciertoporlapaz.com




Manuel Carrasco cuelga el cartel de «no hay entradas» en el Wanda y lo celebra tocando en su parking

Wed, 24 Apr 2019 16:29:55 +0200

Manuel Carrasco acaba de colgar el cartel de «no hay entradas» para el concierto que ofrecerá en el estadio Wanda Metropolitano de Madrid el próximo 29 de junio, y que le ha convertido en el primer artista español en confirmar un show en este recinto. Esta actuación formará parte de «La cruz del mapa», la próxima gira de Manuel Carrasco, encargada de cerrar uno de los momentos más importantes de su carrera, marcado por el lanzamiento de su octavo disco, con el que ha conseguido un éxito sin precedentes. «No es el único concierto, pero será un concierto único». Así definía Manuel Carrasco su directo en el Wanda Metropolitano cuando fue anunciado. Hoy el sueño del cantante se ha hecho realidad, y por eso el artista lo ha celebrado tocando una canción en su parking para difundir el vídeo en redes sociales. Los sueños se cumplen... Habéis llenado el @Metropolitano GRACIAS MADRID! 🙏🏻 #giralacruzdelmapa #soldout #entradasagotadas #medijerondepequeño #madrid pic.twitter.com/SA7Wc5FzlD— Manuel Carrasco (@manuelcarrasco_) 24 de abril de 2019«La cruz del mapa» tendrá también otras paradas especiales, entre las que destaca la del Estadio Benito Villamarín, donde los 45.000 tickets se agotaron en 4 horas. También mágica será su llegada al Estadio Iberoamericano de Huelva, que añadió una segunda fecha en menos de 8 horas. Con este tour, el más ambicioso de su trayectoria, Manuel Carrasco visitará más de 30 ciudades, haciendo doblete en alguna de ellas, e incluirá además actuaciones en varios festivales. Arrancando el 4 de mayo en Valladolid y finalizando el 19 de octubre en Tenerife,«La cruz del mapa» reunirá en total más de 250.000 personas. Manuel Carrasco está preparando con sumo detalle esta vuelta a la carretera y por eso su gira contará con una puesta en escena muy cuidada, que sorprenderá por su tecnología audiovisual, y en la que también estará presente el sello tan característico del artista. Más de 25 técnicos se encargarán del montaje y desmontaje de la escenografía, que se transportará en 5 trailers. Sobre el escenario, acompañarán al artista seis músicos: David Carrasco Soriano (teclado, saxofón y dirección musical), Roberto Sánchez Lavella (guitarra), Javier Lozano Sánchez (teclado), Cristian Rodrigo Concha Díaz (batería), François Le Goffic (guitarra) y José Alberto Curioni (bajo). En los conciertos Manuel Carrasco repasará sus grandes temas y presentará su octavo álbum lanzado el pasado 7 de diciembre, que le ha consolidado como uno de los grandes artistas de nuestro país. Este nuevo trabajo ha sido número 1 de la lista oficial de ventas de álbumes en España durante seis semanas consecutivas, es triple disco de platino y se situó como el segundo disco más vendido en 2018 con tan solo 3 semanas de venta. Producido por Pablo Cebrián y grabado en Abbey Road, con los mismos instrumentos que en su momento usaron The Beatles, contiene 14 nuevas canciones, 14 historias contadas desde las entrañas que demuestran su gran calidad como compositor. Este viernes 26 de abril Manuel Carrasco estrenará un nuevo videoclip perteneciente a su nuevo single «Qué bonito es querer», «un canto a la amistad, a las personas que siempre están ahí, nuestros ángeles de la guarda». «La cruz del mapa» ha recogido el relevo de 'Bailar el viento', con el que batió el récord de permanencia en las listas oficiales de álbumes, superando las 150 semanas. Además, fue el músico que más discos vendió en 2016. Pero no fue su único hito. Dentro de la gira ofreció un show épico en La Cartuja de Sevilla ante más de 45.000 fans.




Recuperan en Ucrania un cuadro de Signac robado hace un año en Francia

Wed, 24 Apr 2019 13:35:56 +0200

Las autoridades ucranianas han recuperado en Kiev un cuadro del impresionista francés Paul Signac (1863-1935) que fue robado en 2018 del Museo de Bellas Artes de Nancy (Francia) y está valorado en 1,5 millones de euros. «Próximamente podremos devolver este cuadro al museo», se felicitó el ministro ucraniano del Interior, Arsen Avakov, al presentar ayer este lienzo, «Le Port de La Rochelle», en presencia de la embajadora francesa Isabelle Dumont. Este óleo sobre lienzo que data de 1915 y representa unos barcos a la entrada del puerto de La Rochelle fue robado en Nancy el pasado mayo. Los ladrones cortaron el lienzo y dejaron el marco en el lugar. «Una misión de expertos enviada por la Justicia francesa acaba de confirmar la autenticidad de la obra», precisó el Ayuntamiento de la ciudad de Nancy en un comunicado. Los ladrones, todos ucranianos, han sido detenidos, según ha indicado a la prensa el jefe de Policía, Serguiï Kniazev, precisando que el cuadro fue encontrado en Kiev en el domicilio de un hombre sospechoso del asesinato de un joyero. «Recibimos información sobre un grupo de personas que buscaban compradores de pinturas robadas en Europa el año pasado», ha explicado otro responsable policial, Serguiï Tykhonov. «Se han descubierto varias obras de arte, entre ellas esta pintura, en el marco de una serie de investigaciones». Según Kniazev, las fuerzas del orden ucranianas están colaborando con sus homólogos austriacos para verificar una posible participación de este grupo criminal en el robo en Viena de un cuadro de otro impresionista francés, Auguste Renoir.




Peter Brook: «Seguiré trabajando mientras pueda ser útil»

Wed, 24 Apr 2019 13:01:04 +0200

El dramaturgo británico Peter Brook, galardonado este miércoles con el premio Princesa de Asturias de las Artes 2019, aseguró en declaraciones a EFE estar infinitamente agradecido por este galardón y, a sus 94 años, subrayó que seguirá trabajando «mientras pueda ser útil». «Si no, la vida no tiene interés», apuntó este artista ecléctico, director, escritor y actor, a quien la noticia le sorprendió en Suiza, donde ultima su último proyecto teatral, «Why», un cara a cara entre dos intérpretes que se preguntan por qué han consagrado toda su energía al teatro. La concesión de este XXXIX Princesa de Asturias de las Artes, añade, es «una alegría caída del cielo»: «Gracias, gracias, gracias. Gracias es una palabra bonita», recalcó el londinense, que sostuvo que, si puede, «por supuesto» que acudirá en persona a la ceremonia de entrega en Oviedo. Brook, pionero del teatro experimental británico y una de las figuras teatrales más importantes del pasado siglo por el carácter innovador de sus montajes, se impuso entre otras 39 candidaturas de 17 nacionalidades. Fue director de la Royal Opera House y la Royal Shakespeare Company a mediados del siglo pasado, antes de trasladarse a París y fundar en 1971 un grupo internacional de creación y teatro experimental, el Centro Internacional de Creaciones Teatrales (CICT), del que es director. El teatro, la ópera, el cine y la escritura destacan así en una trayectoria en la que aseguró no hacer distinciones entre los distintos géneros. Lo que le interesa, admitió, es la «exploración de la vida». Las artes, en cualquiera de sus declinaciones, pueden «acercar» y «ayudar a la gente en su vida», concluyó Brook, que estrenará su próximo montaje el 19 de junio en el teatro Bouffes du Nord de París, donde el CICT tiene su sede.




La contagiosa pasión por vivir de Peter Brook

Wed, 24 Apr 2019 11:54:28 +0200

«Hilos de tiempo» (Siruela) es un espléndido libro de la memoria que se abre con una duda y una perplejidad, la de quien se da cuenta de que conforme escribe se le van pasando las ganas de contar la verdad (que es una humorada que deberían tener más en cuenta los memorialistas) porque sabe que las construcciones de la memoria son, como mínimo, representaciones, puestas en escena mejor o peor pergeñadas, en las que el autor intenta sacar el mejor perfil posible, el que más le favorece, y evita los pantanos y los eriales. [Peter Brook, premio Princesa de Asturias de las Artes 2019] Ir al fondo de lo que uno es, penetrar -como dice Peter Brook, flamante premio Princesa de Asturias de las Artes 2019-, en esas zonas de la conciencia que se conocen mal y que son tenebrosas, es por demás dificil, a veces es un viaje baldío, otras un viaje abrumador, destructivo. A todo lo más puede uno seguir algunas guías y eso es lo que hace Brook con el propósito confesado de ser útil a la experiencía de otros, cosa que es en sí misma. «Hilos de tiempo» es un libro de memorias y una autobiografía espiritual, rara al dia de hoy (mejor no olvidar la obra memorialística de Salvador Pániker en España), esto es, escribir de lo que el autor ha buscado, lo que en el fondo es, lo que ha encontrado en el otro lado del espejo famoso, más que lo que ha hecho, más que la mera sucesión de acontecimientos públicos y privados de su vida. Una autobiografia poco o nada previsible, por tanto, como su autor, y un teatro y un viaje, de la memoría ambos, o así es como está planteado. El relato de una pesquisa personal intensa, la de la calidad personal, la de quien o quienes emprenden viajes de verdad interiores. Gente luminosa esta, gente que quema y cuyo trato directo o indirecto resulta turbador. La indiferencia no tiene cabida en ese viaje. Así estas páginas a las que es preciso acercarse con tiempo, en una lectura de ir y volver. Vida inquieta La vida que en las páginas de «Hilos de tiempo» aparece es una vida inquieta, de una envidiable plenitud, la de quien se pregunta mucho por el sentido de las cosas y por el sentido de su lugar en el mundo, en medio de sus semejantes, uno más entre muchos, alguien que escribe de «la incómoda verdad de que tan sólo empezamos a existir cuando servimos a un propósito situado allende nuestros propios gustos y aversiones», alguien apasionado por la verdad que esconde el teatro y por dar con la puería de acceso a esos mundos escondidos que están al otro lado de los decorados, bajo la tierra, debajo de las piedras, como nos cuenta de manera contagiosa, de manera que despierta en el lector lejanos ecos, en unas bellisimas páginas. [Su última entrevista en ABC: «Intento llegar a lo universal a través de lo más sencillo, de lo más humilde»] Peter Brook, nacido inglés de padres rusos, con una vida dedicada obsesivamente al teatro a caballo entre Londres y París y otras muchas ciudades y países (el impagable viaje a Kabul o a India, del que se desgajaría como un fruto maduro su Mahbarata después de haberlo cortejado durante años), hombre nada acomodaticio, escribe sus memorias con humor cierto (el de quien por buscarse mucho se sabe múltiple y siente una instintiva desconfianza hacia las rotundidades del yo soy y demás). Brook hace aparecer un no muy conocido y sorprendente Peter Brook, persona y personaje literario, imaginativo, desmedido, lleno de fuerza, de fantasía, de rara sensatez (la que se da la mano con el disparate), que contrata al demonólogo (o lo que fuera) Aiistair Crowley como asesor en uno de sus montajes, que viaja como un trotamundos por África improvisando piezas teatrales o que se interesa vivamente por el esoterismo y por el pensamiento de Gurdielf y su guía espiritual. Aparece el viajero inquieto, el hombre alegre, el atravesador del globo en busca de esa única certeza que a todos nos constituye, el ser mínimas piezas de un más vasto rompecabezas. Una vida jalonada de montajes teatrales, películas, algunos libros, muchos viajes y encuentros, mucha gente, amigos, colaboradores, de renombre algunos de ellos, anónimos otros, escrita con esa eficacia que hace que su entusiasmo, su pasión por vivir, sean estimulantes, contagiosos. Un libro inevitable.




Peter Brook: «Intento llegar a lo universal a través de lo más sencillo, de lo más humilde»

Wed, 24 Apr 2019 11:53:44 +0200

Con motivo de la concesión del premio Princesa de Asturias de las Artes a Peter Brook recuperamos esta entrevista que concedió a ABC en 2006, en la que el autor repasa sus obsesiones teatrales y se declara admirador de Samuel Beckett. Señor Brook, ¿cuál es el puesto del mestizaje cultural en su propia obra? Muy importante. El teatro comienza por ser un espejo del mundo. Y el mundo es una interminable cadenade mestizajes. En mi caso, he trabajado y aspiro a continuar trabajando con hombres y mujeres de muy distintas procedencias y culturas. Ese diálogo me enriquece y me gustaría pensar que enriquece al público, para conocerse mejor y para conocer al otro, a los otros. El espejo del trabajo teatral, ¿desemboca en la acción política? El teatro político de hace cincuenta años está hoy muy pasado de moda. Aquellos debates de otra época, entre teatro de elites y teatro popular, creo que ya no tienen sentido. A mi modo de ver, el espejo del trabajo y la obra teatral quizá tiene como primera tarea la de despertar las conciencias, agudizar la visión individual y colectiva de la realidad. Mirando la realidad con los ojos abiertos, con serenidad, con limpieza moral, es imposible no terminar por interrogarse. La vieja tentación de intentar «explicar», intentar influir en el espectador, a mi modo de ver, se ha terminado. ¿Y que aporta el mestizaje a esa manera de entender el teatro? Otros mundos, otras voces, otros puntos de vista, otras maneras de ser, otras lenguas. Cada lengua, cada cultura, cadahombre, está en pie y se comporta a su manera. A mi modo de ver, el instrumento más misterioso para hacer teatro es el ser humano. ¿Hay que quemar la vieja tramoya de la magna tradición teatral europea? Yo no soy partidario de quemar nada, sino de enriquecerme con todo. Dicho esto, enmi caso, es cierto que tiendo a despojar mi trabajo de todo lo que no sea esencial. Y, en ocasiones, es difícil hacérselo entender a la crítica. En ocasiones, viene a visitarnos algún señor muy serio que se pregunta donde están todas aquellas cosas, instrumentos, tramoya, de esa tradición teatral a la que usted se refiere. Y, bueno, sonrío, y tengo que explicarle que, en verdad, en mi caso, intento llegar a lo universal a través de lo más sencillo, lo más humilde, lo cotidiano, el cuerpo humano y sus relaciones con lo inmediato, con las cosas de la vida, que pueden ser triviales, dramáticas, sublimes. Desde esa óptica, ¿cuál es el autor más grande del siglo XX; o, al menos, el que a usted más le interesa? Samuel Beckett. ¿Por qué? Hay en Beckett esa búsqueda casi metafísica, muy material, al mismo tiempo, de algo universal, a través de los gestos de la vida más íntima. En Beckett, las cosas más pequeñas pueden transformarse en algo muy grande y universal. Un simple personaje de Beckett, en escena, a través de su mímica, a través de su rostro, puede ir muy lejos en la exploración del alma humana. Hubo un tiempo en que se pensaba que Beckett era muy pesimista, un nihilista. Pienso que era mal comprendido. Beckett puede ser muy trascendente. Con un sentido inmenso del humor, muy tierno, a la manera de Búster Keaton, efectivamente. Hace años, Beckett era un autor para minorías intelectuales. Hoy comienza a ser representado en todo el mundo y está descubriendo nuevos públicos. Los nuevos lectores y espectadores de Beckett son mucho más jóvenes. ¿Hay algo en común entre Beckett y una obra como « Sizwe Banzi ha muerto» que, en primera lectura, es algo más naturalista, más «directo», una tragedia de segregación y racismo? La capacidad para reír, enelmomento más terrible. Y esa capacidad también habla de una capacidad inmensa para resistir y liberarse, a través de la palabra, de entrada. En ocasiones, la palabra también puede ser un instrumento de segregación e insondables diferencias. Quizá. Pero fíjese: España es más rica gracias a sus diferencias. También se da el caso de gentes que aspiran a tener el monopolio de la palabra. Incluso todavía se persigue a quienes usan o abusan de esta palabra, en nombre de una religión revelada. Recuerde el caso de la Ópera de Berlín, amenazada por los islamistas. Todas las grandes religiones han tenido en un momento u otro la tentación de perseguir a los no creyentes o los iconoclastas. Sin embargo, más allá de la historia de las iglesias, cuando se entra en una gran catedral o en una gran mezquita se siente siempre la misma impresión de inmensidad, de la que habla el origen último de todas las religiones, del cristianismo al budismo. En su último montaje de Beckett, uno de sus personajes se arrodilla con frecuencia, y mira al cielo, implorando. Beckett tenía un santo horror por la falsa religión, la falsa piedad. Y no creo que él fuese muy creyente. Sin embargo, en su fondo último quizá hubiese una duda: «yo no creo, pero, quién sabe...». Hay, en Becket, duda, burla, incertidumbre y misterio. Otro tanto pudiera decirse de Shakespeare. «El Rey Lear» es una pieza de un trascendentalismo absoluto. No hay religión aparente. Pero en su tragedia quedan en suspenso inmensas preguntas. Otro tanto pudiera decirse con Dostoievski y sus Hermanos Karamazov.




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